Avant la Révolution

© Mostafa Abdel Aty

Texte et mise en scène Ahmed El Attar – Interprétation Nanda Mohammad, Ramsi Lehner, au Tarmac – Le spectacle a été créé au théâtre Rawabet du Caire, en octobre 2017.

Que se passait-il en Egypte avant le 25 janvier 2011, date d’un soulèvement populaire sans précédent ayant mené à la démission du président Hosni Moubarak, le 11 février ? Deux personnages, en équilibre sur des charbons ardents ou sur une planche à clous, sorte de fakirs hyper concentrés lisent, non pas l’avenir mais le passé proche, en une litanie d’injustices, d’oppressions et de violences énoncées qui s’entrechoquent les unes aux autres mêlant les territoires du privé aux exactions publiques.

Des pas se rapprochent comme du fond d’une prison, qui s’amplifient pour devenir des coups répétés. Les deux acteurs à la forte présence elle, Nanda Mohammad, lui, Ramsi Lehner, tous deux chemises blanches et pantalons aux bretelles rouges, en immobilité forcée face public, semblent pris dans les glaces. Ils sont à l’image des films muets et expriment ici avec une forte intensité et charge émotionnelle qui passe dans la salle, ce qu’on ne saurait exprimer hors de la scène dans un contexte égyptien sous contrôle.

La démarche d’Ahmed El Attar, élaborateur du projet, rédacteur et metteur en scène, est courageuse. Il a puisé dans la presse et les médias, dans les chansons et les feuilletons, dans les discours et les slogans, dans l’épilogue des prières du vendredi, l’indélébile de situations toutes plus tragiques les unes que les autres, pour inscrire au fronton du théâtre – ici via le surtitrage – les actes qui ont grossi le fleuve, menant à la dérive après l’explosion de janvier 2011. Il y mélange le personnel et le collectif, la réalité et la fiction, il n’y a pas, en apparence, de tracé rationnel, mais un copié collé assourdissant.

On connaît le travail d’Ahmed El Attar en France où il a déjà présenté On the importance of being an Arab en 2009 et The Last super entre autre au Festival d’Avignon et au Festival d’Automne, en 2015. Le metteur en scène est un actif entrepreneur culturel, il a fondé au Caire plusieurs structures : le Studio Emad Eddine pour la formation des artistes et médiateurs culturels et pour accompagner les projets indépendants ; Orient Productions pour produire et coproduire les spectacles et événements ; sa compagnie indépendante, Temple. Par ailleurs il dirige le Théâtre El Falaki au Caire relevant de l’Université Américaine où il a créé le Festival D-CAF – Downtown Contemporary Arts Festival – carrefour entre le théâtre égyptien, le théâtre du Moyen-Orient et au-delà la création internationale.

« Le 8 juin 1992, l’écrivain égyptien Farag Foda sortait de son bureau, rue Asmaa Fahmy à Héliopolis pour prendre sa voiture…. » Il n’est vraisemblablement jamais arrivé.

Brigitte Rémer, le 5 décembre 2017

Avec Nanda Mohammad et Ramsi Lehner – musique Hassan Khan – décor et costumes Hussein Baydoun – création lumières Charlie Aström – production Henri Jules Julien.

Du 28 novembre au 2 décembre, au Tarmac, 159 avenue Gambetta. 75020 – Tél. : 01 43 64 80 80. Site : www. letarmac.fr – En tournée à Annecy-Bonlieu scène nationale, les 6 et 7 décembre – à la Filature de Mulhouse, les 24 et 25 janvier 2018 – à la Kultuurfactorij Monty d’Anvers les 26 et 27 janvier – au Caire Festival D-Caf, du 22 au 25 mars.

Les Trois Sœurs

© Thierry Depagne

Un spectacle de Simon Stone, d’après Anton Tchekhov – Odéon Théâtre de l’Europe – Création française d’après la production originale du Theater Basel en version allemande.

La vie quotidienne vaut-elle d’être mise en exergue et en représentation, comme une star ? Miroir, mon beau miroir… ! Elle n’est pas vraiment poétique et se met en scène d’elle-même chaque jour dans les transports, les boutiques, les familles, dans le langage et l’imaginaire parfois proche du zéro pointé. Alors que faire de la chronique d’une famille bobo d’aujourd’hui qui se retrouve dans la villa familiale des vacances cinq ans après la mort du père, belle maison transparente qui tourne sur elle même comme un manège et livre les actes de la vie quotidienne où petits bobos et grands états d’âme des uns(es) et des autres s’entremêlent : potins sur les dernières emplettes, banalités en tous genres – bouchons sur la route, clé égarée, retour de piscine ou de plage, boulot chez SFR –

Les Simon Stone’s Trois sœurs présentent l’histoire de ce club des trois, quatre ou cinq, où on s’ennuie ferme, se demandant, si, comme dans un multiplexe, on ne s’est pas trompé de salle. Le système Simon Stone qui collait si bien à Medea, présenté il y a peu par l’artiste en résidence à l’Odéon-Théâtre de l’Europe, ici ne fonctionne pas, la passion l’alimentait. La vie comme elle va est beaucoup moins captivante. Autant faire un collage personnel sur le sujet plutôt que d’offrir ce bouillon léger sous label tchekhovien – et même si c’est d’après Tchekhov – puisqu’il n’en reste rien que cet exercice de style d’une soi-disant transposition.

La photo de famille est prise devant l’urne contenant les cendres du père, qui encombre un tant soit peu, là se battent les cartes des mélancolies urbaines des personnages qui vont et viennent : les trois sœurs, Olga, Macha et Irina dont c’est l’anniversaire, leur frère André sous substance illicite, amants, amis, une petite communauté privilégiée. On les suit, de pièce en pièce, du rez de chaussée – entre cuisine salon et terrasse – au premier étage dans les chambres et jusqu’aux actes intimes de la salle de bains et des toilettes. On se trouve tout au long du spectacle comme sous caméra de surveillance et dans un vide sidéral, à tel point qu’on a du mal à croire, plus tard, à l’acte final.

La trame serait d’Anton Tchekov, – né en 1860, mort en 1904 – les Trois Sœurs seraient d’aujourd’hui, elles joueraient la partie entre indépendance, féminisme, amourettes, grands problèmes existentiels et tout le kitsch qui va avec, passant de la victoire de Trump aux jugements de valeur version café du commerce, mais qu’est-ce qu’on s’en fout ! Elles se regardent avec complaisance, tentent la séduction, l’alcool et jouent de légèreté. Aucune épaisseur ni nostalgie, aucune vie, on pourrait se croire sur un plateau télé où l’on attend que le temps passe, malgré le jeu d’acteurs/trices qui tricotent comme ils/elles peuvent avec un argument devenu diaphane. Et même si la déclaration d’intention du metteur en scène tend à le justifier dans sa très libre interprétation des choses : « Tchekhov fait commencer toutes ses pièces en indiquant qu’elles se déroulent dans le temps présent, et à cet égard je le prends au mot » notre temps présent, vu sous cet angle ne vaut guère le détour.

Brigitte Rémer, le 29 novembre 2017

Avec : Jean-Baptiste Anoumon – Assaad Bouab – Éric Caravaca – Amira Casar – Servane Ducorps – Eloïse Mignon – Laurent Papot – Frédéric Pierrot – Céline Sallette – Assane Timbo – Thibault Vinçon – Teodor (Kouliguine) – Alex (Verchynine) – Andrei Olga – Natacha Irina – (Touzenbach) Roman Macha Herbert (Fedotik / Rodé) Viktor (Saliony). Traduction française Robin Ormond – décors Lizzie Clachan – costumes Mel Page – musique Stefan Gregory – lumière Cornelius Hunziker.

Tournée 2018 : du 8 au 17 janvier TNP, Villeurbanne – du 23 au 26 janvier Teatro Stabile, Turin – du 1er au 3 février DeSingel, Anvers – 16 et 17 février Le Quai, Angers.

 

 

Paris Photo 2017

© Man Ray “Portemanteau, 1920, exposé par Bruce Silverstein

Cent cinquante galeries et trente et un éditeurs au rendez-vous de la 21ème édition de Paris Photo, parrainée par Karl Lagersfeld – Grand-Palais, Paris.

Ce rendez-vous international mêle les nouveautés du secteur photographique aux séries vintage, les géographies de tous les continents, les formats, techniques et réflexions. C’est un marché, des prix circulent, des alliances et projets se forment. Un Comité réuni autour de Florence Bourgeois, directrice de Paris Photo et de Christophe Wiesner directeur artistique a sélectionné les exposants : plus de cent cinquante galeries et trente et un éditeurs de tous les pays, dont les trois-quarts viennent d’Europe – 31% de France, 14% d’Allemagne et 6% du Royaume-Uni – 17% des Etats-Unis, une poignée de galeries d’Asie, d’Afrique, du Moyen-Orient et d’Amérique du Sud. 40% d’entre elles sont exclusivement dédiées à la photographie, 60% sont des galeries généralistes. La photo documentaire est largement représentée : « Beaucoup d’artistes se sont inspirés du processus documentaire ou pseudo-documentaire pour l’intégrer dans leur processus créatif » constate le directeur artistique. Et Mouna Mekouar, auteur indépendante, précise, lors d’un entretien avec Art Press : « Les artistes qui s’emparent dans leur travail de la complexité du médium témoignent de la manière dont ils explorent le réel et l’imaginaire, l’invention et la restitution, le documentaire et la fiction ; toutes ces notions qui, au gré de leurs travaux, se recoupent ou s’opposent sans parvenir à définir le statut de la photographie. »

Côté vintage, la galerie Bruce Silverstein présente des œuvres de Man Ray dont L’étoile de mer datant de 1928, Masque peint de 1941 et le célèbre Portemanteau de 1920 ; Henri Cartier Bresson avec Dimanche sur les bords de la Marne trace les moments d’insouciance des premiers congés payés, en 1936 ; la Galerie Françoise Paviot présente entre autre une reproduction par déguerréotypie de 1850 de Charles Negre : L’inauguration, asile impérial de Vincennes et des clichés-verre, tirages anciens sur papier albuminé de Camille Corot datant des années 1850. Les archives de Hank O’Neal témoignent de la vie rurale aux Etats-Unis entre 1935 et 1944 avec les photos de Walker Evans, Dorothea Lange, Russell Lee, John Vachon et d’autres, prises pour la Farm Security Administration, organisme d’Etat créé au plus fort de la Dépression. Movement study de Rudolf Koppitz, sorte d’image biblique présentée par la galerie Johannes Faber de Vienne, date de 1925. La Galerie Bene Taschen propose des vintages cibachromes d’Arlette Gottfried dont Summer afternoon, de 1985.

Côté solo-show, Gilles Caron qui a couvert différentes manifestations en 1968, comme le Printemps de Prague, fait parler l’Histoire, avec des clichés de sa série Chorégraphie de la révolte. Door opening de Ferenc Ficzek, une série de douze photos en noir et blanc de 1975, à la lumière très travaillée, est présentée par la galerie ACB. Alex Webb montre sa vision du Mexique avec Tehuantepec/Mexico, 1985, de la Robert Klein Gallery : une architecture rose et des enfants au ballon et tee-shirt bleus. Issey Miyake, de William Klein, 1987, est présenté par Le Réverbère de Lyon qui expose aussi des photos de Denis Roche et Bernard Plossu. Alfred Seiland, australien, est porté par la galerie Johannes Faber de Vienne, avec Ulf Merbold, Titusville Floride, 1997. La Yossi Milo Gallery montre douze photographies en noir et blanc de Mark Ruwedel, Furnaces, prises entre 1996 et 2008, sortes de phares ou de cheminées faussement identiques version nouvelle objectivité. Jalal Sepehr avec Red Zone est présenté par la Silk Road Gallery qui promeut également Ebrahim Noroozi et sa série Lake undecided, 2014, une barque fantôme dans un paysage lunaire, méditation en couleurs sur fond de nuages et reflets, avec un personnage, petit point rouge à la pagaie en équilibre, géométrique, simple et intense. La Silk Road Gallery présente aussi l’univers onirique de Babak Kazemi avec une série mélangeant noir et blanc, et couleur, Exit of shirin & Farhad, 2012. Mutations/Düsseldorf, Primary Demonstration de Klaus Rinke montre le corps en action. La Gallery Taik Persons propose le travail d’Anna Reivilä, d’Helsinki From the series Bond réalisé en 2016/2017 : pierres et branches ligotées et abandonnées dans la nature, dans l’eau ou la neige et celui de Riitta Päiväläinen qui joue de reflets et de compositions dans la nature avec From the series River Notes ; Massimo Vitaly sorte de regard à la Martin Parr D0017 Carcavelos Pier, Portugal 2016 fait partie de la Benrubi Gallery. Payram, Iranien exilé, montre, avec Syrie 55, 2002/2010 de la Galerie Maubert, des paysages et des bâtiments, entre lumière crue et noir profond. Mo Yi avec Notice fait un journal-montage de cinquante-deux photos sur les politiques en action avec saluts militaires et foules rassemblées, et avec la présence de Mao Tsé Toung. D’autres leaders politiques sont à l’affiche comme Fidel Castro et Che Guevara, avec des photographies non signées. Guy Tillim joue des couleurs : rose, vert, jaune, rouge, bleu, blanc, en montrant la ville africaine, la rue et ses habitants. Andrès Serrano avec Untitled V (Torture) réalisé en 2015 est présenté par la Galerie Nathalia Obadia ; Ernest Pignon-Ernest Pasolini assassiné Si je reviens Roma 3, 2015, est promu par la Galerie Lelong and Co. La Galerie Paris-Beijing présente Time immemorial de Yang Yongliang, un vaste paysage nocturne et les lumières de la ville, Sohei Nishino, un diorama Map Berlin, 2012 avec Michaël Hoppen Gallery. La mutinerie de Freeman Field, d’Omar Victor Diop, 1945, en 2017, est portée par la Galerie Magnin.

Dans la diversification des propositions, quatorze projets mis en exergue dans le secteur Prismes, créé en 2015, sont présentés dans le Salon d’Honneur  du Grand-Palais : des performances, des séries avec entre autre les créations inédites de Jungjin Leea, Unnamed road et Tim Rautert, Deutsche in uniform série de vingt-huit images, des installations comme Stop the bomb de Henry Chalfant ou Finding bones de Grey Crawford, une sélection de photographies de la collection Helga de Alvear, galeriste et collectionneuse d’Estrémadure dont le commissariat est assuré par Marta Gili, directrice du Jeu de Paume, sous le titre Les Larmes des choses.

Pour la première fois, une section film/vidéo est proposée, en partenariat avec le réseau MK2, Marin Karmitz étant un fin collectionneur de photographies et le producteur distributeur qu’on connaît. Trois séances quotidiennes et des films d’artistes présentés par les galeries de Paris Photo comme Vers la lumière de Naomi Kawase et Vingt-quatre frames d’Abbas Kiarostami, mais aussi Comédie, de et avec Samuel Beckett, film tourné par Karmitz. Par ailleurs une Carte blanche Etudiants est donnée à quatre jeunes d’écoles européennes, sélectionnés par jury pour présenter leur travail à Paris Photo, et Gare du Nord et une Plateforme conversation offre chaque jour des rencontres-dialogues animées par des personnalités autour de trois axes : La question de la couleur, ce qu’elle représente d’un point de vue esthétique, social et technique pour la photographie – La photographie trompe et montre qu’elle trompe – De l’enregistrement du réel, des pionniers à la méta-réalité, de l’univers numérique.

Karl Lagersfeld, directeur artistique des maisons Chanel, Fendi et Karl Lagerfeld, directeur de publication et éditeur, parrain de la manifestation, partage ses coups de cœur, sa signature en atteste. Et le public, autour de 60 000 visiteurs professionnels ou amateurs, butine, dans une ambiance de découverte, pour achat ou pour le plaisir, ou les deux.

Brigitte Rémer, le 29 novembre 2017

Du 9 au 12 novembre 2017 – Paris Photo – Grand Palais, avenue Winston Churchill. 75008. Métro : Alma Marceau – Site : www.parisphoto.com

D comme Deleuze

© Didier Crasnault

Ecriture collective autour de l’œuvre de Gilles Deleuze – Mise en scène Cédric Orain – Compagnie La Traversée.

Il s’agit d’une « conférence un peu mouvementée autour de l’œuvre de Gilles Deleuze » informe le dossier de presse. Deleuze lui-même est un mouvementé dans la vitalité de sa pensée, il transforme notre perception de la vie et du monde, travaille sur le sens et le non sens, sur le sens interdit le désir, sur l’inconscient.

Né en 1925, agrégé de philosophie en 1948, il est au zénith de sa pensée dans les années 68 et nommé professeur en 69 à l’Université naissante donc expérimentale de Paris 8 Vincennes (devenue Saint-Denis) après soutenance de sa thèse sur les concepts de différence et répétition. Il marque de son empreinte l’Université comme il marque les étudiants qui l’ont approché et se précipitaient à ses séminaires, sorte de causeries et de temps d’échange des plus conviviaux. On affichait complet chez Deleuze, on réinventait la relation maître/élève, on construisait des labyrinthes.

Le philosophe s’intéresse d’abord aux auteurs les moins en vogue à l’époque comme Hume, Spinoza, Nietzsche et Bergson qui l’inspire particulièrement, Foucault plus tard, fait une rencontre magistrale avec le psychanalyste Félix Guattari. Ensemble ils commettent plusieurs ouvrages dont deux devenus phares, dans la série Capitalisme et schizophrénie : L’Anti-Œdipe en 1972 où ils posent la question de l’inconscient : « Ce n’est pas un théâtre, mais une usine, un lieu et un agent de production. Machines désirantes : l’inconscient n’est ni figuratif ni structural, mais machinique… » et Mille Plateaux en 1990, où ils « retraversent tous les régimes de signes : la linguistique et l’écriture, mais aussi la musique, la philosophie, la psychiatrie, l’économie et l’histoire : celle des peuples et celle de l’appareil d’État. » Tous deux s’intéressent aux transformations du champ social, parlent d’art, de science et de politique, Deleuze reste pourtant fidèle à l’histoire de la philosophie, s’intéresse au cinéma et écrira sur ce thème deux ouvrages qui ont fait date, L’image-mouvement en 1983 et L’image-temps en 1985.

Alors que faire avec un tel agitateur d’idées, un franc tireur et libre penseur comme Deleuze quand on désire le porter au théâtre ? Lui, l’anti-héros, ne se laisse pas mettre en boîte si facilement. La compagnie a choisi de travailler sur les quatre premières lettres de son Abécédaire, long entretien télévisé élaboré par son ancienne étudiante Claire Parnet en 1988, réalisé par Pierre-André Boutang. La condition qu’il y mettait, lui qui n’acceptait pas d’être filmé, était de ne le diffuser qu’après sa mort.

A comme animal, B comme boisson, C comme culture, D comme désir. Cédric Orain, le metteur en scène, a choisi le thème de la conférence comme mise en situation et en espace. Trois acteurs sont autour d’une table, diffusant la parole jusqu’à ce que tout se dérègle. Il y a celui qui soliloque, celui qui ressemble furieusement au philosophe et celui qui vole, il est acrobate. L’esprit y est, le sérieux comme la dérision. On termine sur quelques mots dits par Deleuze et son immense éclat de rire, alors que, luttant contre la maladie, il se donne la mort, en 1995. « Ce sont les organismes qui meurent, pas la vie » avait-il écrit. La mise en scène est raisonnablement mouvementée et toute approche de Deleuze offre à penser.

Brigitte Rémer, le 18 novembre 2017

Avec Olav Benestvedt, Guillaume Clayssen, Erwan HaKyoon Larcher – lumière, régie générale Germain Wasilewski – administration, production, diffusion La Magnanerie : Julie Comte, Anne Herrmann, Victor Leclère, Martin Galamez – Site : www.latraverse.net

Du 30 octobre au 9 novembre 2017, 20h30 – L’Échangeur, Bagnolet 59, avenue du Général de Gaulle 93170 Bagnolet – Métro Galliéni –  www.lechangeur.org – Tél. : 01 43 62 71 20.

Spectacle créé le 1er mars 2017 au Phénix, Scène nationale de Valenciennes dans le cadre du festival cabaret de curiosités.

Mali Twist

© Malik Sidibé – Nuit de Noël – (1963)

Exposition des photographies de Malick Sidibé – Fondation Cartier pour l’art contemporain. Commissaire d’exposition André Magnin, en collaboration avec Brigitte Ollier.

De la joie de vivre dans le Mali post-colonial, il s’est fait le porte-parole. Malik Sidibé est né en 1935 à Soloba, au Sud du Mali, dans une famille paysanne d’origine peule. Il s’en est allé le 14 avril 2016, à Bamako, et repose au village. Un ancien s’éteint c’est une bibliothèque qui brûle dit le proverbe. Si la bibliothèque se consume, sa photothèque nous réchauffe, elle a valeur de témoignage sociologique et porte la trace des années 60, dans son pays, celles des années de liberté, juste après l’Indépendance.

Formé au dessin et à la bijouterie à l’école des artisans soudanais – les fondations de l’Institut national des arts de Bamako – il est vite remarqué pour ses talents de dessinateur. Il entre, en 1955 au studio de photographies de celui qu’on surnomme Gégé la Pellicule, Gérard Guillat-Guignard un français gérant du studio Photo-Service avec qui il apprend la photographie. Malick Sidibé, qu’on nommera plus tard L’œil de Bamako, ouvre son premier studio en 1958 puis, en 1962 le studio du quartier Bagadadji où il restera longtemps. Il se spécialise d’abord dans la photographie de reportage, notamment en allant dans les soirées des jeunes de la capitale, puis, à partir des années 70, se tourne davantage vers les portraits, réalisés en studio. Les Rencontres africaines de la photographie de Bamako en 1994 participent de sa reconnaissance internationale, ainsi que la première rétrospective de son travail, présenté hors d’Afrique, à l’initiative de la Fondation Cartier, en 1995. Les Rencontres de la photographie d’Arles honorent sa mémoire dans l’édition 2016 où l’Afrique est sur le devant de la scène, avec l’exposition Swinging Bamako. La fabuleuse histoire des Maravillas du Mali, du nom d’un des groupes de musique africaine du pays. Il a reçu de nombreux Prix de la Photographie dont celui de la Fondation Hasselblad, en 2003, pour la première fois attribué à un photographe africain ; un Lion d’or d’honneur de la Biennale d’art contemporain de Venise, en 2007, pour l’ensemble de sa carrière ; l’Infinity Award for Lifetime Achievement du Centre international de la Photographie de New-York, en 2008 ; il fut nommé Officier dans l’Ordre des Arts et des Lettres, en 2011. Une belle carrière d’observation et de modestie, qualités dont il ne se départira jamais.

Avec Mali Twist c’est un parcours joyeux de plus de deux cent cinquante photographies qui est proposé par la Fondation Cartier dont une grande partie est consacrée aux soirées dansantes de Bamako. Twist, rock’n’ roll et musiques afro-cubaines sur fond de 45 tours vinyle et de leurs pochettes souvent dessinées par le photographe accompagnent le parcours, ainsi qu’en sourdine la playlist originale des standards chaloupés, concoctée par Manthis Diawara et André Magnin. Mali Twist, le titre de l’exposition, fait référence à la chanson éponyme de Boubacar Traoré, chanteur et guitariste malien, sortie en 1963. « J’étais le seul jeune reporter de Bamako à faire des photos dans les surprises-parties. Les jeunes de Bamako se regroupaient en clubs. Ils empruntaient leurs noms à leurs idoles – Les Spotnicks, Les Chats sauvages, Les Beatles, Les Chaussettes noires – ou au journal Cinémonde qui venait de France. Souvent dans la rue ils s’appelaient : Hé ! Beatles !… On avait beaucoup d’occasions de s’amuser. » Ainsi, Regardez-moi (1962), photo de la Collection Fondation Cartier une grande joie de vivre pour ce twisteur faisant une figure acrobatique sous les yeux de son amie. Nuit de Noël (1963) un splendide pas swingué, esquissé entre un frère et sa petite sœur à qui il apprend à danser, tous deux concentrés et de blanc vêtus, une image devenue emblématique dans l’histoire de la photographie africaine, « C’est une photo que j’adore » disait Malick Sidibé. Dansez le twist (1965) où l’on rase le sol dans les figures et d’où émane une franche gaîté. Fans de James Brown (1965) où deux jeunes filles arborent la pochette du vinyle James Brown, musique sur laquelle visiblement elles dansent. « Les jeunes quand ils dansent, sont captivés par la musique. Dans cette ambiance on ne faisait plus attention à moi. J’en profitais pour prendre les positions qui me plaisaient » dit Sidibé. « Je faisais des tirages à mon retour des soirées, parfois jusqu’à six heures du matin. Je les regroupais par club, puis je les numérotais et les collais sur des chemises cartonnées. Je les affichais le lundi ou le mardi devant le studio. Tous ceux qui avaient participé aux soirées étaient là et se marraient en se voyant sur les photos… Seuls les garçons achetaient les photos et les offraient en souvenir aux filles… »

Les nombreux tirages d’époque développés de 1962 à 1978 dans son modeste atelier forment un vaste ensemble d’informations sur la vie adolescente, la danse et l’effervescence de la vie à Bamako. Il y en a beaucoup, petits formats aux bords dentelés rassemblés sur de grandes feuilles, qui gardent l’empreinte de ces moments détendus, entre jeunes. « Certains commandaient des tirages sans les acheter, le plus important était que leurs photos soient vues. Commandées par de jeunes bamakois sapés à la dernière mode, ces tirages sont la mémoire des moments de joie et de plaisir où ces jeunes découvraient leur image magnifiée par leur ami Malick Sidibé » dit le photographe. Autre série présentée, les photos de cette jeunesse rieuse au bord du fleuve Niger où ils se retiraient du monde pour écouter leurs musiques favorites, se baignaient, pique-niquaient et s’amusaient devant l’objectif de Sidibé qui les accompagnait et qu’ils surnommaient Malicki. Cela donne Pique-nique à la chaussée (1972), A la plage (1974), Combat des amis avec pierres au bord du Niger (1976), une série qui témoigne de leurs jeux et passe-temps. « Le dimanche, pendant les grosses chaleurs, on se retrouvait au bord du fleuve Niger, à la Chaussée, au lieu-dit du Rocher aux Aigrettes. Les garçons apportaient des électrophones à piles et des disques, on faisait du thé, on se baignait, on dansait en plein air. Je faisais beaucoup de photos à l’improviste, ça me plaisait beaucoup » commente Sidibé.

Autre thème, autre partie de l’exposition, les portraits que Sidibé réalisait dans son studio, vite devenu incontournable, où défilaient toutes sortes de modèles qu’il photographiait d’un œil toujours complice. Les jeunes de milieux populaires – seuls ou à plusieurs, habillés dernier cri pantalons patte d’éléphant la mode du moment, chemises bigarrées, chapeaux bien enfoncés, regards droits dans les yeux du viseur – venaient prendre la pose devant un rideau à rayures, parfois sur un fond neutre, souriants ou intimidés, assis ou en pieds. Ainsi Un yéyé en position (1963) chemise à fleurs et lunettes noires ; Nous deux avec guitare (1968) : vêtements kitsch pantalons zébrés, comme le tissu sur lequel ils posent, lunettes noires, une fleur à la main ; Sans titre (1973) portrait en pied d’une jeune femme, pantalon blanc patte d’éléphant, chemisette à manches courtes et chapeau qui auréole le visage, formes et reliefs bien en vue ; Un jeune gentleman (1978) pied posé sur un tabouret, le geste du penseur, cravate fleurie, tissu décoré au sol ; Un gentleman en position (1980) photographié en pied, costume impeccable pantalon patte d’éléph, gilet, cravate et grand béret. « En studio, j’aimais le travail de composition. Le rapport du photographe avec le sujet s’établit avec le toucher. Il fallait arranger la personne, trouver le bon profil, donner une lumière sur le visage pour le modeler, trouver la lumière qui embellit le corps. J’employais aussi du maquillage, je donnais des positions et des attitudes qui convenaient bien à la personne. J’avais mes tactiques. Ce travail que j’aimais trop m’a fait solitaire. Je ne pouvais plus le quitter ! » commente Malick Sidibé.

Le photographe n’aimait que le noir et blanc et « arrangeait un peu la réalité pour mieux dire la vérité » comme il le justifiait si bien. Au rez-de-chaussée de la Fondation Cartier, son studio est reconstitué, avec un parterre à damier noir et blanc où les visiteurs peuvent prendre la pose. Assis ou en pied, des accessoires mis à leur disposition, ils sont invités à se prendre en photo avec leur appareil ou leur Smartphone et peuvent ensuite partager leurs photos sur les réseaux sociaux, avec le hashtag #StudioMalick. Par ailleurs, deux artistes invités ont reçu commande de la Fondation : l’artiste ghanéen Paa Joe qui a réalisé la sculpture en bois géante d’un Rolleiflex, appareil qu’aimait utiliser Sidibé et une toile de Jean-Paul Mika, artiste de République Démocratique du Congo, Souvenir ya Bonane Tango ya Molato. Le superbe film tourné par Cosima Spender en 2008, Dolce Vita Africana est présenté en fin de parcours et permet de suivre le photographe au quotidien, à Bamako et Soloba.

Avec cet ensemble exceptionnel, l’œuvre de Malick Sidibé témoigne de l’insouciance et de la vitalité de la jeunesse bamakoise des années 60 à 80. C’est la trace d’une époque libre et captivante au Mali, Sidibé y a fait un magnifique travail d’artiste et de sociologue, renvoyant une image joyeuse et malicieuse du pays. La Fondation Cartier s’en est emparée, l’ensemble est magnifiquement agencé par les deux commissaires Brigitte Ollier et André Magnin, notamment l’immense sous-sol. L’exposition se prolonge par des activités programmées lors des Soirées Nomades – concerts, bals populaires, marionnettes traditionnelles, studio photo ambulant – A ne pas manquer.

Brigitte Rémer, le 31 octobre 2017

Du 20 octobre 2017 au 25 février 2018 – Fondation Cartier pour l’art contemporain, 261 boulevard Raspail, 75014. Paris – Métro Denfert-Rochereau – www.fondationcartier.com – Tél. : 01 42 18 56 67/50 – Le catalogue, en version française et anglaise, est publié par les éditions Xavier Barral, avec des Textes de André Magnin, Brigitte Ollier, Manthia Diawara, Robert Storr et Malick Sidibé.

 

 

F(l)ammes

@ François Louis Athenas

Texte et mise en scène Ahmed Madani – Création théâtrale partagée – Focus femmes ! Madani Compagnie.

Depuis 1985 Ahmed Madani s’entoure de collectifs d’artistes et fouille dans les cultures urbaines. Il transforme la réalité en spectacle, au plus près des faits de société et s’intéresse particulièrement aux français d’origine étrangère, témoignant de leurs perceptions et regards sur la vie. Directeur du Centre dramatique de l’Océan Indien de 2003 à 2007 il reprend ses activités et sa démarche au sein de la Madani Compagnie, à son retour et monte différents spectacles – dont Le théâtre de l’amante anglaise de Marguerite Duras – qui tournent en France et à l’étranger. Depuis 2011 Ahmed Madani développe un projet intitulé Face à leur Destin, une aventure artistique menée avec les jeunes des quartiers populaires du Val Fourré. Illumination(s) en 2012 en est le premier volet, versant masculin de F(l)ammes, présenté aujourd’hui et réalisé avec de jeunes femmes vivant dans des zones urbaines sensibles. Le texte s’est écrit au fil des répétitions.

Neuf chaises en fond de scène, face au public. Neuf jeunes femmes se lèvent tour à tour et se présentent pour déposer leur récit, morceau de leur biographie transcendée par la distance de l’humour, de l’auto dérision et de la poésie. L’énergie qu’elles dégagent, la force de vie qui les habite, sont une belle leçon. Côté public, même si l’on sait : les brimades, les incidents, les insultes, la difficulté d’être autre et de s’intégrer, le sentir à travers ces jeunes femmes qui, droit devant et avec simplicité, le disent, provoque une grande émotion. Elles sont la pluralité des cultures venant d’Algérie, de Guinée, d’Haïti et de tous les pays du monde, et font référence à Claude Lévi-Strauss dénonçant l’ethnocentrisme dans son ouvrage Race et Histoire, publié en 1952.

« N’aie jamais honte de là d’où tu viens » disent les pères à leurs filles et les filles à leurs pères et mères. Anissa, Lorène, Dana, Chirine, Maurine, Ludivine, Haby, Inès et Yasmina parlent en leur nom propre, du père, forestier en Guinée Conakry et « de la forêt qui est en nous », de celui qui fut ouvrier chez Renault, de celui qui a servi la France sous les drapeaux, du regard des profs, du bruit des avions et de l’appartement qui tremble, d’une rencontre dans le métro, du travail chez les autres, du défrisage, de l’excision. Le voile provoque une vraie fausse bagarre, copie conforme à la réalité, à s’y méprendre. « Le rêve que j’ai en moi, c’est mon père qui me l’a transmis ». Les rêves de l’ailleurs et les gestes traditionnels observés et enregistrés, les signes et tatouages, la préparation de la mahjouba cette crêpe feuilletée venant d’Algérie, ma grand-mère « qui m’a appris l’arabe tandis que je lui ai appris à compter. » Leurs vérités sont énoncées, leurs utopies tracées. A mes enfants, « Ne pas transmettre ma peur du monde » dit l’une ; « Être une fille, une prison pleine d’amour » dit l’autre ; « Nos racines sont sur nos têtes », surenchérit une troisième. Et rien dans les livres d’histoire.

Elles sont d’une vivacité et d’une liberté à couper le souffle dans ce qu’elles disent et dans leur manière d’être sur le plateau : elle savent chanter, danser (Salia Sanou, chorégraphe) persiffler, se héler, émouvoir. Elles sont de flammes et de voix, des écorchées bien vivantes. Les récits qu’elles font de leurs vies et leur force pour avancer parlent d’altérité dans la France d’aujourd’hui. Quelques images les accompagnent, justes et bien dosées (Nicolas Clauss création vidéo).

Belle rencontre entre un auteur-metteur en scène et une parole libérée qui renvoie en miroir les heurts et malheurs d’une jeunesse éclatante. « Ma démarche artistique pose le postulat que l’art doit interroger le sens que nous donnons à notre existence et nous aider à mieux nous comprendre » dit Ahmed Madani. Il prépare pour l’automne 2018 un spectacle intitulé J’ai rencontré Dieu sur Face Book. A suivre de près. 

Brigitte Rémer, 31 octobre 2017

Avec Anissa Aou, Ludivine Bah, Chirine Boussaha, Laurène Dulymbois, Dana Fiaque, Yasmina Ghemzi, Maurine Ilahiri, Anissa Kaki, Haby N’Diaye, Inès Zahoré. Assistante à la mise en scène Karima El Kharraze – regard extérieur Mohamed El Khatib – création vidéo Nicolas Clauss – création lumière et régie générale Damien Klein – création sonore Christophe Séchet – chorégraphie Salia Sanou – costumes Pascale Barré et Ahmed Madani – coaching vocal Dominique Magloire et Roland Chammougom – photographie François-Louis Athénas – Le texte est publié aux éditions Actes Sud-Papiers.

Jusqu’au 29 octobre, Maison des Métallos, 94, rue Jean-Pierre Timbaud, 75011. Métro : Couronnes, Parmentier – Tél. : 01 47 00 25 20 – Site : www.maisondesmetallos.paris

Du 16 novembre au 17 décembre, Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes, Route du champ de manœuvre. 75012 – Métro ligne 1, Château de Vincennes (sortie 6), puis bus 112 ou navette Cartoucherie – Tél. : 01 43 28 36 36 – Site :  www.la-tempete.fr

 

Dans la solitude des champs de coton

© Jean-Louis Fernandez

Texte Bernard-Marie Koltès – mise en scène Charles Berling, au Théâtre des Quartiers d’Ivry-Manufacture des Œillets à Ivry.-sur-Seine.

On se plonge toujours avec inquiétude dans un texte de Bernard-Marie Koltès, il y règne une atmosphère souterraine et la lumière est crépusculaire. Avec Dans la solitude des champs de coton, pièce écrite en 1985, on traverse une épaisse couche de brouillard où tout est allusion et chaque mot, alluvion.

Quand on pense Koltès apparaît Chéreau. Les deux artistes s’étaient rencontrés au début des années 80, début de leur collaboration jusqu’à la mort de l’auteur, en 1989. Sous haute tension leurs univers interféraient. Chéreau a monté trois fois Dans la solitude des champs de coton après avoir mis en scène Combats de nègres et de chiens en 1983 et Quai Ouest en 1986 : à Nanterre en 1987 avec Isaac de Bankolé et Laurent Malet ; au Festival d’Avignon en 1988 où il tient le rôle du Dealer face à Laurent Malet ; à la Manufacture des Œillets d’Ivry-sur-Seine en 1995 où il fait face à Pascal Greggory. La symbiose entre les univers Koltès/Chéreau est restée emblématique.

Mais une pièce doit vivre sa vie et accepter d’autres regards, d’autres directions ; ainsi Dans la solitude des champs de coton montrée à la Manufacture des Œillets d’Ivry-sur-Seine justement, dans la mise en scène de Claude Berling, directeur du Liberté, scène nationale de Toulon, qui interprète aussi le rôle du Client. Le scénario est un nocturne au sens musical du terme. C’est l’histoire d’un deal, d’une rencontre entre deux personnages, le Client et le Dealer, et l’objet de l’échange n’est pas nommé. L’auteur définit le deal dans un préambule, lu ici par deux jeunes, à l’avant-scène, sur un coin du plateau : « Un deal est une transaction commerciale portant sur des valeurs prohibées ou strictement contrôlées et qui se conclut dans des espaces neutres, indéfinis, et non prévus à cet usage… » C’est un voyage entre le licite et l’illicite où le Dealer est ici une femme noire (Mata Gabin), ce qui ajoute au mystère. Dissimulée sous une capuche, elle fait face au public et au Client, blanc, au costume fatigué (Charles Berling). Lui est presque toujours de dos. Quelques enseignes jaunes et bleues, dans une impasse. Un recoin où se tient le dealer pour ce jeu de rôles entre deux inconnus. Les mots sont un fardeau, flot presque ininterrompu et sans véritable échange. Deux solitudes se frôlent mais jamais les lignes de vie ne se croisent, pourtant le désir émerge, la transaction se dessine, dans la nuit le sexe, la mort jamais loin. On se cherche sans se trouver. La tension est linéaire et la violence sous-jacente.

Imposant, le décor (de Massimo Troncanetti) reconstruit un no man’s land en plusieurs espaces et métaphores : une passerelle entre le public et le plateau, domaine du Client que tout un chacun pourrait être, le coin de la rue avec ses enseignes dans la nuit et ses lumières blafardes, domaine du Dealer, un étage, sorte de ring où chaque personnage monte à son tour livrer son combat. Tout fonctionne dans la mise en scène de Charles Berling, pourtant les mots ont presque trop de poids et de présence et perdent de leur pouvoir magique, mettant de la distance avec le domaine de l’intime, clé de voûte du théâtre de Bernard-Marie Koltès.

Brigitte Rémer, le 30 octobre 2017

Avec : Mata Gabin, Charles Berling. Conception du projet Charles Berling, Léonie Simaga – collaborateur artistique, Alain Fromager – décor Massimo Troncanetti – lumières Marco Giusti – son Sylvain Jacques – assistante à la mise en scène Roxana Carrara – regard chorégraphique Franck Micheletti.

Du 12 au 22 octobre, au Théâtre des Quarties d’Ivry, Centre dramatique national du Val-de-Marne, Manufacture des Œillets, métro : Mairie d’Ivry –  Site : www. théâtre-quartiers-ivry.com Tél. : 01 43 90 11 11 et Le Liberté www. théâtre-liberte.fr

En tournée, le 2 novembre au Liberté scène nationale de Toulon – du 8 au 10 novembre au Théâtre du Gymnase (Marseille) – le 18 novembre au Carré (Sainte-Maxime) – le 24 novembre à Aggloscènes-Théâtre le Forum (Fréjus).

 

Je suis Voltaire…

© Margot Simonney

Texte et mise en scène Laurence Février – Chimène compagnie théâtrale – Théâtre de l’Epée de Bois/Cartoucherie de Vincennes.

Quelles voies utiliser pour parler de l’intolérance et du fanatisme au théâtre, sans être didactique ? Laurence Février, auteure et metteure en scène de Je suis Voltaire… a choisi de prendre pour fil conducteur l’un des grands philosophes du XVIIIème siècle, Voltaire, qui avait signé un Traité sur la tolérance. Elle construit un docu fiction et se donne pour liberté de rappeler deux affaires qui avaient mené à l’exécution d’innocents, dans lesquelles Voltaire avait pris parti et dénoncé les erreurs judiciaires : l’Affaire Calas en 1761, essentiellement politique, sur fond de conflit religieux entre protestants et catholiques et l’affaire du Chevalier de la Barre, en 1765, dans laquelle Voltaire s’était fortement engagé, combattant le fanatisme religieux et remettant en cause la justice pour défendre ce jeune noble français qui à l’âge de vingt et un ans, s’était vu condamner pour blasphème et sacrilège. Elle se donne aussi le courage d’une incursion du côté de l’actualité en évoquant les arrangements et les meurtres commis impunément par Daesh, Voltaire n’avait-il pas écrit Le fanatisme ou Mahomet le Prophète ?  

Et tout repose sur le jeu des actrices, pétillantes, et des acteurs. Journaliste d’investigation, Laurence Février installe son équipe de tournage, en action avant même l’entrée des spectateurs et construit son scénario. Elle mène des interviews, à la recherche de l’esprit voltairien, dissèque et analyse avec humour et finesse le Traité sur la tolérance et l’importe dans le monde d’aujourd’hui, en jouant entre l’intime et la distance.

Le portrait de Voltaire, rockstar de la pensée comme le dit le texte, est principalement brossé par Madame du Châtelet de laquelle le philosophe était tombé follement amoureux : « Il est foudroyé par elle » reconnaît la journaliste. C’est elle, Emilie du Châtelet, intellectuelle et écrivaine, parlant le latin et le grec, son égale excentrique et sa moitié, qui le raconte. Elle le dit imprévisible et ingouvernable, écrivant des brûlots et risquant sa vie et rappelle qu’il fut embastillé à l’âge de vingt-quatre ans pendant plus d’un an, et qu’il se vit contraint par moments, d’écrire sous anonymat : « J’écris pour agir conte l’intolérance et l’hypocrisie » confirme-t-il. Emilie du Châtelet traduit aussi Principia Mathematica, d’Isaac Newton, qui établit les lois universelles du mouvement et découvre la gravitation, elle tente de médiatiser son œuvre ; elle évoque aussi la belle Hypatie d’Alexandrie, mathématicienne et philosophe grecque exécutée par des chrétiens, en 415. Le texte fait des aller retour dans le temps et nous mène jusqu’à Gilles Deleuze avec sa réinterprétation des plis de Leibnitz et la création de l’Université de Vincennes qui redonnait le goût d’apprendre ; une professeure des prisons débat en direct dans l’émission L’horrible danger de la lecture, sur le thème du patrimoine et de l’art contemporain, contredite par une prisonnière agressive qui lui répond en termes de théorie du complot.

Le spectacle conduit ensuite vers ces espaces d’intolérance extrême qui tuent au nom de Dieu, notre drame quotidien et contemporain que représente Daesh, et devise sur cette nouvelle Inquisition et sur les notions de bien et de mal. D’autres personnages interfèrent dans cette quête de tolérance dont Ézéchièle l’ange sacrificateur et subversif, le livreur scientifique et la fanatisée. Les temps se croisent et les langues s’interpénètrent – le français et l’arabe – Voltaire avec son esprit de révolte apparaît comme une métaphore pour parler de l’intolérance d’aujourd’hui. Une belle et courageuse proposition, un jeu dramatique qui ne se la joue pas, de l’intelligence, de la réflexion. Telle est l’entreprise menée par Laurence Février et son équipe qui œuvre avec discrétion et discernement depuis de nombreuses années, avec Chimène, sa compagnie théâtrale. « Craignons toujours les excès où conduit le fanatisme. Qu’on laisse ce monstre en liberté, qu’on cesse de couper ses griffes et de briser ses dents, que la raison si souvent persécutée se taise, on verra les mêmes horreurs qu’aux siècles passés ; le germe subsiste : si vous ne l’étouffez pas, il couvrira la terre » ​ signé Voltaire.

Brigitte Rémer, le 10 octobre 2017

Avec Elena Canosa (Ninon Welches, française fanatisée) – Laurence Février (Almona Grou, journaliste d’investigation) – Véronique Gallet (Ezechièle, Ange) – René Hernandez (Frédéric Sidrac, camionneur, professeur-tuteur) – Moussa Kobzili (François Moabdar, historien, traducteur-tuteur) – Catherine Le Hénan (Emilie du Châtelet). Dramaturgie, scénographie, environnement sonore Brigitte Dujardin – Lumières Jean-Yves Courcoux.

Du 2 octobre au 21 octobre 2017, du lundi au vendredi à 20h30, samedi 16h et 20h30 – Théâtre de l’Épée de Bois Cartoucherie Route du champ de manœuvre 75012 Paris – Métro Ligne 1, arrêt Château de Vincennes. Sortie N°6 puis bus 112 direction La Varenne : arrêt Cartoucherie – Tél. : 01 48 08 39 74 – Site www.epeedebois.com

 

 

Lorenzaccio

© Pierre Grosbois

Texte d’Alfred de Musset – mise en scène Catherine Marnas – Théâtre de l’Aquarium / La Cartoucherie

Personnage on ne peut plus trouble au double visage, Lorenzo s’affiche comme le compagnon de débauche et de dépravation d’Alexandre de Médicis son cousin et duc de Florence, régnant avec tyrannie sur la ville. Depuis 1500 les Médicis ont mainmise sur Florence, et, d’après l’Histoire, y restent plus de trois siècles. Enfant illégitime se faisant souvent traiter de bâtard, on le dit fils du pape Clément VII. Alexandre est mis en place par l’Empereur Charles Quint et le pape Alexandre Farnèse, dit Paul III, il se glisse dans la peau d’un bouffon et utilise Lorenzo pour les basses besognes. Ce dernier joue le scénario du parfait entremetteur et de l’ami fidèle dans la dépravation – on pourrait même parler de la construction d’une figure du double entre ces deux hommes se ressemblant trait pour trait – il se donne pourtant pour objectif d’éliminer Alexandre. En 1537, la cour de Florence est un lieu de luxure et de complot, avec la bénédiction du pape et de son représentant, le Cardinal Cibo, qui aime brouiller les pistes. Décadence, immoralité et libertinage de l’aristocratie, en sont les signes.

Le spectacle commence par l’illustration de la débauche, version d’aujourd’hui. Alexandre et Lorenzo se vautrent, boivent, se travestissent et se dézinguent, alcoolisés et shootés. Et Lorenzo ne se contente pas d’être spectateur, il est acteur et complice et joue de l’ambiguïté physique, sexuelle et morale. Des bruits courent sur son manque de courage et une certaine faiblesse, il le démontre un jour en s’évanouissant devant une épée, il ne paraît guère dangereux. Les époques se mélangent et le Cardinal Cibo, aussi trouble que le reste de la cour, met en garde Alexandre sur l’idée du meurtre que pourrait accomplir Lorenzo, mais le Duc n’y accorde aucune attention. Dans la peinture dégradée de la société florentine, on trouve la marquise Cibo, belle-sœur du Cardinal cédant aux avances d’Alexandre, quoique mariée, espérant faire bouger les lignes du despote ; Tebaldeo, peintre, chargé de faire le portrait du duc ; Côme de Médicis, qui, sous tutelle de l’église, sera le remplaçant du Duc, à sa mort ; Pierre Strozzi issu d’une famille républicaine, sorte de meneur des opposants dont on empoisonne la sœur, Louise, et dont le père, Philippe, sera exilé. Ami et confident de Lorenzo, Philippe Strozzi est un point central de cette Florence en perdition, sans doute la seule figure positive dans ce vaste champ de perversité politique. Il voudrait convaincre de la sincérité de Lorenzo et le verrait bien en libérateur, ce qu’on a du mal à croire dans cette lecture de la pièce tant l’accent est mis sur l’aspect dégradé de l’ensemble des personnages. Lorenzo n’a, ici, rien de romantique, on a peine à l’entendre hors de la sphère de la luxure.

Certes l’amertume de Musset quand George Sand le quitte, entraine chez lui une grande désillusion ; le contexte politique du moment, en France, n’a par ailleurs, rien de porteur, la révolte dite des Trois Glorieuses du 27 au 29 juillet 1830 mène au départ de Charles X – qui voulait supprimer le droit de presse, acquis en 1789 pendant la Révolution française – et précède l’arrivée de Louis-Philippe 1er et la Monarchie de Juillet, alors que le peuple attendait le retour d’une République. Le tableau de Delacroix, La Liberté guidant le peuple, évoque ces journées. La pièce est écrite en 1834, loin de toute unité de temps et de lieu et part dans différentes directions. Sa traduction scénique en est d’autant plus complexe, ainsi que l’interprétation des personnages, Lorenzo en tête.

Dans la mise en scène de Catherine Marnas, on ne voit qu’un personnage à la dérive, dépravé cynique et qui se perd. On a du mal à imaginer son autre facette, humaine et idéaliste et le sens du meurtre qu’il prépare. Il n’est ni pur ni solitaire. Toutes les petites scènes, en apparence anecdotiques, servent le même propos, celui du pouvoir et de la dérive du pouvoir. La metteuse en scène et directrice du Théâtre National de Bordeaux en Aquitaine, a voulu, à n’en pas douter, par un effet miroir caricatural, nous renvoyer l’image du monde dans lequel nous vivons, irrespectueux, fanfaron et baigné d’immoralité politique. Les médias déjà s’en chargent, en boucle. Elle s’empare d’une Florence imaginaire, semblable à la France des années 1830 que traverse Musset, semblable aussi à la nôtre, les costumes le connotent, ils sont d’aujourd’hui avec, pour certains, un signe distinctif – ainsi le Cardinal portant au-dessus de son costume une courte pèlerine violette et une calotte de même couleur. Alexandre, Lorenzo et tous les hommes sont au goût du jour, jeans ou costumes, et les femmes portent des robes années 1950. La scénographie permet de nombreuses circulations avec des praticables agencés en passerelles qui pourraient évoquer une scène de cabaret. Se montrer, tel est le maître mot. Mais la pièce s’embourbe et les acteurs – qui tiennent tous plusieurs rôles – font ce qu’ils peuvent, de manière inégale. La complexité des personnages autant que le désarroi de la jeunesse, se perdent, dans l’agitation de la dépravation, et l’esthétique trash présentée ici décale le propos du politique et manque de profondeur.

Brigitte Rémer, 7 octobre 2017

Avec : Clémentine Couic – Julien Duval –  Zoé Gauchet – Francis Leplay – Franck Manzoni – Jules Sagot – Yacine Sif El Islam – Bénédicte Simon. Assistanat à la mise en scène Odille Lauria – scénographie Cécile Léna et Catherine Marnas – lumières Michel Theuil – création sonore Madame Miniature avec la participation de Lucas Lelièvre – costumes Édith Traverso et Catherine Marnas – maquillage Sylvie Cailler – construction décor Opéra national de Bordeaux.

Du 26 septembre au 15 octobre 2017, du mardi au samedi à 20 h, le dimanche à 16 h – Théâtre de l’Aquarium Cartoucherie de Vincennes. Route du champ de manœuvre 75012 Paris – Métro : Château de Vincennes, sortie n°6, puis Bus 112 direction La Varenne : arrêt Cartoucherie –  Site : www.theatredelaquarium.com – Tél. : 01 43 74 72 74.

 

 

Chrétiens d’Orient, 2000 ans d’histoire

Evangéliaire de Rabbula – VIème siècle Syrie © Biblioteca Medicae Laurenziana

Institut du Monde Arabe, Paris – En coproduction avec le MuBA Eugène Leroy, musée des Beaux-Arts de Tourcoing – Commissaires d’exposition : Elodie Bouffard et Raphaëlle Ziadé.

Cette grande exposition, intitulée Chrétiens d’Orient, 2000 ans d’histoire présentée à l’Institut du Monde Arabe, est un événement en soi et une grande première en Europe. Elle montre, avec plus de trois cents œuvres exposées, qu’il existe une culture chrétienne forte dans le Proche et le Moyen-Orient et traduit un geste fort posé par Jack Lang, Président de l’IMA et son partenaire, la ville de Tourcoing, dont Gérald Darmanin est Maire. Réalisée en dialogue avec L’œuvre d’Orient et les différentes communautés, elle parle du partage de valeurs communes dans un monde multiculturel où vivent des arabes chrétiens et des arabes musulmans.

Le christianisme s’est constitué en Orient et s’exprime à travers des églises chrétiennes de différentes philosophies et pratiques : l’église syriaque d’Orient avec les chaldéens et les assyriens, autrefois appelés nestoriens ; l’église syriaque d’Occident ; l’église Maronite dont le siège est au Liban ; l’église Copte d’Egypte qui comporte une branche catholique ; l’église grecque, avec les Grecs orthodoxes et les Melkites. Structurée en quatre parties, l’exposition s’attache à une aire géographique correspondant à six pays arabes actuels : l’Irak, le Liban, la Syrie, la Jordanie, les Territoires Palestiniens, l’Egypte. Elle évoque la présence arménienne dans la région et la diversité confessionnelle en terre sainte.

La première partie de l’exposition, Ier-VIème siècle – Naissance et développement du Christianisme en Orient témoigne d’une communauté de destins et rassemble des chefs-d’œuvre de différents pays. C’est sur les pas du Christ et de ses apôtres que s’est construit le christianisme, implanté sur les rives du Bosphore entre la Méditerranée et l’Euphrate. En raison des persécutions qui, dès le commencement, ont eu lieu, les chrétiens s’organisent et créent des lieux de culte clandestins, notamment en Syrie. De ces domus ecclesiae, il reste des fresques dont deux, précieuses, présentées ici exceptionnellement grâce à la Yale University Art Gallery qui a accepté de les prêter : La guérison du paralytique et Le Christ marchant sur les eaux (Syrie IIIème siècle). On trouve, dans cette première partie de l’exposition, des stèles sculptées dans la pierre, des chapiteaux, des pendentifs, des amulettes et des croix provenant d’Egypte et du Liban et de nombreuses pièces, uniques, qui surgissent de l’Histoire. Ainsi d’Egypte, parmi d’autres La Tenture au Jonas, une tapisserie en lin et laine (IIIème Vème siècle) et une icône représentant Saint-Marc tenant le livre des Evangiles, peinture à l’encaustique sur bois de sycomore (VIème siècle) ; de Jordanie, une mosaïque de pavement, Mosaïque avec une paire de chèvres autour d’un palmier-dattier (535) et, de Syrie une pièce exceptionnelle, L’Evangéliaire de Rabbula, manuscrit enluminé sur papier (VIème siècle). A partir de 313, après l’Edit de Milan (ou de Constantin) qui accorde la liberté de culte à toutes les religions, de nombreuses églises se sont construites dans tout l’Empire Romain. En témoignent de superbes pièces d’orfèvrerie telles que des calices et des encensoirs, des lampes de suspension, des moules à hosties, des plats et des vases.

Autre caractéristique de cette époque, à partir du IIIème siècle se fondent des monastères, tout d’abord en Egypte – avec les Pères du désert, notamment Antoine, considéré comme le père du monachisme, et Pacôme qui se retirent dans le désert – puis en Transjordanie, en Syrie et en Mésopotamie. Deux icônes venant du Monastère de Baouit en Egypte représentent l’une le Portrait d’un moine copte, l’autre un Portrait copte, Frère Marc (VIème-VIIème siècle). La figure de Saint Syméon Stylite devient emblématique. Une fresque le montre en haut de sa colonne où il passa les trente dernières années de sa vie, Saint Syméon Stylite l’Ancien et Saint Syméon Stylite le Jeune (icône attribuée à Yüsuf al-Misawwir, collection Abou Adal, Syrie).

 La seconde partie de l’exposition, VIIe-XIVe Siècle – Les Églises orientales après la conquête arabe parle de ce moment où, au VIIème siècle, des califats arabes s’installent, morcelant le territoire et instaurant la religion musulmane comme religion d’état. Après la conquête, les populations,   majoritairement chrétiennes, conservent leur religion, leurs lieux de culte et leurs institutions et gardent un rôle important dans les administrations, la vie sociale et intellectuelle. Après le Concile de Nicée, en 787, les églises développent leur style propre et se couvrent d’images. Cette partie de l’exposition montre le pouvoir des images et interroge leur place dans la religion : ainsi les icônes coptes d’Egypte et les panneaux de bois peints de l’église suspendue El Muallaqa, au Caire ; l’apparition des iconostases, de pierre ou de bois, séparant l’espace sacré de l’espace profane ; les images liturgiques qu’on trouve dans le mobilier et le décor des églises tels que ces deux Flabellum syriaques, des éventails liturgiques qui ont en leur centre l’image de la Vierge à l’Enfant (Deir Souriani, Egypte XIIème). Les icônes deviennent des objets de culte. On y trouve entre autre, venant d’Egypte, le Fragment d’une icône avec représentation du Christ (VIIème VIIIème) et une plaque avec Saint-Ménéas (Chaire de Grado) dans l’extrême finesse d’un ivoire sculpté (VIIème siècle) ; de Syrie, ce Tissu de soie avec scène de l’Annonciation (vers 800) une soie polychrome avec tissage en sergé. La langue arabe par ailleurs, s’intègre dans la liturgie et la Bible est traduite en arabe dès le IXème siècle. L’exposition présente des manuscrits rares en copte, syriaque, grec et arabe dans une scénographie circulaire très réussie et sonorisée avec les hymnes correspondant à chaque rite. On lit, à travers les objets présentés dans cette partie de l’exposition, les interactions entre les civilisations chrétienne et musulmane, ainsi, venant de Syrie, un Fragment d’un plat à la descente de croix (fin du XIIIème), une Bouteille décorée de scènes monastiques vraisemblablement soufflée par un artisan musulman pour un commanditaire chrétien (milieu du XIIIème) ou encore une Aiguière à iconographie chrétienne et islamique (XIIIème). Le temps des croisades, entre le Xème et le XIIIème siècle, marque le recul des chrétiens d’Orient, intervenant à différents moments, selon les pays : à partir du Xème siècle c’est en Irak et en Syrie, au XIVème siècle en Egypte, avec la marginalisation de la communauté copte.

La troisième partie de l’exposition, XVe-XXe Siècle – Les Églises orientales entre Orient et Occident montre comment, au XVème siècle, se nouent des alliances diplomatiques, intellectuelles et commerciales dans le nouvel Empire Ottoman où se trouvent les chrétiens de Mésopotamie, de Syrie et d’Egypte. Ainsi le système dit des capitulations règlemente les interventions des puissances européennes avec les populations chrétiennes et sont consignées dans des firmans. Le Firman ottoman Soliman I expulsant les Franciscains du Cénacle en 1500 est couvert d’une écriture fine, avec encre et or sur feuille de papier en rouleau. C’est un moment où se développent les relations entre l’Orient et l’Occident, notamment par l’apprentissage des langues orientales en Europe, et la recherche, par les imprimeurs français et italiens, de la manière de restituer la typographie arabe. L’exposition présente ainsi des manuscrits, des poinçons et des plaques de cuivre comportant différents alphabets, et des bibles. C’est un moment où s’organisent des pèlerinages et se renouvellent les icônes. A Alep, au XVIIème siècle, se créent des écoles spécialisées dans les icônes qui ouvrent sur des dynasties d’artistes chrétiens enlumineurs et miniaturistes – ainsi la dynastie des al-Musawwir -. A Beyrouth, Jérusalem, Damas, Le Caire, existe le même mouvement et la même dynamique artistique, et l’on trouve parfois sur les icônes des caractères arabes à côté de la figure du Christ. Au XVIIIème siècle se structure un véritable art de l’icône chrétienne.

La quatrième partie de l’exposition, XXe au XXIe Siècle – Être chrétien dans le monde arabe aujourd’hui parle à la fois d’exil, d’exode, et d’un renouveau culturel et religieux. Elle présente, sous vitrines, des revues et des journaux – Al-Hilal-Le Croissant, Al Manâr-Le Phare, Al Muqtata-L’Emprunt – qui témoignent de la volonté de créer une culture arabe commune. Elle montre des objets et des photographies, des pendentifs, des statues représentant la Vierge, des autels de rue au Liban, dédiés à deux saints maronites Rifqa et Charbel, Houda Kassatly les a photographiés, à Beyrouth. Autre démarche, Vincent Gelot, alors jeune étudiant parti à la rencontre des églises d’Orient en 4L entre 2012 et 2014, présente son récit de voyage sous forme d’un grand Livre d’or : ceux qu’il a rencontrés ont déposé un message, un dessin, une prière. Cette dernière partie de l’exposition montre les regards d’artistes contemporains inscrits dans l’histoire collective de territoires confrontés à des situations politiques et sociales très diverses. Sa présentation est assez disparate et manque d’ambition. Lara Tabet, de Beyrouth, présente une série intitulée Pénélopes (2013), Michele Borzoni avec Inch’Allah-Si Dieu le veut évoque, à travers huit photographies, l’ancienneté et la contemporanéité de la présence chrétienne en Jordanie et au Liban (2013), Roger Anis Blessed Marriage construit un scénario sur le mariage à partir de six photographies et de petits messages accrochés, comme des bouteilles à la mer. Icônes, de Nabil Boutros, polyptyque faisant partie de la série Coptes du Nil réalisée entre 1997 et 2004, ferme l’exposition et construit un discours très personnel à partir de huit années de recherches. Son travail documentaire et artistique témoigne du regain religieux et culturel qui traverse la communauté copte à laquelle il appartient : « L’approche est double, systématique et documentaire du reporter, mais également intimiste, tentant de remonter aux sources de ma propre culture » explique-t-il.

Chrétiens d’Orient, 2000 ans d’histoire invite à un voyage dans l’histoire de la chrétienté, qui fait date. De nombreux prêteurs et collectionneurs de tous les pays du monde y ont contribué. Son approche se fait par les minorités et le partage des territoires, et par la question des droits de l’Homme. La diaspora chrétienne est disséminée dans tous les pays, compte tenu de la montée en puissance des courants islamistes, des guerres et des attentats qui se perpétuent sur les lieux de culte – on se souvient notamment de celui d’Alexandrie le 1er janvier 2011, devant une église copte remplie de fidèles fêtant le Nouvel An, de celui de Tanta au nord du Caire, en 2017 un dimanche des Rameaux, ou encore des moniales grecques orthodoxes de Ma’aloula, village situé au nord-est de Damas contraintes de quitter leur couvent, en 2013. La tentation du repli guette parfois les communautés chrétiennes, compte tenu de la difficulté d’être chrétien dans les pays du Proche et du Moyen-Orient, et l’ostracisme guette. Les Printemps arabes avaient donné de l’espoir pour le développement des libertés et les chrétiens, qui ne veulent plus être des citoyens de second rang, s’exilent. D’où l’importance d’une telle exposition qui replace le sujet au cœur de la réflexion.

Brigitte Rémer, le 2 octobre 2017

Du 26 septembre au 14 janvier 2017, à l’Institut du Monde Arabe, 1 rue des Fossés Saint-Bernard, 75005. Paris – www.imarabe.org – Du 22 février au 12 juin 2018, au MuBA Eugène Leroy, musée des Beaux-Arts de Tourcoing. Le catalogue est publié aux éditions Gallimard.

La Pomme dans le noir

© Christophe Raynaud de Lage

Texte de Clarice Lispector, d’après Le Bâtisseur de ruines – traduction Violante Do Canto – mise en scène, adaptation et lumière Marie-Christine Soma, à la MC93 Bobigny.

Grande romancière, nouvelliste et journaliste brésilienne élevée à Recife jusqu’à l’âge de neuf ans puis à Rio de Janeiro, Clarice Lispector (1920-1977) entreprend d’abord des études de droit. Elle sillonne ensuite l’Europe et les Etats-Unis avec son mari, diplomate, avant de rentrer, en 1959, au Brésil. Son premier roman, Près du cœur sauvage, est publié en 1944, début d’une brillante carrière en écriture qui marque un changement profond dans les sujets traités, comme dans leur expression. Elle emprunte en effet le chemin de l’introspection et de l’autoréflexion, s’éloignant des romans sociaux naturalistes de l’époque. Elle achève La Pomme dans le noir en 1956, qu’elle considère comme le plus structuré de ses romans. Il ne sera publié que cinq ans plus tard, sous le titre Le Bâtisseur de ruines et lui apportera une reconnaissance internationale.

Alors que ses récits mettent généralement en scène des femmes qui, à partir d’un geste anecdotique, changent radicalement le cours de leur vie, La Pomme dans le noir traite du destin d’un homme, pris de vertige après son passage à l’acte. Clara Lispector dessine un univers du silence et donne à voir sa perception du monde. Elle invite à suivre le voyage initiatique d’un anti héros, Martin, ingénieur, autour duquel plane un doute sur la nature du crime qu’il a commis et qui change son parcours, avant de le changer lui-même, profondément. On le croise sur son chemin de Damas, à la recherche de travaux pour survivre, cachant sa véritable identité et s’inventant un nouveau profil. Sans qu’il ne s’explique, de toute évidence l’homme est un animal traqué. Il est accueilli dans une ferme isolée tenue par une maitresse femme, pistolet à la ceinture, Victoria (Dominique Reymond) qui lui propose le job espéré et charge la barque des tâches à accomplir. Une jeune veuve, Ermelinda, (Mélodie Richard) vit aussi dans la ferme sous l’aile protectrice de Victoria, dans une semi léthargie. Un quatrième acteur (Carlo Brandt) sorte de narrateur faisant le lien entre le plateau et la salle, interprète plusieurs personnages.

L’écriture est fascinante, sensible et délicate et le personnage de Martin – magnifiquement interprété par Pierre-François Garel – passionnant, dans cette quête de rédemption et ses déclinaisons entre ombre et lumière. Le spectacle débute dans le noir absolu par la narration, concentrée et vibrante, chuchotée par une voix d’homme, qui raconte, longuement. Le mot est matière, la langue est poétique et le son signé Xavier Jacquot. L’homme est recherché, il dit avoir quitté brutalement l’hôtel où il était, tenu par un allemand qui semblait l’avoir reconnu. Il parle d’une voiture garée là, mais peut-être rêve-t-il ? Il décrit un jardin, sorte de paradis perdu, le noir de la salle augmente la perte de repères entre rêve et réalité. Quand la lumière revient et éclaire la scène, on comprend que l’acteur était dans la salle. On le retrouve dans les méandres de ses errances, au moment où il trouve un point d’eau, dans la ferme où il s’apprête à proposer ses services.

Le temps de la pièce est ce temps du travail à la ferme où Martin creuse un puits et voyage entre cauchemars et rêves éveillés. Il est ce temps des relations qui se tissent entre lui et chacune des femmes qui agissent tel un révélateur, temps qui les modifie elles aussi et entraine la prise de conscience d’Ermelinda pour construire sa vie autrement et la longue confession de Victoria, sous forme de métaphore. Le temps de la pièce est aussi ce temps de l’anamnèse où Martin est à la fois le narrateur et le personnage, temps étiré et singulier qui induit la distance du dédoublement entre la répétition des gestes et l’éternité au rythme d’un sablier. Les rêves de Martin apparaissent, par images projetées, sur la palissade d’une scénographie inventive (images de Raymonde Couvreu, scénographie de Mathieu Lorry-Dupuy) elles illustrent le tourment : « Je dois décider si je suis innocent, quelle a été mon erreur, en tant qu’homme » dit Martin. Puis, plus tard : « Je ne suis rien, j’ai tué. » Sa vie est une sorte de roulette russe, un jeu entre la vie et la mort, elle est la terre, une marche dans le désert, son étrangeté d’être au monde. A la fin du récit, dénoncé par Victoria, on lui passe les menottes et il ne résiste pas.

Marie-Christine Soma présente avec La Pomme dans le noir dont elle signe l’adaptation, la mise en scène et les lumières, un très beau travail. Elle vient elle-même du métier de la lumière suite à sa rencontre avec Henri Alekan dont elle fut un temps l’assistante avant de travailler avec Dominique Bruguière sur Le Temps et la chambre de Botho Strauss, mis en scène par Patrice Chéreau. Elle  a créé avec Daniel Jeanneteau en 2001, la compagnie La Part du Vent associée au TGP de Saint-Denis que dirigeait Alain Ollivier, fait les lumières de nombreux spectacles. Elle a mis en scène au Studio-Théâtre de Vitry, en 2010, Les Vagues, de Virginia Woolf. Elle traduit ici scéniquement, avec intelligence et finesse, l’univers inattendu de Clara Lispector et le parcours d’un homme qui cherche à se ré-inscrire dans la communauté des hommes. Sous une apparence sommes toutes assez simple se cache l’étrangeté d’univers intimes complexes et la singularité de la perception du monde, la lisière et les limites, l’espérance et la rédemption.

Brigitte Rémer, le 29 septembre 2017

Avec : Carlo Brandt, Pierre-François Garel, Dominique Reymond, Mélodie Richard – images Raymonde Couvreu – scénographie Mathieu Lorry-Dupuy – son Xavier Jacquot – costumes Sabine Siegwalt – assistante mise en scène et lumière Diane Guérin – construction décor ateliers de la MC93. Le texte est édité par Gallimard, collection L’Imaginaire.

Du mercredi 20 septembre au dimanche 8 octobre (du mardi au vendredi, 20h – samedi 18h – dimanche 16h) – MC93 Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis, Nouvelle Salle – 9 boulevard Lénine 93000 Bobigny – Métro Bobigny Pablo-Picasso (ligne 5) – Tournée en France : du 11 au 13 octobre 2017, MC2, Grenoble – du 17 au 21 octobre 2017, Théâtre Olympia/CDN de Tours – septembre 2018, TNS, Strasbourg – octobre 2018, CDN Besançon Franche-Comté.

 

La Vie est un Songe

© Antonia Bozzi

Texte de Pedro Calderón de la Barca – Texte français de Céline Zins – Mise en scène Clément Poirée – Théâtre de la Tempête/Cartoucherie de Vincennes.

Auteur de plus de deux cents textes dramatiques de différentes factures – auto sacramental, comédie, pièce lyrique, drame historique – La Vie est un Songe est une des pièces les plus connues de Pedro Calderón de la Barca, grand maître du baroque espagnol, avec Cervantès et Lope de Vega. Porteuse du symbole universel du destin tragique de l’homme à travers son héros, Sigismond, la pièce date de 1635. Jerzy Grotowski avait ressorti de l’ombre le nom de Calderón avec le Prince constant, pièce écrite en 1929 qu’il avait mise en scène en 1965, et qui devint emblématique de ses théories sur l’acteur, dans le dialogue engagé avec Ryszard Cieslak.

Il y a beaucoup d’imagination et d’esprit dans La Vie est un Songe. Les intrigues se nouent et se dénouent, le balancier de l’illusion et de la réalité et les jeux de rôles en sont les ingrédients. Nous sommes en Pologne – une Pologne de fiction – proche d’un château inventé de toutes pièces. L’action se déroule en trois journées : A sa naissance, il est dit que Sigismond détrônerait son père, le roi Basile, et se comporterait en tyran. Fort de cette présomption, le roi enferme son fils dans une forteresse. Quelques années plus tard, pour vérifier le bien-fondé de la prédiction, il le fait transporter au Palais sous forte dose de somnifères, lui redonne son rang et le met à l’épreuve. Sigismond se réveille dans un lit princier au son d’un orchestre et avec force serviteurs intronisés par un majordome, caricatural et ridicule. Mais, comme le veut l’histoire, il abuse de son pouvoir, tue et viole. On le remet en prison tandis que le roi désigne son successeur, Astolphe. Quand les somnifères ont cessé d’agir, le prisonnier raconte à Clothalde, son geôlier, ce qu’il croit avoir vécu en rêve. Et quand le peuple découvre que l’héritier de la couronne est emprisonné et privé de ses droits, il le fait libérer. Dans la joute qui oppose Sigismond à son père, le roi est vaincu, mais ne s’enfuit pas. Et soudain la situation s’inverse, la réconciliation entre le père et le fils fait basculer la pièce, avec la volonté, pour Sigismond, de briser le tabou de sa naissance.

Parallèlement au déroulé de l’histoire se brodent des intrigues amoureuses comme autant de digressions : Rosaura voudrait reconquérir son bien-aimé, Astolphe, le potentiel successeur au trône qui se dit prêt à épouser sa cousine, Etoile. Elle rencontre Sigismond, et tous deux allient leurs malheurs. Mais quand elle est arrêtée par Clothalde, personnage plutôt rude, il découvre que c’est de sa propre fille qu’il s’agit, fait marche arrière et ne dit mot de leur lien familial. On épargne la vie de Rosaura et on la nomme dame d’honneur d’Etoile, qui épouse Sigismond, tandis qu’elle, épouse Astolphe, qui l’avait auparavant trahie. Le bon ordre – voulu par Dieu – est restauré au Royaume de Pologne et la morale est sauve. Ainsi l’écheveau de la vie où s’entremêlent cauchemars et rêves essaie de se dénouer, et le spectateur tente d’en suivre les épisodes.

Clément Poirée, nouveau directeur du Théâtre de la Tempête depuis début 2017, s’attaque à un monument du Siècle d’or espagnol. Il utilise le plateau dans toute sa profondeur et le transforme en territoire shakespearien, construisant une passerelle pour prolonger l’espace scénique jusque dans la salle. Il joue avec le propos de l’apparence et de l’illusion, du jeu dans le jeu, la scénographie d’Erwan Creff et les lumières de Kevin Briard le servent avec talent. Des néons dessinent des ogives et d’épaisses toiles brunes font office de reliefs ou de tentures dans le royal château. Du côté des acteurs on trouve des disparités mais chacun joue sa partition baroque avec l’énergie qui sert l’histoire – parfois confuse – et son personnage. La pièce maîtresse repose sur le choix de l’acteur qui interprète avec agilité le rôle de Sigismond, Makita Samba, et qui inscrit d’emblée sa différence – il est d’origine sénégalaise -. Le choix du metteur en scène est juste, il incarne le rejet et la force du mal aux pulsions non maitrisées dans la première partie de la pièce, avant de s’inscrire dans le rachat final. « S’il est vrai que je rêve, suspendez ma mémoire.. » dit Sigismond, écartelé ; John Arnold, Basile est un père vociférant et hâbleur dont le côté excessif prête à sourire ; Pierre Duprat un Astolphe dandy ; Thibaut Corrion est Clairon, valet de Rosaura et Laurent Ménoret, Clothalde le geôlier et père de Rosaura, tous deux remplissent leurs rôles de petits soldats. Le traitement des femmes est assez discutable, Morgane Nairaud en Rosaura s’en sort bien au début de la pièce quand elle est travestie en homme et rencontre sans le savoir, son père, on la perd ensuite dans la littérature caldéronienne et Louise Coldefy, dans le rôle d’Étoile, s’hystérise comme une poupée barbie, sans doute est-ce là le choix du metteur en scène.

Quoiqu’il en soit la machine fonctionne, avec ses faces cachées et ses labyrinthes, avec ses sentiments contradictoires qui dessinent l’étrange destinée de Sigismond dans son passage à l’âge adulte. La pièce débute avec des militaires marchant dans la neige – on est en Pologne -. Le passage d’un avion en rase motte donne le signal de la déconstruction de cette cruelle machination politique. Sur fond d’orage et d’éclairs, comme une fin du monde, le plateau tout à coup s’embrase et vire au rouge, et la couronne s’envole. On est dans le démesure et le féérique avec une théâtralité qui place acteurs comme spectateurs entre rêve et réalité.

Brigitte Rémer, le 28 septembre 2017

Avec : John Arnold, Basile – Louise Coldefy, Étoile – Thibaut Corrion, Clairon – Pierre Duprat, Astolphe – Laurent Ménoret, Clothalde – Morgane Nairaud, Rosaura – Makita Samba, Sigismond – Henri de Vasselot, Le Musicien. Scénographie, Erwan Creff – lumières, Kevin Briard assisté de Laurent Cupif – costumes, Hanna Sjödin assistée de Camille Lamy – musiques et son, Stéphanie Gibert assistée de Michaël Bennoun – maquillages et coiffures, Pauline Bry – collaboration artistique, Margaux Eskenazi – régie générale, Farid Laroussi – habillage, Emilie Lechevalier. Le texte est publié par Gallimard-Le Manteau d’Arlequin.

Théâtre de la Tempête/Cartoucherie de Vincennes. Route du Champ-de-Manœuvre. 75012 Paris – www.la-tempete.fr Tél. 01 43 28 36 36. Accès métro ligne 1 jusqu’au terminus Château de Vincennes (sortie 6) puis bus 112 ou navette Cartoucherie.

 

La Mort de Tintagiles

© Frédéric Cussey

Pièce de Maurice Maeterlinck – mise en scène Géraldine Martineau – composition musicale Simon Dalmais – Théâtre de la Tempête/Cartoucherie de Vincennes.

Ecrite en 1894, La Mort de Tintagiles est le troisième des Petits drames pour marionnettes de Maurice Maeterlink, dramaturge belge francophone, après Intérieur et Alladine et Palomides. La pièce est peu montée, Claude Régy l’a présentée en 1996 ; plus récemment Denis Podalydès en a donné sa vision, aux Bouffes du Nord, en 2015. Géraldine Martineau met aujourd’hui en scène la pièce, avec sobriété et sensibilité. Point de marionnettes ici mais un univers outre-noir qui s’inscrit entre le rêve, le fantastique et l’onirique. Le destin et la mort en sont la clé de voûte. La mort figure dès le titre de la pièce, elle est inéluctable, et Tintagiles avance vers son destin.

Quand sa sœur Yglaine, le voit soudainement rentrer, dans ce château glacé et hanté qu’elle habite avec sa sœur Bellangère, toutes deux recluses, elle craint le pire et redouble d’attention. La Reine qui les garde en otage, plus marâtre et sorcière que Reine, a secrètement orchestré ce retour, et la mort semble proche. La pièce est ce moment délicieux des retrouvailles et de la vigilance qui s’organise par l’énergie d’Yglaine et de sa sœur pour protéger Tintagiles ; de la montée de la tension et de l’angoisse, et de cette marche vers l’acte ultime, avec, en coulisses, les préparatifs d’une mort annoncée. On entend, de loin en loin, les chuchotements de femmes qui complotent et préparent le grand cérémonial. Et Yglaine le sait : « Ta première nuit sera mauvaise, Tintagiles. La mer hurle déjà autour de nous ; et les arbres se plaignent. Il est tard. La lune est sur le point de se coucher derrière les peupliers qui étouffent le palais… » dit-elle, cherchant à contredire le destin.

Le rôle de Tintagiles, plein de douceur et d’innocence, est tenu avec justesse par Sylvain Dieuaide, ce n’est pas simple pour l’acteur. Sans le jouer, il livre ici dans une délicate palette, ses sentiments tendres à l’égard d’Yglaine qui le protège, ses peurs et son incompréhension de la situation. Ophélia Kolb est Yglaine, celle qui se bat vaillamment pour déjouer le destin, le rôle est linéaire mais l’actrice s’en sort bien. « Mets tes petits bras là, tout autour de mon cou ; on ne pourra peut-être pas les dénouer » dit-elle à Tintagiles, elle est comme une lumière. Sa sœur, Bellangère, Agathe L’Huillier, l’épaule, comme elle peut. Leurs regards sur la vie et la mort, et sur la profondeur des sentiments, font penser aux héroïnes claudéliennes. Le vieux serviteur, resté fidèle et qui les accompagne, Aglovale, est interprété par Evelyne Istria, une belle idée.

L’obscurité envahit petit à petit le plateau jusqu’à l’appel final et aux dernières tentatives d’Yglaine de sauver son frère. Le dispositif scénique, simple et efficace, la montre au premier étage de la tour parlant à Tintagiles et tentant de le rassurer. Une porte les sépare et le silence s’installe. Il est déjà de l’autre côté du miroir, là où la Mort, maîtresse des lieux, vient le cueillir, ordre suprême d’une figure totem maléfique, qui jamais ne se montre.

Ce conte initiatique de Maeterlinck est noir. Il exige la pénombre et Géraldine Martineau joue bien de cette obscurité calculée et des brouillards autour du palais isolé, lieu de tous les dangers. Une grande poésie et de la nostalgie s’en dégagent. Derrière la bande son, les chants du répertoire flamand interprétés a capella par les acteurs ou accompagnés à l’harmonium par Sylvain Dieuaide/Tintagiles confirment le mystère et les battements de l’âme. Un beau travail d’ensemble pour traduire cette petite musique de nuit.

Brigitte Rémer, le 25 septembre 2017

Avec : Sylvain Dieuaide, Tintagiles – Evelyne Istria, Aglovale – Ophélia Kolb, Ygraine – Agathe L’Huillier, Bellangère – et les voix de Anne Benoit, Christiane Cohendy, Claude Degliame – composition musicale, Simon Dalmais – scénographie, Salma Bordes – lumières, Laurence Magnée – son, François Vatin – assistante à la mise en scène, Emma Santini – Compagnie Atypiques Utopies.

Théâtre de la Tempête/ Cartoucherie de Vincennes. Route du Champ-de-Manœuvre. 75012 Paris – www.la-tempete.fr Tél. 01 43 28 36 36. Accès métro ligne 1 jusqu’au terminus Château de Vincennes (sortie 6) puis bus 112 ou navette Cartoucherie.

2ème Biennale des Photographes du Monde Arabe contemporain

© Laila Hida – Série Borderless

Cette seconde édition poursuit son exploration de la création photographique contemporaine dans le Monde Arabe, à l’initiative de l’Institut du Monde Arabe et de la Maison Européenne de la Photographie. Gabriel Bauret en est le commissaire général. Huit lieux partenaires – l’Institut du Monde Arabe, la Maison Européenne de la Photographie, la Cité internationale des Arts, la Mairie du 4e, les galeries Thierry Marlat, Photo12, Clémentine de la Feronnière et Binôme – exposent ces photographies comme autant de regards d’auteurs – qu’ils soient ou non arabes – parlant de leurs pays ou vu d’autres rivages. Ils contribuent à « révéler des réalités cachées » comme le dit Jack Lang, Président de l’IMA, là où se mélangent les cultures et se croisent les sensibilités. Le positionnement de la Biennale est cette année, géographique. Deux pays du Maghreb sont à l’honneur, la Tunisie et l’Algérie. L’édition est dédiée à Leila Alaoui, photographe tragiquement disparue en 2015, alors qu’étaient exposés ses Portraits de Marocains.

Olfa Feki, co-commissaire basée en Tunisie, a rassemblé pour l’IMA les œuvres d’une vingtaine de photographes venant de l’espace tunisien et d’autres géographies. Ainsi Scarlett Coten, qui, née à Paris, travaille aux Etats-Unis et démystifie le concept de masculinité sous le titre Mectoub en prenant en photo des hommes épris de liberté, après la révolution. Elle signe l’affiche et la couverture du catalogue où un homme jeune et beau tenant un œillet à la main est assis dans un fauteuil, lascif, sur fond de papier peint de ces mêmes grosses fleurs rouges. Laila Hida, née à Casablanca, présente The Dreamers, une œuvre onirique travaillée avec Artsi Ifrach, designer marocain qui choisit des tissus, dentelles, broderies et couleurs, tandis qu’elle élabore des discours à travers la grâce et la poésie : arabesque d’un bras noir sur mur blanc, imprimés qui appellent, profondeur de la couleur. Douraïd Souissi présente Mohamed, Salem, Omrane, Hbib, Hsouna, sur le fond noir d’un paysage qu’on ne voit pas et qui mange la photo. Ses portraits d’hommes silencieux, yeux baissés ou de trois-quarts dos, à peine éclairés, sont d’une portée quasi mystique. Bruno Hadjih né en Kabylie (Algérie), fait, avec Nous n’irons pas nous promener, un récit photographique d’Effacements successifs à partit du rejet des effets radioactifs dus à l’essai nucléaire réalisé par la France en 1962, dans le Sahara. Huit photos grands formats, quatre de paysages arrêtés pour raison de rejets de gaz et de poussières radioactives, deux de visages ressemblant à des icônes, deux de dos. Née à Beyrouth et vivant aux Etats-Unis, Rania Matar parle, avec Becoming, du passage entre l’état adolescent et la volonté d’être femme. Stephan Zaubitzer, né à Munich, ramène d’une escale libanaise les photos de belles endormies que sont ces anciennes salles de projection au Liban, Le Star, Le Byblos ou Le Colorado qu’il prend à la chambre photographique grand format et qu’il intitule Cinémas. D’Egypte, Ahmad El-Abi avec Alphabet, tord les lettres de l’alphabet arabe, avec une certaine dose d’humour. Chaque lettre l’oblige à l’élaboration d’un concept différent qu’il pose sur trente petites toiles toutes fantaisies et de couleurs vives. Son compatriote, Karim El Hayawan présente Cairo cacophony, un film vidéo dans lequel défile, au rythme d’une musique enlevée, le quotidien égyptien : jeu de dominos, poissons, murs griffés, repas partagés, coupoles et photos en quinconce sur fond de fauteuils fatigués. Jaber Al Azmeh né à Damas, vit et travaille à Doha et présente Border-Lines, trois photos qui racontent le Sahara, en déplaçant les lignes : une rangée de seize fauteuils alignés et superposés, tête bêche, au milieu du désert ; des traces en pointillés comme des signes à perte de vue, sur un sable sépia ; une rangée de vieux autobus, cabossés et accidentés jaunes, blancs et vert d’eau sur ciel immense et bleu.

La Biennale se poursuit avec les photographies de trois artistes d’horizons différents, à la Maison Européenne de la Photographie. « Chacun des trois photographes tend un peu vers une acception de la nostalgie » dit son directeur, Jean-Luc Monterosso. Au premier étage, Hicham Benohoud, qui vit entre Paris et Casablanca, entre dans les appartements comme par effraction et s’impose à partir de deux thèmes : avec The Hole, il crée des trous dans les murs ou les plafonds, place et déplace les corps de manière ludique, inventant des écritures avec les bras, les mains, les pieds ou les bustes, puis il rebouche les trous et s’en va. Avec Acrobatics c’est une troupe d’acrobates qui l’accompagne et investit les appartements. Ils jouent de leurs figures et postures devant des familles mi amusées mi inquiètes, créant un joyeux anachronisme entre la rigidité de l’ordre habituel, dans la maison et la flexibilité de la liberté des corps. Au sous-sol de la MEP, Farida Hamak interroge l’Algérie d’aujourd’hui. La série de photographies qu’elle présente, Sur les traces, parle de Bou-Saâda, une ville sahélienne surnommée la Cité du bonheur. Elle y capte la lumière si particulière du désert pour en faire sa matière première, travaille la transparence et les tons pastel, dans le silence et la chorégraphie lente de ceux qui habitent les oasis. A l’autre extrémité du sous-sol, la photographe russo-suédoise, Xenia Nikolskaya, présente Dust – Poussière – , qui travaille sur les traces d’un patrimoine architectural oublié et montre, en de petits formats, les palais du Caire à l’abandon, symboles d’une grandeur passée. Ainsi la Villa Casdagli à Garden City, le Palace Al-Gawhara de la Citadelle, ou encore le Palais du Prince Saïd Halim.

A la Mairie du IVème arrondissement administrée par Christophe Girard, le photojournaliste Michel Slomka témoigne de la communauté Yézidie d’Irak, sous le titre Sinjar naissance des fantômes. Chassée en 1980 par l’armée de Sadam Hussein dans le but d’épuration ethnique, accusée de satanisme, la communauté avait vu ses villages rasés. A partir de 2014, c’est l’Etat Islamique qui, après avoir pris Mossoul, s’est tourné vers les Monts Sinjar situés au carrefour de l’Irak, de la Syrie et de la Turquie, et habités depuis des siècles par cette minorité religieuse. Daech a fait des femmes ses esclaves sexuels et des enfants ses soldats. Les photos montrent le rapport à la terre pour ceux qui ont pu fuir, à leur retour, en 2017, dans des paysages d’une beauté bouleversante et se fait l’écho du traumatisme collectif de la violence. Ainsi cet homme qui retrouve son frère, avec émotion et douleur, après avoir été libéré et contraint de se convertir à l’Islam pour échapper à la mort ; ainsi Aïshe et Bubu Daoud, mari et femme posant fièrement devant leur maison de Khanassor située au pied des Monts Sinjar, qui portent au quotidien l’habit traditionnel ; ainsi Suad, 22 ans, allaitant son enfant, violée durant sa captivité et restée sans nouvelles de son mari ; ainsi cette ronde de petites filles à côté du camp de déplacés de Shari’a au Kurdistan Irakien. L’exposition est belle et forte, un peu cachée dans sa localisation au fond de la Mairie et sa signalétique, discrète.

A la Cité internationale des Arts, l’Algérie est à l’honneur et l’exposition, généreuse. L’artiste Bruno Boudjelal, travaillant entre la France et l’Algérie, a assuré de son expertise le choix des œuvres et le commissariat de l’exposition présentée sous le titre Ikbal/Arrivées, pour une nouvelle photographie algérienne. Il a opté pour la multiplicité des regards et des thèmes à travers vingt jeunes photographes venant des différentes régions du pays, qui lancent leurs messages en parlant de la ville (Karim-Nazim Tidafi) et de la rue (Mehdi Boubekeut) ; du rural (Ramzy Bensaadi) ; du social avec les sans emplois (Besma Khalfa) et les migrants (Nassim Rouchiche, Abdo Shanan) ; des rêves (Sonia Merabet) ; de l’intime (Yassine Belahsene, Farouk Abbou) ; de la prière et de l’Aïd Al Kebir (Sihem Salhi et Youcef Krache) ; de l’absence (Liasmine Fodil) ; du sport (Fethi Sahraoui). Ahmed Badreddine Debba raconte L’histoire emblématique de L’homme à la djellaba, guerrier, maître et guérisseur plein de sagesse et de modestie, qui fut chassé et insulté, et qui se mit à perdre son identité et son visage jusqu’à devenir un esprit errant. Abdelhamid Rahiche parle d’utopies urbaines dans Alger, climat de France avec l’architecture de Fernand Pouillon, parti de l’idée généreuse de désengorger les bidonvilles, espaces aujourd’hui devenus comme des ghettos surpeuplés. Dans Nuages noirs, Yanis Kafiz photographie les visages d’amis proches avec sensibilité et impudeur, dans une sorte de quête de soi, il en fait un journal. A la Cité internationale des Arts, la Biennale présente un puissant témoignage sur la vitalité des artistes algériens qui, comme le dit Bruno Boudjelal, « nous parlent, à travers leurs images, d’eux-mêmes et des lieux dans lesquels ils vivent. » Et il ajoute : « il est essentiel que l’Algérie, comme de nombreux autres pays à travers le continent africain, soit aussi racontée, décrite, photographiée. » On y trouve un beau parcours en images et l’élaboration d’une pensée.

La Biennale c’est aussi plusieurs galeries fédérées qui présentent les photographies de : Mustapha Azeroual et Sara Naim à la Galerie Binôme, avec The Third Image, un travail expérimental sur la lumière ; de Daniel Aron à la Galerie Photo12 avec Tanger intérieurs simples, un regard sur une ville peu à peu désertée où de nouvelles populations s’installent, du moins temporairement ; de Marco Barbon à la Galerie Clémentine de la Féronnière avec The interzone qui travaille sur la notion de frontière et d’espaces-temps intermédiaires à partir de Tanger, ville frontière par excellence, qui joue entre fiction et réalité ; de Randa Mirza avec Beitutopia, une projection dans l’avenir du portrait de Beyrouth et de Zad Moultaka à la recherche des planètes et de l’éternité, présentant Astres fruitiers : leçons de ténèbres planétaires, à la Galerie Thierry Marlat.

La géographie, privilégiée pour cette Deuxième Biennale des Photographes du Monde Arabe contemporain, contrairement à la Première en 2015 qui avait choisi quatre grands thèmes de réflexion se répondant en écho – Paysages, Mondes intérieurs, Cultures et Identités, Printemps – est nettement plus ramassée, on peut le regretter. Outre le jeunisme et la nouveauté, bienvenus, on peut regretter de ne pas voir la suite du parcours de certains artistes dont le développement des expressions ponctue l’évolution des sociétés. Il faut donner de l’ampleur à la Biennale des Photographes du Monde Arabe contemporain, tant dans l’annonce et la communication que dans l’identification des lieux d’expositions. Cette radioscopie du monde arabe comme le disait Jack Lang est salutaire. Elle est une métaphore du temps et de la vie et une réalité du monde, devenues vitales. Son développement aide à la compréhension de nos sociétés multiculturelles. Donnons-lui plus de visibilité, encore. « Nous vivons dans un monde qui n’est pas seulement fait de marchandises mais aussi de représentations, et les représentations – leur production, leur circulation, leur histoire et leur interprétation – sont la matière première de la culture » écrivait Edward W. Saïd.

Brigitte Rémer, le 23 septembre 2017

Du 13 septembre au 12 novembre 2017, Institut du monde arabe – Maison Européenne de la Photographie (jusqu’au 29 octobre) – Cité internationale des arts (jusqu’au 4 novembre) – Mairie du 4e arrondissement – Galerie Binome – Galerie Clémentine de la Féronnière – Galerie Photo12 – Galerie Thierry Marlat – Site : www. biennalephotomondearabe.com – Le catalogue est publié aux éditions Silvana Editoriale.

 

Les deux Frères et les Lions

© Théâtre Irruptionnel

Texte de Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre, mise en scène Vincent Debost et Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre, Compagnie Le Théâtre Irruptionnel.

Joyeuse pagaille au Poche-Montparnasse où le spectateur est convié pour le thé de sept heures sous le regard de la Reine d’Angleterre soi-même et de la duchesse Abigaëlle d’York ou de son sosie. En survêtement bleu électrique et poussant la chansonnette, deux frères jumeaux, l’Aîné et le Cadet, nés à dix minutes d’intervalle (Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre et Lisa Pajon) accueillent les spectateurs entre deux scones trempés dans de la marmelade et de la crème fraiche, qu’ils leur offrent. Et puis, mine de rien, passant par la cour d’Angleterre avec Kate et William, ils racontent leur histoire, apostrophent le public, partagent un petit whisky écossais avec les spectateurs. Toute ressemblance avec des personnes ayant existé ne serait pas pure coïncidence, l’histoire est véridique.

Partis de rien et même de moins que rien dans leur petite ville d’Orkney, en Ecosse, ils sont d’un milieu pauvre et commencent à travailler à seize ans comme vendeurs de journaux. Ils écoulent le Daily Telegraph pour dix shillings la semaine, à peine de quoi se nourrir. Mais ils ont des illuminations et une grande force, celle d’être deux, à la vie à la mort. L’idée leur vient de fidéliser le lecteur du Daily et ils sollicitent un rendez-vous auprès du directeur, afin de la lui proposer. Leurs nombreuses lettres restant sans réponse, ils se lancent à l’assaut de la capitale, dormant dans les docks en attendant le rendez-vous convoité. Ils sont tenaces et « ne lâchent rien » comme ils aiment à le dire, c’est leur marque de fabrique, ce sera la clé de leur réussite. Ils rachètent le Daily Telegraph à Rupert Murdoch, deviennent apprentis comptables à la General Electric, investissent l’argent de leurs épouses dans l’hôtellerie, achètent une petite entreprise de peinture en bâtiment, se transforment en agents immobiliers puis en promoteurs, achètent des immeubles, des bureaux et des quartiers qu’ils rénovent.

Comme la grenouille de la Fable ils veulent se faire aussi gros que le bœuf, « niquant » les autres quand il le faut et s’appliquent à la gestion de leur image, jouant de disparition plutôt que d’apparition. Après leurs divorces respectifs ils se mettent à voyager et découvrent Monaco, les Bermudes, les îles Vierges, Guernesey, Jersey, les îles Caïmans. Ils tombent amoureux en même temps de l’Île de Breqhou, qui dépend de celle de Sercq, une de ces îles anglo-normandes comme le sont Guernesey ou Jersey, l’achètent, investissent et bâtissent un empire, plaçant leur fortune dans ce paradis fiscal paradisiaque. Devenus la dixième plus grosse fortune d’Angleterre, ils sont anoblis par la Reine Elizabeth II et se présentent comme étant de ses amis, mais elle les traite discrètement de ploucs.

A soixante-dix ans, alors qu’ils espèrent passer la main à leurs filles respectives, Jessica et Monica, ils découvrent qu’elles ne peuvent hériter de la fortune familiale pour des raisons juridiques liées au droit normand, rétrograde et sexiste qui régit l’île sur laquelle ils ont tout misé et tout investi. Ils tentent, avec l’aide de leur puissant avocat américain Lord Grifton, du cabinet Milton and Davis, de tordre le cou à la tradition et organisent un référendum. Devant l’échec de la consultation ils stoppent toutes leurs activités, entrainant au chômage la moitié de l’île. Ce droit normand dit que « la femme est imbecilitas sexus ! Qu’elle ne peut rien faire seule sans l’autorisation de son mari » que de leur père elles n’ont rien à attendre si ce n’est « un chapel de roses » et que lui, ne leur souhaite qu’ « un mari et rien de plus » comme le veut la coutume. Il est remis au spectateur à la fin du spectacle, un abécédaire du droit normand, copie conforme de ce qui a longtemps existé.

La fin de l’histoire, réelle donc, scelle la fin de la toute-puissance du seigneur de Sercq en 2010. Il perd ses privilèges et ne conserve que des droits honorifiques après citation devant le tribunal européen des droits de l’homme obligeant à l’organisation d’élections démocratiques. Ainsi est signée la fin de 450 ans de régime féodal. D’après l’histoire romancée par l’auteur, la fin est aussi romantique qu’un jardin anglais : « les deux frères meurent en allant cueillir des fleurs dans le parc qui entoure leur château de Breqhou, leurs filles héritent de leur empire et ont pour projet de faire de l’île de Sercq un parc à thème pour touristes… »

Très drôle cette british situation basée sur le jeu en miroir des deux acteurs jouant les inséparables jumeaux version mi sucrée mi salée et qui semblent s’amuser tout autant que le public. Ils irruptionnent, du nom de la Compagnie qu’ils ont créée ensemble en 2000, à leur sortie du Conservatoire national supérieur d’art dramatique de Paris. De gag en gag, de quiproquos en idées qui, de naïves se révèlent géniales, moitié Dupond et Dupont, moitié Bouvard et Pécuchet, le spectateur se met au diapason du méridien de Breqhou, en pensant qu’ « ils sont fous ces Normands » !

Brigitte Rémer, le 12 septembre 2017

Avec Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre et Lisa Pajon ou Romain Berger (en alternance) ; et la participation de Christian Nouaux – musiques originales Nicolas Delbart, avec la participation d’Olivier Daviaud – création lumière Grégory Vanheulle – création vidéo Christophe Wasksmann – administration, production Mathieu Hilléreau/Les Indépendance – avec la participation de Sophie Poirey, maître de conférences en droit normand à l’Université de Caen – Le texte est édité à l’Avant-Scène Théâtre, collection Quatre-vents.

Du 1er septembre au 26 novembre 2017, mardi à samedi à 19h, dimanche à 17h30, au Théâtre de Poche-Montparnasse, 75 boulevard du Montparnasse. 75006. Paris. Tél. : 01 45 44 50 21 – Sites : theatredepoche-montparnasse.com et irruptionnel.free.fr

 

Adel Hakim, d’Ivry et de partout

© Nabil Boutros

Co-directeur du Théâtre des Quartiers d’Ivry/Centre National Dramatique du Val-de-Marne, Adel Hakim, s’est éteint chez lui le 29 août, après une lutte acharnée contre la maladie.

Homme de l’interculturel, de l’engagement et des débats, homme de fraternité, artiste de théâtre, Adel Hakim s’en est allé. Acteur, auteur, metteur en scène, co-directeur du Théâtre des Quartiers d’Ivry installé depuis décembre dernier à la Manufacture des Œillets, il a joué Shakespeare et Marivaux, Koltès et Sénèque, Tenessee Williams et Nathalie Sarraute, souvent sous la direction d’Elisabeth Chailloux co-directrice du TQI. Les deux artistes se sont rencontrés au Théâtre du Soleil en 1980. Ils ont créé, en 1984, le Théâtre de la Balance et présenté un premier spectacle qui a fait date : La Surprise de l’amour, de Marivaux dans lequel il jouait et elle, mettait en scène. Ensemble, en 1992, ils ont succédé à Catherine Dasté à la tête du Théâtre des Quartiers d’Ivry. Adel Hakim a mis en scène Racine et Eschyle, Botho Strauss et Joseph Delteil, Pirandello, Shakespeare, Goldoni, Beckett, Vesaas et beaucoup d’autres. Il a écrit et monté ses propres textes dont Exécuteur 14 reste dans les mémoires et très récemment Des Roses et du Jasmin avec le Théâtre National Palestinien qui sera repris cette saison.

Depuis plus d’une dizaine d’années Adel Hakim s’est consacré au développement du Théâtre des Quartiers du Monde, concept qu’il a élaboré et développé en tissant de nombreux partenariats. Devenu le lieu du dialogue et de l’altérité, il l’a ouvert aux écritures contemporaines étrangères et s’est, entre autre, passionné pour l’Amérique Latine où il a fait de nombreuses mises en scène et animé des ateliers de formation comme au Chili, en Uruguay, en Argentine et au Mexique. Son compagnonnage avec l’auteur uruguayen Gabriel Calderón, par le triptyque qu’il a mis en scène : Ouz, Ore et Ex, théâtre de subversion s’il en est, a apporté un vent de burlesque et de transgression, de fantaisie et de baroque. De locale, l’œuvre de Calderón devient universelle à partir d’une écriture qui s’attaque aux archétypes d’une société rétrograde. Reconnaissant à l’auteur « le génie du dialogue et des ruptures entre tragédie et force comique » Adel Hakim a pénétré dans ce monde de l’étrangeté et de l’irrationnel en inventant son vocabulaire scénique.

Il s’est aussi particulièrement attaché à parler du Moyen-Orient, sa terre d’origine – il est né en Egypte et a vécu au Liban – il a fait de nombreux séjours de création en Palestine. Les liens qu’il a tissés avec le Théâtre National Palestinien sont forts et les échanges, permanents. Son spectacle majeur, Antigone de Sophocle, dont il a signé le texte en français, fut présenté à plusieurs reprises au Théâtre des Quartiers d’Ivry après avoir été créé à Jérusalem en 2011 et tourné en Palestine – à Ramallah, Jénine, Naplouse, Haïfa, Hébron et Bethléem –. Antigone, est comme une métaphore de la situation vécue, les conflits d’aujourd’hui se superposant à la tragédie grecque et pose la question de la malédiction. Sur le choix de la pièce, Adel Hakim répond : « Je monte Antigone parce que la pièce parle de la relation entre l’être humain et la terre, de l’amour que tout individu porte à sa terre natale, de l’attachement à la terre. Parce que Créon, aveuglé par ses peurs et son obstination, interdit qu’un mort soit enterré dans le sol qui l’a vu naître. Et parce qu’il condamne Antigone à être emmurée. Et parce que, après les prophéties de Tirésias et la mort de son propre fils, Créon comprend enfin son erreur et se résout à réparer l’injustice commise. » Le spectacle se ferme avec la voix de Mahmoud Darwich et la musique, composée par le Trio Joubran, vient des profondeurs. Des images rapportées de Jérusalem et des Territoires Palestiniens par Nabil Boutros, témoignages de la vie en Palestine, des répétitions et de la tournée d’Antigone, s’exposent dans le hall du théâtre. Adel Hakim table sur les complicités professionnelles.

Antigone a été joué plus de cent trente fois en France et à l’étranger et a inauguré la Manufacture des Œillets à Ivry, une ancienne usine d’œillets métalliques, acquise par la ville où le TQI devenu Centre Dramatique National du Val-de-Marne a pris ses nouveaux quartiers depuis décembre 2016. Avec Elisabeth Chailloux, Adel Hakim s’est investi dans la conception, la philosophie et la réalisation du lieu. Il y a présenté sa dernière pièce, Des Roses et du Jasmin, montée à Jérusalem Est, fresque sur l’Histoire contemporaine de la région israélo palestinienne de 1944 à 1988. La question de la mémoire collective l’habite. Il donne une densité à cette succession d’événements historiques qui couvre trois périodes : 1944-1948 débute sur un bel optimisme, Que la fête commence en sont les premiers mots ; 1964 à 1967 avec la Guerre des Six Jours en 1967, qui dégrade davantage encore les relations avec Israël qui triple son emprise territoriale ; 1988 après la première Intifada appelée la guerre des pierres, l’action se passe dans une prison pour un parcours de tragédie. On est chez les Atrides, chez Antigone et dans le théâtre grec antique dans lequel Adel Hakim se reconnaît : « La tragédie grecque m’a toujours servie de modèle dramaturgique. Elle met, dans pratiquement toutes les pièces conservées, une histoire de famille, l’intime, en rapport avec la société et le monde… » Leila Shahid ex-déléguée générale de l’Autorité palestinienne en France et ambassadrice de la Palestine auprès de l’Union européenne est venue débattre. Pour elle « le spectacle arrache la Palestine à son quotidien et redonne espoir, en dépit de tous les murs et barbelés. »

La mise en espace et en images de ces histoires liées à la grande Histoire, montre la puissance de l’art et le rôle des artistes dans un pays en guerre. Adel Hakim a également présenté une série de petites formes proposées par les acteurs du Théâtre National Palestinien, Les Chroniques de la vie palestinienne, qui parlent avec humour et dérision du contexte dans lequel travaillent les acteurs entre Jérusalem et la Cisjordanie, d’un théâtre sous occupation. Ecrites par trois acteurs de la troupe et mises en espace par Adel Hakim et Kamel El Basha, ces Chroniques ont force de témoignage. Elles construisent des ponts entre mythologie et scènes de vie ordinaires avec une série de dialogues endiablés et complices entre un conteur et son double ou bien son gardien, apostropheur et contradicteur, traducteur autant que conteur, Adel Hakim sur le plateau face à son alter ego palestinien, engagés dans une véritable joute verbale. Ce partenariat mené avec le Théâtre National Palestinien relève de l’événement et de l’engagement, cela donne du sens à la capacité d’un Centre Dramatique National – le CDN du Val-de-Marne – et au positionnement d’une ville – Ivry-surSeine – dans sa politique culturelle, de poser un geste culturel fort. La perspicacité d’Elisabeth Chailloux et Adel Hakim, dans la pertinence de leur programmation et leurs démarches respectives de création, fait le reste. Adel Hakim s’investit aussi dans la formation des jeunes acteurs et pilote L’Atelier théâtral d’Ivry. La transmission est un axe complémentaire au travail de mise en scène, qu’il développe.

Dans la lettre qu’il laisse, signée du 15 août et intitulée Libre adieu, Adel Hakim parle avec une grande lucidité de la maladie dégénérative qui le rongeait depuis plus de deux ans. Il avait préparé sa sortie et pris rendez-vous en Suisse pour décider de son dernier acte, en toute conscience. Il voulait une mort sereine et choisie, sans acharnement thérapeutique. Il n’a pas eu la capacité de partir pour la mise en œuvre de ce geste, il s’est éteint chez lui. Au-delà de son destin personnel, Adel Hakim pose un acte et milite pour le droit à mourir dans la dignité, « C’est dire combien la relation entre la vie et la mort porte du sens » dit-il, et il rappelle les lois qui ont « élevé le niveau de respect et de dignité des citoyens » : l’IVG en 1975, l’abolition de la peine de mort en 1981, la légalisation du mariage pour tous en 2013.

Adel Hakim était d’Ivry et de partout. Il laisse une œuvre poétique sensible. « La terre nous est étroite. Elle nous accule dans le dernier défilé et nous nous dévêtons de nos membres pour passer » disait Mahmoud Darwich.

Brigitte Rémer, 3 septembre 2017

Théâtre des Quartiers d’Ivry-Centre Dramatique National du Val-de-Marne, Manufacture des Œillets, 1 Place Pierre Gosnat, 94270 Ivry-sur-Seine – www.theatre-quartiers-ivry.com – Tél. : 01 43 90 11 11.

 

Too Young To Wed

© Stephanie Sinclair – Environs de Hajjah, Yémen.

Mariées trop jeunes, exposition des photographies de Stephanie Sinclair, sur le toit de la Grande Arche, La Défense.

« Dès que je le voyais, je courais me cacher. Je le détestais. » Tahani (en rose) se souvient des premiers temps de son mariage avec Majed. Elle avait alors 6 ans et lui 25. Elle en a 8 aujourd’hui, et elle est photographiée ici dans son village avec une autre petite mariée, Ghada, son ancienne camarade de classe. (photo ci-contre)

La Grande Arche a ré-ouvert ses portes au mois de juin après huit ans de fermeture et trois de travaux, et avec la création d’une Arche du Photojournalisme. On y monte par un ascenseur transparent, panoramique, l’équivalent de trente-cinq étages et on y est joliment accueilli par des hôtes et hôtesses chaleureux et stylés. Tout est lumière et transparence. Là, plus de 1200 m2 sont dédiés au photojournalisme. Jean-François Leroy, fondateur du festival Visa pour l’image, en assure la direction artistique. « La photo d’actualité est parfois dérangeante mais est aujourd’hui plus nécessaire que jamais » déclare-t-il.

On est pris de vertige en arrivant, non par l’altitude au sommet de la Grande Arche mais par les images qui nous happent. Le sujet de cette première exposition Too Young To Wed – Mariées trop jeunes est d’une grande violence, cela est intrinsèque au photojournalisme qui témoigne du monde d’aujourd’hui, dans sa cruauté. L’exposition des photographies de Stephanie Sinclair traite des mariages forcés et a valeur de Manifeste. Depuis une quinzaine d’années la photojournaliste américaine sillonne le monde, observant les traditions familiales millénaires sous l’angle des mariages imposés à de toutes jeunes filles, et s’engage pour les dénoncer. Elles sont encore enfants, parfois à peine adolescentes et dans certaines parties du monde, dès cinq ans, leur vie est une tragédie.

Cent cinquante clichés sont ici montrés, dans la vérité quasi insoutenable de ces petites et jeunes filles dont le regard, d’une infinie tristesse, crève l’écran comme autant d’appels au secours. Stephanie Sinclair les a rapportés principalement d’Ethiopie, du Guatemala, d’Inde, du Népal, du Nigéria, de Sierra Leone, du Yémen. « Toutes les deux secondes une jeune fille est mariée contre son gré, soit 39 000 filles par jour dans plus de cinquante pays, à travers le monde, dont de nombreux pays d’Afrique. » Pourtant chiffres de l’UNICEF à l’appui, « le mariage d’enfants n’est pas l’apanage des pays les moins développés, il existe un peu partout dans le monde. » On pourrait inscrire à ce triste générique l’Europe de l’Est, l’Asie Centrale, ou encore les Etats-Unis où les dérives sectaires sont la clé d’abus avérés dans de micro-sociétés religieuses fermées, un chapitre de l’exposition le montre.

Dans de nombreux pays le piège familial se referme sur ces fragiles vies dont le contexte se nomme pauvreté, abus, grossesses, mort en couches, sida, maltraitances, viols, peur, soumission et mort. « J’ai été offerte à mon mari quand j’étais petite, je ne me rappelle même plus quand, c’était tellement j’étais jeune. C’est mon mari qui m’a élevée » dit Kanas, 18 ans, d’Ethiopie. Il s’agit de violation des droits fondamentaux, d’enfances massacrées, de marchandisation, de discrimination et d’asservissement. On pourrait parler de meurtres. Certaines s’immolent pour fuir l’esclavage domestique et sexuel. Une photo montre un père se recueillant sur la tombe de sa fille qui s’est immolée par le feu après des années de maltraitance aux mains de son mari et de sa belle-mère, en Afghanistan. Au premier plan sa sœur, âgée de 8 ans, qui l’a soignée pendant son agonie. Des fratries de deux ou trois petites filles sont données ou vendues à d’autres fratries d’hommes, – enfants et jeunes hommes parfois, hommes beaucoup plus âgés, souvent -. Elles s’appellent Tehani, Ghada, Aarti, Deslaye, Niruta, Sarah, Beverly, Sandra, Asia, Agere, Rajany, Ghulam, Aracely, Galiyaah, Sidaba, Kwawlah, Yagana, Yakaka, Falimata, Sorita, Maya, Soyla, Bibi Aisha, Anita, Rajni. La liste des prénoms accompagnant les photos est beaucoup plus longue. Elles ont entre 5 et 16 ans, certaines ont tenté de s’échapper, elles ont été torturées. « Quoiqu’il arrive je dois m’adapter » dit Shobha, du Rajasthan, mariée à l’âge de 8 ans, « les femmes doivent se sacrifier, car dans notre pays il n’y a de place que pour les hommes. »

Le poids des traditions et des croyances est profondément enraciné, les familles se doivent de les respecter surtout dans les communautés rurales pauvres où le mariage précoce est très répandu : parfois c’est une bouche de moins à nourrir d’un côté, une dot et une femme servante et soumise, de l’autre. En Afghanistan, « Quand Mejgon avait 11 ans, son père l’a vendue à un homme de 60 ans qui a payé le prix convenu : deux paquets d’héroïne. » Pourtant, beaucoup de parents sont aussi convaincus que le mariage offre une protection à leurs filles. Mais on les arrache à l’école, les privant de leur droit à l’éducation et donc de la possibilité de choisir un jour leur travail et leur vie. Même si les lois interdisent les mariages précoces dans certains pays, la pression coutumière demeure et fait céder les familles. Surita hurle quand on la force à quitter sa famille pour rejoindre le village de son mari. Rajyanti elle, réussit à tenir tête à ses parents, à l’âge de 16 as en refusant le mariage : « J’ai refusé parce que je veux étudier et devenir quelqu’un. » Sur grand format, trois sœurs, victimes des rapts de Boko Haram au Nigéria, dégagent une grande douceur. Elles ont subi les pires humiliations avant de réussir à s’évader et, rejetées par leur famille, vivent dans un centre d’accueil, c’est la double peine.

Des voix commencent à s’élever dans le monde, des voix de femmes et d’hommes. Les porte-drapeaux du changement sont des militantes, des médecins et des personnalités politiques. « L’interdiction du mariage des mineurs dit l’une d’entre elles, n’est pas seulement une question de politiques, mais également de mentalités et de comportements. » Dans certains pays, des ONG s’attellent au problème, c’est le cas du Sierra Leone où une ONG suisse a mis en place un rite de passage alternatif, sans excision, lors de la cérémonie Bondo, en échange de quoi elle prend en charge les frais de scolarisation des jeunes filles.

Aracely, 15 ans, du Guatemala, mariée précocement, pensait avoir une vie meilleure « mais cela n’a pas été le cas » reconnaît-elle. L’avenir meilleur est encore loin et de nombreux pays connaissent toujours un taux élevé de mariages précoces, même si certains programmes d’éducation et d’autonomisation des jeunes filles commencent à porter leurs fruits. La violence se perpétue de génération en génération et les meurtres restent impunis.

Dans ce bel espace d’exposition la vérité est grand format et on en sort sonné. Au-delà de son témoignage photographique Stephanie Sinclair a créé l’association Too Young To Wed pour aider ces jeunes femmes à se reconstruire, son engagement est remarquable. « J’ai commencé ce travail lors d’un reportage en Afghanistan en 2003, après avoir rencontré des adolescentes de 9-11 ans, qui avaient tenté de s’immoler par désespoir, raconte-t-elle. J’ai voulu en savoir plus. » Ce plus nous est montré dans toute sa vérité.

Brigitte Rémer, 29 août 2017

Jusqu’au 24 septembre. La Défense – Arche du Photojournalisme – Métro : La Grande Arche/La Défense – ouvert tous les jours de 10 h à 19 h – Site : www.lagrandearche.fr – Too Young to Wed, de Stephanie Sinclair, est publié à CDP éditions. Tous les bénéfices sont reversés à l’association.

 

Lettre à Fadwa Souleimane

Salon du livre de Paris – Mars 2017 © Nîma photographie

 

Tes paroles me reviennent alors que ta famille et tes amis te portent aujourd’hui en terre. Tu avais accepté ce moment partagé pour préparer la Préface de ton livre de Poésie « À la pleine lune. »

Tu es née à Alep mais avais eu plaisir à parler de la ville où tu avais grandi, Safita : une ville colorée et pleine de soleil, adossée à la petite ville de Tartous au bord de la mer et posée sur trois collines. Tu avais évoqué ton caractère contemplatif, en disant : « J’absorbe les choses, je fixe les choses, je marque tout, à coups d’images. »  Tu avais évoqué ton père, disparu quand tu avais quatre ans, un père qui aimait beaucoup la langue, la langue arabe et l’enseignait à ses enfants, un père qui aimait la poésie et la littérature. Tu es la huitième de la fratrie, sur neuf enfants.

Tu avais rappelé tes études à l’Institut Supérieur des Arts Dramatiques de Damas, quatre ans de formation. Les spectacles de Philippe Genty de passage en Syrie avaient changé ta vie et ton regard : le travail du corps et de l’objet, le travail visuel et poétique. Le théâtre expérimental t’intéressait et tu l’as expérimenté avec différents metteurs en scène, dans plusieurs spectacles. C’est le choix du rôle qui te guidait avais-tu dit, et ceux avec qui tu avais envie de travailler. Les séries télé ne t’intéressaient pas, il te fallait, intellectuellement, du grain à moudre.

Nous avions parlé des relations entre hommes et femmes et tu rapportais : « Chez nous, c’est très mélangé, très différent. Il y a le respect des femmes. Il y a la liberté en même temps, mais il y a aussi beaucoup de choses qui ne sont pas bien, notamment le droit. » Sur ton entrée dans la Révolution, tu avais expliqué : « Quand j’étais petite, j’ai rêvé de la révolution, j’avais six ans. C’était une question de justice et d’égalité. » Et tu avais raconté une anecdote de tes douze ans : un professeur s’était moqué d’un élève en lui disant qu’il était mal habillé et tu avais demandé à ce professeur de s’excuser de son insulte, tu avais exigé qu’il s’excuse auprès de l’élève. Tu n’avais souscrit à aucun Parti m’avais-tu dit, même si chez vous, vers douze treize ans, c’était une quasi obligation. Tu avais des idées bien arrêtées.

Tu militais contre la violence et soulignais qu’il y avait beaucoup de violence partout, au quotidien, dans les paroles et les actions. Pour changer la pensée, la façon de penser dans ton pays, tu avais même imaginé de changer la langue, et tu disais : « Notre langue est restée longtemps sans changement parce que chez nous, il n’y a pas d’action. La langue évolue si l’action suit. » Ta définition de la démocratie était simple : « Tu penses, et tu fais ce que tu as pensé. Mais si tu penses et que tu restes sans rien faire… » et le geste prolongeait le mot, jusqu’à s’effacer.

Tes débuts en écriture se passent pendant la Révolution, un besoin impérieux d’écrire disais-tu, avant d’être exfiltrée de Homs car tes prises de position et engagements dérangeaient. Pour te protéger, tes amis avaient préféré que tu partes : « Va t-en, peut-être que là-bas tu as un rôle plus nécessaire pour nous » t’avaient-ils dit. Ce rôle tu l’as tenu, Fadwa, par l’écriture, partageant un peu de tes mondes intérieurs, de tes angoisses et de tes espoirs. Et aussi parce qu’écrire aide à vivre, à supporter l’exil, tu le disais avec pudeur. « Qui suis-je encore quand mon visage, mon nom, la fleur de ma jeunesse, ma langue, ma voix, ma mémoire, sont restés là-bas habillée des débris de mon pays… ? » Tes mots, ton visage, la beauté de ce que tu es, demeurent. Bonne route dans tes nouvelles galaxies, toi si forte et si fragile.

Brigitte Rémer, le 23 août 2017

« À la pleine lune » de Fadwa Souleimane, Editions Le Soupirail, 2014 – Traduction de l’arabe par Nabil El Azan. – E-mail : editionslesoupirail@gmail.com – Site : www.editionslesoupirail.com.

Sy-rien n’est fait

Festival d’art engagé réalisé en partenariat avec ASML Syria : Inform/Engage/ Empower – Damasquino – Les associations Souria Houria, Codssy, Revivre, La mémoire collective – Lieu : Les Grands Voisins.

L’objectif du Festival est de montrer qu’au-delà de la mort et de la destruction qui habitent la Syrie depuis plus de sept ans, de jeunes créateurs tentent, par leurs images et modes d’expression, de faire vivre leur pays en préservant son identité. Ils en parlent, à travers leurs différents langages artistiques, par le témoignage, l’émotion, la dérision, la théâtralisation et parfois l’humour. Concerts, cinéma, conférences-débats, expositions et performances sont proposés sur cet espace créatif des Grands Voisins, comme il y a vingt ans un collectif d’artistes avait créé l’Hôpital Ephémère et installé ses ateliers dans l’ancien Hôpital Bretonneau.

Les jeunes photographes Syriens témoignent de la violence et du chaos, de la destruction systématique de l’identité du pays, des villes qui n’en sont plus et des populations déplacées, de la souffrance et de la résistance, Il y a beaucoup d’enfants sur les images, cherchant un peu d’insouciance – 74% des Syriens déplacés à l’intérieur du pays sont des enfants -. Ibrahim Ayyoub montre des huit/dix ans qui tentent de s’amuser sur une balançoire de fortune dans le camp Ayn Aysa de Raqqa, le 8 avril 2017 ; Mohammad Howaish observe un enfant de cinq ans jouer dans le camp Abul Walid à Tarmala, dans le gouvernorat d’Idlib, le 11 novembre 2016. Nour al-Din al-Ghoutani fixe sur la photo un garçon d’une douzaine d’années devant les ruines de son école dans la banlieue de Damas, le 7 mars 2017 et Karam al-Masry celle d’une jeune fille jouant dans un parc détruit à Qusay Noor, zone assiégée de Douma, le 23 février 2017 ; une femme regarde la dépouille de son frère sorti des décombres suite à la chute d’une bombe sur le quartier d’Aghyar à Alep, en 2016. Emad al-Hourany témoigne de la fuite d’une famille à travers une région montagneuse de Syrie, famille déplacée à l’intérieur du pays, comme de nombreuses autres. Depuis 2011, chaque jour plus de cinquante familles syriennes chaque heure sont contraintes de quitter leurs maisons et de tout abandonner, souvent sans savoir où aller ; Karam al-Masry montre un père portant son fils, tous deux survivants d’une attaque aérienne visible à l’arrière plan sur le quartier Karam al-Afandi à Alep, le 7 décembre 2015. Abdelsalam Hamza montre une jeune fille pompant de l’eau dans Kafr Batna assiégée et désertée, dans la banlieue de Damas, le 10 février 2017, 2/3 de la population en effet n’a pas accès à l’eau potable.

Côté cinéma, l’association Souria Houria a sélectionné les courts métrages de jeunes réalisateurs syriens, professionnels ou amateurs et les a présentés dans un amphithéâtre archi plein. Depuis 1963 le cinéma était financé par un organisme national du cinéma sorte de CNC relevant du Ministère de la Culture. Quand Hafez El-Assad, père de Bachar, arrive au pouvoir en 1970, la situation se dégrade rapidement et le cinéma, comme les autres arts, passent sous contrôle de la bureaucratie, subissent la censure et la corruption. Les trois premiers films présentés ont été réalisés avant le début de la guerre, avant 2011, les réalisateurs les ont tournés sous le manteau, les ont montés chez eux, secrètement. Ils traitent déjà de totalitarisme et de destruction. Akram Agha, présente une série de dessins qu’il anime à partir de gros plans sur des croquenots pour pieds militaires qui marchent au pas, montent des escaliers rappelant ceux d’Odessa chez Eisenstein, dans le Cuirassé Potemkine. Plus elles montent, dans tous les sens du terme, plus elles écrasent, jusqu’à devenir bottes pour pas cadencés nazis. Le ballet est féroce, plein d’humour pourtant. L’image finale se teinte de tâches de sang sur le cuir épais des chaussures, sans jambes ni visages. Samer Salameh présente un très court métrage intitulé Pénélope, réalisé en partenariat avec l’association Al-Awda qui défend la cause palestinienne : dans un camp de réfugiés palestiniens une vieille femme tricote à gros points tandis qu’à côté, un vieil homme, son mari peut-être, tire la pelote et détricote avec la même application. Un abécédaire est ensuite présenté qui va de A à K – C comme Collateral damage, D comme Double Speak, K comme Killed in action – et passe directement à Z avec Zero tolérance. Un homme jeune mange du pain, la police le tue. Bassel Shahadé, réalisateur et monteur faisant ses études aux Etats-Unis était venu rejoindre les activistes de Homs et s’est fait tuer. Son film suit un jeune garçon d’une dizaine d’années cherchant le sommeil – lui-même ou son fils peut-être -. Aux questions apparemment banales posées au jeune garçon comme « qu’aimes-tu faire le week-end ? » on sait qu’il est désormais seul « Nous étions heureux » murmure-t-il. « Je hais le bruit des avions… » « Je hais les week-end… » La maison semble en feu.

Les films montrent, chacun à sa manière, la lutte individuelle et le combat collectif. Les Rebelles de Zabadini pointe le rôle des femmes qui prennent possession de la rue, se mettent en grève et manifestent contre Bachar. Le peuple de Kafranbel, ville de la province d’Idlib tenue par l’opposition syrienne, prépare une nouvelle Constitution visant à séparer les pouvoirs administratifs, militaires et judiciaires : La Constitution de Kafranbel met à l’œuvre son comité de coordination élu démocratiquement. Un autre film sur la même ville utilise la théâtralisation et la dérision face aux kalachnikov et au TNT qui tuent. Ô Douma fait pénétrer le spectateur au cœur de la ville, située à vingt kilomètres de Damas, bombardée et défaite. Un homme parle d’un tank entré dans sa maison, sous ses yeux et qui a tout dévasté. Les morts s’alignent dans la rue. Le blanc du linceul et le rouge du sang emplissent l’écran.

Khaled Abdelwahed montre à travers trois courts métrages bricolés dans sa cuisine, la puissance du dessin et la force des contrastes entre un semblant de vie ordinaire avec les enfants de Sabra et Chatila, la terreur et les cris de panique. On trouve deux petits films tournés en 2012 dans le cadre de Vague blanche pour la Syrie sous l’égide de Stéphane Hessel où intellectuels, politiciens et artistes français face à l’écran tiennent une pancarte portant le mot STOP inscrit avec véhémence ; Jane Birkin et Michel Piccoli sont de ceux-là. Mig de Amer Al-Barzawi parle du bombardement par l’armée de Bachar El-Assad du camp de réfugiés palestiniens de Yarmouk où sont retranchés des insurgés, dans le sud de Damas, de l’attaque de son Hôpital, Al-Basel : le réalisateur a écrit un texte poétique où il évoque cette volonté de détruire la cause palestinienne comme un autre exil. 9 et demi présente une lecture de la guerre avec fantaisie, entre mer et masque à gaz, entre violon et camion. Azza Hamwi par le récit d’une femme, s’interroge sur l’identité des lieux jusqu’à ce que tout s’emballe et l’image s’accélère. « Tu partiras, Bachar » répète-t-elle. De très courts métrages de recherche, quelques images d’enfance volée et un récit écrit et dansé par le magnifique danseur et  chorégraphe Hussein Khaddour qui, retournant dans le studio de danse dévasté où d’ordinaire il travaillait, se met à danser, jusqu’au vacillement du passé se mêlant au présent par le jeu des reflets.

De nombreux artistes syriens de toutes disciplines ont participé à ce Festival d’Art Engagé, nous ne pouvons tous les citer ici. Ils démontrent la vitalité de la création syrienne malgré ses traumatismes et ses chagrins. Un important public, attentif et silencieux, était au rendez-vous et à l’écoute.

Brigitte Rémer, le 13 août 2017

Du 9 au 13 août 2017, Les Grands Voisins, 82 avenue Denfert-Rochereau. 75014. Paris – Métro : Denfert-Rochereau.

La Vie Folle

Ed van der Elsken, Vali Myers (Ann) danse à la Scala Paris 1950 © Ed van der Elsken

Exposition de l’oeuvre de Ed van der Elsken – Musée du Jeu de Paume – Commissaire de l’exposition Hripsimé Visser.

C’est la première rétrospective en France de l’œuvre de Ed van der Elsken, photographe, auteur et documentariste néerlandais (1925-1990). L’artiste est « enfant de son époque : sombre dans les années 1950, rebelle dans les années 1960, non conformiste dans les années 1970 et philosophe dans les années 1980 » note le dossier de presse. Il sillonne le monde et, pendant une quarantaine d’années, capte sur le vif l’énergie, diurne et nocturne de villes comme Tokyo, Paris et Amsterdam. Foisonnante, son œuvre s’exprime à travers divers supports et mêle plusieurs formes d’expression que l’exposition restitue avec simplicité et dans une belle dynamique : plus de cent cinquante tirages originaux, des planches-contacts, des tirages en couleur et deux diaporamas – Eye Love You et Tokyo Symphony – des extraits de films et de textes parfois acidulés et toujours personnels, des montages, maquettes de livres et publications.

Ed van der Elsken joue avec les limites et, dans les années 1950, traque les atmosphères, l’intime et les scènes de la vie quotidienne. Dans son quartier de Nieuwmarkt, à Amsterdam, il capte des personnages atypiques, excentriques et marginaux, – d’une jeune élégante à la coiffure en choucroute à la tenancière d’un bar, des travestis aux passionnés de jazz… – C’est au cours de ces années qu’il découvre le jazz au Concertgebouw d’Amsterdam et en tombe amoureux, lors d’un concert où il découvre Chet Baker. Il fait de nombreuses photographies lors de concerts – avec Miles Davis, Lionel Hampton, Ella Fitzgerald etc. – qu’il publie dans Jazz, en 1959, livre dont il fait lui-même la maquette en donnant aux images des rythmes syncopés à la manière d’improvisations musicales.

Au cours de ces mêmes années, Ed van ver Elsken photographie le Paris de l’après guerre, ses quartiers intellos et artistes, s’intéresse au langage du corps, parcourt pendant quatre ans les rues et témoigne avec humanité. Il évoque la jeunesse, les addictions, la vie qu’on mord à pleines dents. Il travaille l’autoportrait, séduit son sujet et se met en scène de manière provocatrice – avec notamment l’artiste australienne Vali Myers, une proche de Cocteau et de Genet -. Son premier livre, Love on the Left Bank/Une histoire d’amour à Saint-Germain des Prés, sorte de roman photo publié en 1956, en témoigne et entraîne dès le départ, sa notoriété. C’est l’un des points majeurs de l’exposition.

La même année, Ed van ver Elsken fait un séjour en République Centrafricaine – alors Oubangi-Chari – un an avant l’Indépendance du pays. Il l’observe comme un ethnologue et photographie la vie quotidienne dans des villages reculés, loin de toute référence au monde moderne. Les enfants dessinent pour lui les rituels auxquels il ne peut être admis, il intègre leurs dessins dans l’ouvrage qu’il publie, Bagara/Buffle. Pour lui, l’animal résume le pays : « il symbolise à la fois l’aspect sauvage, la ruse et la force vitale de l’Afrique. » A partir de 1959, il entreprend un tour de monde avec sa femme, Gerda van der Veen, qui le mène jusqu’en Afrique du Sud, voyage dans plusieurs pays d’Asie, passe trois mois au Japon et termine son périple au Mexique et aux Etats-Unis. Il en rapporte un important matériel photographique et des reportages, trouve un éditeur sept ans plus tard seulement. Intitulé Sweet Life/La Douceur de vivre, l’ouvrage sort en 1966.

Ed Van Der Elsken nourrit une véritable fascination pour le Japon où il se rend plus d’une quinzaine de fois. L’exposition s’en fait aussi l’écho avec entre autre des photographies de lutteurs sumo, de mouvements de foule dans les trains, de folie de la consommation. Là encore l’urbain est sa principale inspiration mais il garde aussi un regard sur le rural. Il publiera un important ouvrage en 1988, intitulé The Discovery of Japan/La Découverte du Japon.

A côté de son travail de photographe, le cinéma tient une place essentielle dans son parcours. Souvent autobiographique, il interroge le bonheur et se situe dans la lignée du cinéma vérité, entre le documentaire et le cinéma expérimental. L’art du montage, qu’il pratique, est son alphabet. Dans l’un des premiers films qu’il réalise, en 1963, Bienvenue dans la vie, mon petit chéri, il fait un portrait de son quartier et de sa vie familiale. Dans son dernier, Bye, réalisé en 1990 et qui a valeur d’adieu, il fait un reportage sur le cancer qui le ronge où il est l’objet autant que le caméraman.

Ed van der Elsken est une figure singulière de la photographie – il passe du Rolleiflex de ses débuts au Leica qui lui permet d’approcher au plus près de ses sujets – ainsi que du cinéma documentaire néerlandais, au XXe siècle. La poésie et l’acuité de son regard sur les marginaux avec lesquels il est en empathie et sur la rue qu’il met en scène, et la recherche esthétique sur laquelle il s’interroge en permanence, font de lui un précurseur dans la photographie documentaire humaniste, en Europe. La vitalité de sa pensée et de ses images – photographiées, filmées ou dessinées – qu’il présente lui-même sous forme d’installations très personnelles, le place au cœur de la modernité.

 Brigitte Rémer, le 10 juillet 2017

Jusqu’au 24 septembre 2017 – Musée du Jeu de Paume, 1 Place de la Concorde. 75008. Paris. Métro Concorde – www.jeudepaume.org – L’exposition a été présentée au Stedeljik Museum d’Amsterdam. Elle fait partie de Oh ! Pays-Bas, saison culturelle néerlandaise en France 2017-2018. Elle sera présentée du 23 janvier au 20 mai 2018 à la Fundación Mapfre de Madrid.