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Un homme sans titre

Texte d’après Un homme sans titre de Xavier Le Clerc – adaptation Jean-Louis Martinelli, Mounir Margoum – mise en scène et scénographie Jean-Louis Martinelli – avec Mounir Margoum – Compagnie Allers/Retours, au Théâtre de la Ville-Sarah Bernhardt/ La Coupole.

C’est une histoire de vie, une histoire de Kabylie. L’acteur est assis côté cour. Sur une table en formica quelques feuilles éparses et un livre qu’il feuillette. Par les mots de l’auteur il interroge le passé, se penchant sur son identité à travers le parcours de son père, Mohand-Saïd Aït-Taleb.

Car Xavier Leclerc est né Hamid Aït-Taleb, dans un village du Constantinois. Sa référence première vient d’Albert Camus faisant un reportage sur la Kabylie en 1939, et aux articles qu’il avait publiés dans le journal « Alger Républicain » sous le titre : Misère de la Kabylie, dans lesquels il recensait les injustices et dénonçait l’exploitation. Quatre-vingts ans plus tard l’auteur en prend connaissance, l’acteur, Mounir Margoum, en est le porte-parole : « Je ne peux pas oublier la réception que me firent treize enfants kabyles, qui nous demandaient à manger, leurs mains décharnées tendues à travers les haillons… »

Xavier Le Clerc reste blessé à vie de ce qu’il découvre quand il comprend que son père, Mohand-Saïd Aït-Taleb, né en 1937, était de ces enfants de misère, et que les mots de Camus parlent de lui. Quelques images apparaissent sur le mur, en fond de scène. On entre dans l’histoire de l’Algérie alors liée à celle de la France. Dans la génération précédente, son arrière-grand-père, Saïd, un tirailleur kabyle, était mort pour la France dans les tranchées de Verdun, en 1917. Partant de son certificat de décès militaire il a raconté son histoire dans le roman Cent vingt francs, publié en 2021.

Son grand-père paternel, Abdallah, mourra à l’âge de quarante ans entre malnutrition, maladie et épuisement. Au cours de sa vie il aura marché des heures et des heures, chaque jour, pour aller défricher les terres des colons. Son fils, Mohand-Saïd, en avait treize, il lui avait fallu faire vivre sa sœur Chérifa et leur mère Keltoum, il avait travaillé dur depuis l’âge de neuf ans. Keltoum mourra à quarante-deux ans, le 5 juillet 1962, jour de l’Indépendance de l’Algérie, un jour de fête. « Cette année-là, Mohand-Saïd fut témoin de la fin d’un monde qui avait duré centre trente ans, d’un rêve de terre promise avec son lot de misère et d’exploitation, et qui, pour tant de jeunes Algériens de sa génération, se retrouverait exhumé à coups de pelles sur les chantiers de France. » Le chant de l’Indépendance qu’on entendit ce jour-là au coin de chaque rue résonne dans le spectacle – Vive l’Algérie ! تحيا الجزائر.

La suite se passe en France car dans l’Algérie indépendante le chômage est massif, la section administrative locale sélectionne des hommes bien bâtis pour partir au titre de main-d’œuvre docile. « Mohand-Saïd, à vingt-cinq ans, n’eut pas son mot à dire quant à sa destination en France, ni au poste qu’il occuperait. Travail à la chaîne, soudure, terrassement, aciérie, manœuvre dans le bâtiment, ordures ménagères, voirie, la liste était longue, le tampon vert expéditif. » Il fait ses adieux à sa sœur Chérifa et au village, prend l’autocar pour la capitale puis le bateau pour Marseille, des billets de train en poche et une adresse de foyer dans la ville de Caen.

Durant les cinq premières années dans le Calvados, de 1963 à 1968, Mohand-Saïd apprend les rudiments de la langue française, des mots utiles, comme gamelle, matériel, casque ou câble et il en entend d’autres comme bougnoul ou raton qui « ne l’offensaient pas plus, disait-il qu’une flaque d’eau qu’il suffit de contourner. » Chaque homme présent au foyer avait une famille au village, apprit à ne jamais se plaindre et à raser les murs par crainte des autorités. En 1968, Mohand-Saïd a trente et un an il rejoint la Société Métallurgique de Normandie où il remplace un ouvrier décédé dans un accident de travail. Il y restera vingt-quatre ans. Lui-même aura deux accidents dont l’un abimera son visage. Sa carte d’ouvrier de la SNM pour trophée et pour identité, porte sa photo d’avant, portrait qui s’affiche sur écran et qui sera publié à la fin du livre édité en 2022. L’homme est beau. « Il ressemblait à un acteur italo-américain avec ses mâchoires anguleuses, ses yeux verts et ses cheveux soyeux. Il n’avait pas encore la moustache et portait, comme toujours, un simple costume noir, une chemise blanche et une cravate » costume que portera l’acteur, quand, à la fin du spectacle, il lira sa lettre au père, un moment de pure émotion,

En 1970, Mohand-Saïd obtient une permission pour partir au bled épouser Ouardia, seize ans, sa cousine, il en a trente-trois. Pour elle c’est un second mariage, sa date de naissance indiquée dans le livret de famille n’est pas la bonne. Un an plus tard naît au village sa première fille, même nom que la grand-mère, Keltoum. En 1975, peu avant la naissance du second, Abdallah, Ouardia arrive en France dans le cadre du regroupement familial. La vie y est plus que précaire, la famille habite un baraquement en carton bouilli situé dans un terrain vague de Mondeville, plus d’argent à la moitié du mois, l’obligation de vendre tout ce qu’ils peuvent pour survivre. Ne restaient qu’une table en formica jaune et quatre chaises, le décor du spectacle (scénographie et mise en scène Jean-Louis Martinelli, lumière Jean-Marc Skatchko). Reste la colère du père quand il ne pouvait plus les nourrir, la violence se retournant contre sa femme, et parfois les enfants.

« D’après ma mère je suis né le 13 mai 1979 et non pas le 6 juin comme l’indique le registre d’état civil » dit l’auteur, s’interrogeant sur son propre parcours. Malgré la précarité de la vie la famille décline la prime au retour proposée par le gouvernement français aux familles d’Algérie et Xavier Leclerc mesure qu’elle aurait été sa vie en cas de retour. Neuf enfants – représentés ici chacun par une chaise de plus, apparaissant sur la scène au fur et à mesure. Keltoum, douée et tant admirée par le petit frère à qui elle racontait de belles histoires sera la sacrifiée sur l’autel des aînées, jusqu’à son entrée dans la maladie mentale. Hamid/Xavier, dans son regard d’enfant raconte la famille, l’attribution d’un trois-pièces HLM avec salle de bains et toilettes, les vêtements d’occasion, l’hospitalisation de la mère quand il a cinq ans, et le placement des enfants quelques mois en foyer dans un magnifique château du dix-septième siècle, pour lui la découverte de nouveaux horizons, les non-dits de la famille, ceux du père à propos de la guerre. À la même période on le suit dans un retour au village, la famille bardée de cadeaux, pour sa circoncision, un geste dont on ne l’avait pas informé et qui fut une douleur.

Mon père illettré fut mon premier livre, ajoute l’auteur, il « avait du mal à me parler des affres de la faim qu’il comparait à un geôlier. » À travers l’histoire familiale celui qui plus tard s’appellera Xavier comprend assez tôt qu’il n’a pas la même sensibilité que ses frères et soeurs et se sent bien seul dans la fratrie : il écrit des poèmes qu’il cache sous son matelas, fréquente des filles au centre social du quartier regroupant les enfants du 115 où se pratiquaient le théâtre, la danse et l’écriture, fréquente la bibliothèque, cette différence lui vaut la désignation de tapette par ses frères. Il se trouve aussi étrangement au milieu d’une rumeur d’adoption qui court autour de lui et cherche dans ses traits les ressemblances avec son père s’inventant même d’autres pères comme Fernandel qu’il admire. Quelques images dans son rôle d’Ali Baba, turban blanc et à dos de mulets, détendent l’atmosphère. Hamid lisait et écrivait à la bibliothèque, les auteurs qui le touchent sont ceux qui luttent contre les inégalités comme Louis Guilloux dont le roman Le Sang noir publié en 1935 l’avait ébloui, dont Jean Giono dans son Refus d’obéissance. Il s’intéresse de plus en plus à l’écriture, qu’il pratique entre autres dans des ateliers.

À la fermeture de la SMN en 1992 Mohand-Saïd Aït-Taleb fut contraint de prendre sa pré-retraite avec pour seul viatique et trace d’un travail acharné, un banal certificat. Hamid/Xavier a treize ans. Toujours poli, muet et solide, son « licenciement économique achèverait bientôt de l’emmurer vivant » le faisant basculer « dans une langue minérale, un silence ineffable. » Il passera des heures « assis sur un banc public, perdu dans ses pensées, c’est d’abord du monde que notre père s’est retiré vraiment » écrit Xavier Le Clerc.

Hamid Aït-Taleb / Xavier Le Clerc demande sa naturalisation en 1998, à l’âge de dix-huit ans. Il anime des ateliers d’écriture et un café philo qui lui permettent de prendre son envol et d’avoir un petit appartement. Il aide son père de quelque argent, en cachette, quand il le croise dans le désarroi et Mohand-Saïd lui rend visite, chez lui, une fois. Il le sentit content de le savoir s’assumer seul. Il le rencontrera aussi après une hospitalisation due à une prise de médicaments trop forte, et pour la première fois il parlera de la guerre, de la torture et des humiliations subies, « première et dernière fois de ma vie que je le vis en pleurs » dit l’auteur.

Aspirant à une vie ouverte et loin des soumissions, Xavier décide de la rupture d’avec sa famille. Il se sent différent et non reconnu dans sa différence, l’homosexualité, pour laquelle sur certains réseaux il reçoit des menaces. Une dernière visite chez ses parents avant son départ programmé pour Paris lui permet de répondre à la question doucement chuchotée de son père, lui demandant si la rumeur était fondée. « Je lui affirmai par pudeur que je n’avais pas l’intention de me marier, ce qui revenait à lui dire oui. Il ne me jugeait pas mais je le sentis désemparé. Je le voyais pour la dernière fois de ma vie. »

Pour lui la vie reprend son cours entre études – droit, sociologie, philosophie puis double master à la Sorbonne – et travail, vrai faux-départ pour Londres où les conditions de vie furent… de pauvreté, changement d’identité en France pour mieux séduire la chance. « Hamid Aït-Taleb devait se fondre comme le sucre dans l’eau, pour devenir Xavier Charles Le Clerc. » Charles en pensant à Foucauld le père du désert, le X de Xavier, en pensant bien plus tard à sa justification, inconsciente, autour de l’obscur lié à sa naissance et des accouchements sous X, ainsi qu’autour du signe qui servait de signature à son père. Après ce changement d’identité tout réussit à Xavier Le Clerc. Il devient chasseur de tête dans le luxe, d’abord pour une maison anglaise prestigieuse, avec bureau à Paris rue du Faubourg-Saint-Honoré, puis à Milan pour une célèbre griffe. Il édite son premier livre, De grâce, sous son nom de naissance, en 2008.

Le 25 février 2020 l’auteur reçoit de sa sœur Sonia un message annonçant la mort du père. Le spectacle se ferme sur un hommage à ceux de sa famille qui l’ont « fait » et sur une éblouissante Lettre au Père à la manière de celle de Kafka qui l’avait touché au cœur. Sur écran la superbe photo du père, celle de sa carte SNM où il ressemble à un jeune premier. L’acteur, Mounir Margoum, devant un micro sur pied et portant le même costume que Mohand-Saïd Aït-Taleb, l’apostrophe avec une grande tendresse. Il retrace son parcours à partir de certains documents retrouvés par l’auteur, rendant un magnifique hommage au père aimé. « Le printemps est revenu, le fleuve est scintillant, pas un nuage dans l’horizon si bleu qui nous relie toi et moi, et que j’accepte comme un don du ciel. »

Derrière l’histoire de la famille Aït-Taleb et du parcours de vie de Mohand-Saïd qui fait figure d’archétype se profile la réalité coloniale, sa brutalité, la pauvreté engendrant le silence, la guerre et la violence qui marquent pour toujours l’immigration. Derrière ce portrait de Mohand-Saïd Aït-Taleb, son père, l’homme brisé, Xavier Le Clerc pose la question du refus de l’injonction identitaire et de la reproduction sociale. Pourtant un homme sans titre n’est pas – selon le concept de Robert Musil, un Homme sans qualités. « Et d’ailleurs, sans la rage que tu m’as léguée, je n’aurais jamais rien écrit » dit-il reconnaissant comme point commun avec ce père si silencieux, une profonde solitude. Mounir Margoum est éblouissant dans l’émotion qu’il traduit sur scène avec une grande fluidité, entre humour, gentillesse et tendresse. Il apporte un grand naturel et beaucoup de densité, portant cette belle écriture dans laquelle l’histoire familiale et sociale ouvre des pans entiers sur la blessure de la grande Histoire.

Brigitte Rémer le 19 mars 2026

Texte d’après Un homme sans titre de Xavier Le Clerc – adaptation Jean-Louis Martinelli – mise en scène et scénographie Jean-Louis Martinelli – lumières Jean-Marc Skatchko – musiques Joan Cambon – avec Mounir Margoum. Production Compagnie Allers/Retours – coproduction Le Manège / scène nationale de Maubeuge – Le Cratère, scène nationale d’Alès – Le texte est publié aux éditions Gallimard en 2022. Son dernier ouvrage, Le Pain des Français, mêlant réalité coloniale et récit autobiographique a été publié aux éditions Gallimard en 2025.

Du 6 au 29 mars 2026, à 19h, samedi à 17h, dimanche à 15h – Théâtre de la Ville-Sarah Bernhardt/ La Coupole, 2 Place du Châtelet. 75004. Paris – métro : Châtelet – site : www.theatredelaville-paris.com – tél. : 01 42 74 22 77.

J’ai tué Emma S.

D’après J’ai tué Emma S. et La Malcastrée, d’Emma Santos – conception, performance et mise en scène Mathilde Waeber – avec Pauline Haudepin et Mathilde Waeber – au Théâtre de l’Athénée Louis Jouvet.

Le spectacle débute dans un grand silence. Sur scène et dans la pénombre une performeuse réalise un tableau, grand rectangle posé au centre où elle dépose une sorte de substance couleur terre (Mathilde Waeber). Inlassablement le geste se répète, elle malaxe la matière comme agrippée à l’œuvre en train de se faire. Le silence l’accompagne quand de la salle parvient une voix, celle d’Emma Santos portée par Pauline Haudepin qui habitera le personnage tout au long du spectacle avec pudeur et maîtrise, elle rejoint la performeuse sur le plateau.

Emma Santos se raconte. Née sous le nom de Marie-Anne Le Rozick en 1943, au départ institutrice, elle tentera pendant trente-neuf ans de composer avec la vie avant de décider de la quitter, en 1983, après de nombreuses hospitalisations en psychiatrie et un amour destructeur. Plus âgé qu’elle, l’homme qu’elle aimait depuis ses seize ans est un plasticien, Carlos, elle vivra avec lui une dizaine d’années sous emprise, maltraitée, puis délaissée et rejetée. Emma Santos écrit sans filtre la douleur d’avoir été quittée et ce qu’est pour elle le métier de vivre. Ici, Pauline Haudepin joue sur du velours ou plutôt elle ne joue pas, elle EST Emma Santos, désarmée dans la douleur qui l’habite, avec pour seules respirations, l’écriture et le dessin.

On entre dans la tragédie de sa vie par le biais de l’absence. L’homme dont elle est éprise est parti, il avait accolé de manière autoritaire son nom, Santos, au sien. Elle trébuche et répète en boucle comme une obsession : « Ta femme, ton nom… Fuir et quitter ton corps… » Elle dit les avortements en un temps où avorter était tabou, et parle du désir de maternité, présent tout au long de son parcours, jusqu’à la naissance d’un enfant mort-né. « Je serai écrivaine » avait-elle déclaré, très tôt. C’est de livres qu’elle accouche, huit, entre 1971 et 1978. « Je suis sa femme littéraire » dit-elle, déchirée, son corps devient écriture, elle écrit de son sang. Son premier livre, L’Illulogicienne, fut d’abord refusé par une vingtaine d’éditeurs jusqu’à ce que Flammarion le publie en 1971 et c’est avec La Malcastrée, publié par Maspéro en 1973 et réédité par les éditions des femmes en 1976, qu’elle se fait connaître. Sur scène cette même année elle a aussi présenté un monologue sur sa vie, Le Théâtre d’Emma Santos, sous le regard du grand metteur en scène Claude Régy.

«Depuis un an et demi je vais tous les jours à l’hôpital de jour. Le soir je rentre seule. La nuit passe sans toi » et l’homme qui la hante et qui revient en boucle ne l’a pas aidée, il a précipité sa chute. Elle décrit la blessure, la privation de liberté et l’obligation de soins, quand elle est internée d’office, la maltraitance en psychiatrie « Je suis perdue… » trouve-t-elle la force de dire. « La folie je ne peux l’imaginer que femme, énorme, gonflée par les médicaments. »

L’actrice s’est assise devant l’écran : « Bonsoir Emma Santos » lit-on et entend-on avec fermeté « Si l’on parlait de votre enfance… ? » L’entretien avec le psychiatre tourne court : elle explique les problèmes de thyroïde traversés et ajoute : « J’entre dans le système psychiatrique par amour. » Et droit dans les yeux Emma pose LA question au psychiatre : « À quoi ça sert la psychiatrie ? » même si elle a déjà sa réponse : « La psychiatrie maintient l’ordre, l’ordre apparent… Le désordre est intérieur. » Et le psychiatre lui demande : « Pourquoi écrivez-vous ? » Œil pour œil et elle répond en le perdant à travers notes et papiers, dans le refus de la jouissance de l’écrit : « J’ai écrit pour être folle… » lance-t-elle, provocatrice, avant de préciser : « La psychiatrie on n’en sort jamais ! Ma seule passion est ma peur. »

Une bande son accompagne les mots et la performeuse s’en est allée laissant Emma Santos radicalement seule, habitée de ses visions et de ses désirs. Sa biographie littéraire s’inscrit sur le tableau au fond bleu devenu écran et qui, par une fenêtre, dévoile le visage de l’écrivaine. Emma, l’actrice, parle à l’autre elle-même, l’image, dans un effet de dissociation. Puis l’image se rétrécit, le tableau se disjoint et éclate, la musique monte. Ne restent que la terre et les signes.

Brigitte Rémer, le 13 mars 2026

Collaboration artistique et dramaturgie Alex Ben Mrad – regard extérieur Claire Ingrid Cottanceau – scénographie et régie plateau Dimitri Lenin – création lumières Loïc Waridel – création sonore Léa Bonhomme – création vidéo Félicien Cottanceau – production Compagnie Rêver l’Obscur – avec le soutien du JTN, du TGP/Théâtre Gérard Philipe (compagnonnage résidence) et du Festival Fragments – La saison Prémisses 2025.2026 dédiée à la Jeune Création théâtrale en salle Christian-Bérard est soutenue par le Cercle de l’Athénée et des Bouffes du Nord, et sa Fondation abritée à l’Académie des beaux-arts.

Du 10 au 14 mars puis du 18 au 22 mars 2026, à 20h30 et 16h30 les dimanches au Théâtre de l’Athénée-Louis Jouvet, 2/4 square de l’Opéra-Louis Jouvet, 75009. Paris – métro : Opéra, Havre Caumartin – tél. : 01 53 05 19 19 – site : www.athenee-theatre.com

Le Projet Barthes

d’après La Préparation du roman de Roland Barthes, version scénique et mise en scène Sylvain Maurice, avec Vincent Dissez – à L’Échangeur Théâtre de Bagnolet.

C’est un texte sublime d’intelligence et de vie, émaillé de nombreuses références comme autant d’évidences. Nous sommes au Collège de France dans le cadre du séminaire que donnait Roland Barthes le samedi matin en 1979 et 1980, il y occupait la chaire de sémiologie littéraire après avoir été directeur d’études à l’École pratique des hautes études.

Barthes (1915-1980) est en fin de parcours, il ne le sait pas. Sociologue, philosophe, sémiologue, critique littéraire, écrivain, il échappe à toutes les catégories, et s’il est bien ancré dans l’histoire contemporaine du XXème siècle il est un libre penseur, amoureux de la littérature, du théâtre et des mots, amoureux de l’amour, amoureux de la vie.

La séance qui s’annonce, élaborée par le metteur en scène, Sylvain Maurice qui en signe une adaptation probablement difficile à réaliser tant le matériau d’écriture est riche – sept cents pages – magnifiquement portée au plateau par Vincent Dissez, traite de La préparation du roman. Le discours est adressé, prenant le public devenu l’audience du samedi matin à témoin. On est dans l’oralité et si Barthes a incontestablement préparé son cours, il nous mène, par ce texte, de digression en digression, toutes aussi pertinentes et imagées les unes que les autres. Barthes finalement se parle à lui-même, à voix haute, s’interrogeant sur l’écriture, qui est sa vie, et se regarde dans cette quête passionnée, avec une grande simplicité. Il se livre, à mains nues, son cerveau et son stylo pour seuls outils, dans un dénuement quasi monacal.

Faire le vide et ne se remplir que des mots des autres pour les ressentir, les analyser, les ingérer et les faire siens, de Dante Alighieri à Flaubert, Proust, Maupassant, Rousseau et quelques autres en compagnonnage et dans la permanence de la pensée, telle est la démarche de Barthes. Il parle de l’état dépressif du deuil, comme d’un désinvestissement général et d’une perte de sens, ce qu’il est en train de vivre après la mort de sa mère. Il s’arrête sur ce midi de la vie, qu’il nomme le « milieu du chemin de la vie » s’inspirant de Dante, dans sa Vita Nova à la recherche d’un déclencheur qui permette de se réinventer et se réinvestir, en changeant radicalement de cap, où que nous en soyons du temps t de la vie . Il est à la recherche d’une sorte de conversion littéraire, dans la jouissance et le plaisir d’écrire, dans « l’idée d’entrer en littérature, d’entrer en écriture, l’idée d’écrire comme si je ne l’avais jamais fait, et de ne plus faire que cela. » Ce cours aurait pu s’appeler comme si, précise-t-il.

Sur une estrade à peine surélevée, grand rectangle blanc où se trouve un bureau blanc, une chaise orange et quelques objets que l’acteur déplacera à peine, l’homme est dans sa réflexion et dans un jeu de mains qui dessine parfois les mots ou rebat les cartes. Tout est mesuré, maîtrisé. Vincent Dissez cisèle le moindre geste, le moindre pas, réalisés avec une précision et une justesse, infinies. La lumière, sobre, permet à un certain moment un jeu d’ombres de chaque côté du plateau, Barthes est entouré de lui-même et dans une certaine solitude, sans aucun ego avancé alors qu’il est une star intellectuelle connue du monde entier (lumière Rodolphe Martin).

Car Barthes n’est pas un faiseur de concepts ni une machine aux mots ampoulés, c’est un homme délicat et sensible, parfois gentiment sarcastique et plein d’humour qui puise ses exemples dans la vie et se passionne pour celle des autres. Ainsi la petite couturière à domicile dont il parle et qui l’illumine par la précision de ses gestes et par sa modestie. Quand il réfléchit à l’écriture et qu’il se demande pourquoi il écrit – alibi, plaisir… – il met le projecteur sur le remaillage des bas et le geste qui appuie sur le bas pour qu’il ne file pas, et propose de poser un doigt sur ses imaginaires comme les femmes de l’époque pour stopper la maille qui file… Il file donc la métaphore avec habileté passant de l’une à l’autre dans un humour tendrement diabolique, il aime la digression, son paysage intérieur est riche et multiple.

À côté des images qu’il utilise il parle aussi de la vieillesse et reprend l’idée de rupture, car « la continuité n’est pas acte de vitalité » dit-il et si le présent est vivant pour lui, l’actuel ne l’est pas. Il développe l’idée de rupture libératrice nécessaire à l’écrivain pour se retirer du monde et trouver son espace hors de tout bruissement, de la nécessité de « disparaître, du moins provisoirement. » Et il livre ses stratégies de la disparition, à savoir « rester dans une immobilité entêtée » ou « imposer au monde qu’on est un original » ou encore « être malade » et il prend à partie Flaubert et Proust. Il évoque aussi la table de travail, comme une sorte de nautilus où se trouvent ce qu’il nomme « les objets fondateurs » qu’il oppose à la notion d’ordre. On ne touche pas à la structure, vitale et transportable. Puis il se lance dans l’exemple de la mayonnaise, ratée ou réussie et de l’image du jardinier ensemençant, ou plus précisément de la technique du marcottage utilisée en horticulture.

Le bureau est sorti de l’estrade, sorti du tableau, il s’y assied quelques instants et un grand rectangle de lumière bleue s’affiche sur le mur, en fond de scène. Il parle de rectangle imaginaire et de l’ordre des mots, Mallarmé reliant les siens après les avoir posés dans un certain désordre, Proust les juxtaposant. « Nous qui aimons la littérature sommes des exilés sociaux » dit-t-il en dispersant ses objets familiers sur le tapis de scène blanc, qui se teinte aussi de bleu. Une bande son avec quelques notes de piano, les bruits d’une cour de récréation et à peine la rumeur de la vie comme les touches de la machine à écrire, structure la représentation (son Jean de Alméida). Le spectacle se termine sur « la spirale » du compositeur et théoricien Schoenberg, Barthes propose d’écrire son prochain livre en do majeur.

Le Projet Barthes, par sa recherche de sens, soigne notre monde envolé. Par sa « pensée au présent » l’auteur partage ses Mythologies, son Aventure sémiologique et la synthèse de toute son œuvre. Le partenariat artistique qui s’est noué entre le metteur en scène Sylvain Maurice et l’acteur, Vincent Dissez, se poursuit autour de solos d’une grande force et avec tout autant de grâce et de travail que l’étaient les spectacles Réparer les vivants, roman et hymne à la vie de Maylis de Kérangal, et Un jour je reviendrai, réalisé à partir de deux récits autobiographiques de Jean-Luc Lagarce. Ce travail est d’orfèvrerie, porter le texte de Barthes à la scène, une gageure, dans le bruissement de sa langue… Et tant que la langue vivra… !

Brigitte Rémer, le 12 mars 2026

D’après La Préparation du roman de Roland Barthes version scénique et mise en scène Sylvain Maurice avec Vincent Dissez – lumière Rodolphe Martin – son Jean de Alméida – régie Daniel Ferreira – production compagnie [Titre Provisoire] en coréalisation avec L’Échangeur de Bagnolet. La compagnie [Titre Provisoire] est soutenue par le ministère de la Culture/DRAC Bretagne. La Préparation du roman est publié aux éditions du Seuil. Voir aussi (https://www.xn--ubiquit-cultures-hqb.fr/reparer-les-vivants/ ) du 4 juillet 2017

Création du 11 au 21 mars 2026, à l’Échangeur Théâtre de Bagnolet, 59 avenue du Général de Gaulle, 93170. Bagnolet, tél. : 01 43 62 71 20, métro : Galliéni – site : www. : lechangeur.org et www. sylvainmaurice.fr

Raiva / Rage

Affiche du film

Film portugais réalisé d’après le livre de Manuel Da Fonseca par Sérgio Tréfaut (2018) – avec Hugo Bentes, Rita Cabaço, Luis Miguel Cintra, Lia Gama, Herman José, Sergi Lopez, Isabel Ruth, Rogério Samora, Leonor Silveira, Catarina Wallenstein, en langue originale sous-titrée. Un débat a suivi la projection en présence du réalisateur et de l’acteur principal, Hugo Bentes – dans le cadre du Festival Olá Paris ! au Club de l’Étoile.

La seconde édition du Festival de film portugais Olá Paris! s’est terminée le 8 mars 2026, journée internationale des femmes, par un échange autour des droits des femmes. Dans la riche programmation proposée, le film Raiva a été projeté, il avait reçu six Prix Sophia, décernés par l’Académie Portugaise du Cinéma.

Grand classique de la littérature portugaise, le livre est publié en 1958. Son auteur, Manuel Da Fonseca, originaire de l’Alentejo, région du sud du Portugal y décrit la pauvreté dans les années 30 à travers la famille Palma, et la révolte qu’elle engendre. Paysans totalement démunis ils tentent de survivre dans une région dominée par de riches propriétaires à la tête de latifundia, qui les considèrent comme faisant partie intégrante de la propriété. À partir de 1932 et jusqu’en 1968 le pays est géré par le dictateur Salazar, Premier ministre du Portugal. L’Alentejo est alors une région délaissée et sans système éducatif, l’illettrisme n’y est pas rare.

Raiva © directeur de la photo Acacio de Almeida

Raiva est un film en noir et blanc, le paysage, agricole et de chênes-lièges, battu par les vents et la faim, magnifiquement filmé. Le réalisateur montre le cycle d’abus et de révolte dans lequel l’ouvrier agricole est littéralement écrasé. Les visages sont fripés et silencieux, solitude, misère, sècheresse et injustice sont au cœur de l’histoire. Les femmes tentent de se protéger du froid, la tête recouverte de leur cape noire, les hommes portent un chapeau et leur fusil de chasse à la main. Bento l’enfant autiste, aimé de son père, ne l’est pas de sa grand-mère (superbe Isabel Ruth). On se nourrit de pain, d’ail et d’eau, représentation de la misère extrême. et l’on guette le moindre gibier.

Derrière la beauté de l’image couve la tragédie. La violence est latente et circule quand la caméra se pose du côté des riches. On entre de plein fouet dans les inégalités sociales à la pointe du fusil, et la clé ne nous est donnée qu’à la fin. Le film remonte le temps et se résume à travers ces quelques mots rappelés par le réalisateur : « Les riches naissent riches, ils meurent riches ; les pauvres naissent pauvres, ils meurent pauvres. » La tension du film se joue dans ces écarts ouvrant sur des errements, excès et exactions. Le désespoir et l’impuissance se terminent dans le sang, Antonio Palma ira lui-même faire justice en tuant le propriétaire terrien et son fils. Dans une dictature, l’impuissance face au pouvoir se démultiplie, la rage surgit de l’injustice.

Raiva © directeur de la photo Acacio de Almeida

Si l’image est belle le son aussi est travaillé, que ce soit avec le vent, les bruits ambiants ou les chants polyphoniques traditionnels qui ponctuent l’action, aussi sublimes que ceux de Corse ou de Toscane. Au Portugal le Cante Alentejano fait partie du quotidien, il est inscrit dans la liste Unesco du Patrimoine culturel immatériel de l’Humanité.

Dans la conversation avec le public, qui a suivi la projection animée par Didier Caramalho, journaliste à Radio Alfa, la salle a échangé de manière chaleureuse avec Sérgio Tréfaut, réalisateur et Hugo Bentes, l’acteur principal tenant le rôle d’Antonio Palma et primé pour ce rôle – ainsi d’ailleurs qu’Isabel Ruth, primée pour celui de sa belle-mère, Raiva ayant reçu le Prix Sophia du Meilleur film, en 2019. Originaire de l’Alentejo, Hugo Bentes n’était pas acteur, Sérgio Tréfaut l’a choisi pour sa présence qui, dans les gros plans du film font référence, à certains moments, au western. Il a depuis développé une belle carrière. Le réalisateur avait de son côté tourné un film documentaire sur l’Alentejo qu’il connaît bien et dont tous ceux qui y sont nés sont amoureux. Le film est puissant dans la représentation de la misère, les femmes y tiennent une place importante, la photographie grave leur détresse. Le film se termine dans le tragique, comme il a commencé, les militaires mettant le feu à la maison d’Antonio, abattu à titre de représailles, une façon aussi de rayer la misère et de répandre la terreur.

Raiva © directeur de la photo Acacio de Almeida

Comme pour chaque séance du Festival, Raiva fut précédé de la projection d’un film d’animation – un concept voulu par les directeurs et une bonne idée, Estilhaços, de José Miguel Ribeiro était ce jour-là à l’affiche.

La 2^nde édition de Olá Paris ! s’est refermée, après un réel succès public en écho à la qualité artistique. Les deux programmateurs et directeurs, Wilson Ladeiro et Fernando Ladeiro Marques ont annoncé pour 2027 une 3^ème édition avec comme grand virage, une ouverture sur les films européens. Rendez-vous dans un an, même endroit même heure !

Brigitte Rémer, le 10 mars 2026

Olá Paris ! Wilson Ladeiro et Fernando Ladeiro Marques, directeurs et programmateurs du festival, Beatriz Batarda, marraine de la seconde édition – s’est tenu du 6 au 8 mars 2026 au Club de l’Étoile, à Paris. (Voir aussi notre article, Ubiquité-Culture(s) du 6 mars 2026).

Raiva : film de Sérgio Tréfaut – directeur de la photo Acacio de Almeida – montage : Karen Harley, Paulo Milhomens – décors : Miguel Mendes, Fabrtice Ziegler – costumes Lidja Kolovrat. Production : société de production Faux, Les Films d’Ici et la société Refinaria Filmes (Brésil) – distributeur au Portugal Nos Lusomundo Audiovisuals – distributeur international Doc & Film International.

Onbashira Diptych – Skid/Thr(o)ugh

Skid © Gregory Batardon

Chorégraphie Damien Jalet, interprétation Ballet du Grand Théâtre de Genève – en partenariat avec Chaillot Théâtre National de la Danse, avec le soutien de Dance Reflections by Van Cleef & Arpels – Scénographie Jim Hodges, Carlos Marques da Cruz – au Théâtre de la Ville-Sarah Bernhardt Paris.

C’est un spectacle remarquable en ses deux parties, de nature différente, où le sens et la beauté sont étroitement mêlés comme se mêlent l’idée du rituel et celle de la vie, la mise en danger et le dépassement de soi.

Skid © Gregory Batardon

Skid, la première partie – qui signifie glisser, déraper – place les danseurs sur un plan incliné à 34 degrés, translucide. Ils apparaissent un à un tels des insectes, du haut de ce Mont analogue, portant des collants type peau de serpent qui dans une première section de la chorégraphie, leur donnent l’allure d’un monde archaïque, ou aquatique. Apparaît un bras, une jambe, un danseur, un autre, qui glissent sur la pente, hommes et femmes chacun à sa manière, avant de s’abandonner et de chuter de l’autre côté, comme dans une fosse. Il y a quelque chose de cosmique dans cette pièce qui nous entraîne dans un autre monde où s’exécutent des gestes ritualisés : se laisser glisser, freiner, redémarrer, se chercher, se toucher, se trouver, et tomber. Le geste est minimum, il est plein, la gravité est mise en danger. Le chorégraphe, Damien Jalet, joue ici des notions d’apparition-disparition, répétition-contemplation. La musique électro acoustique de Christian Fennesz et Marihiko Hara s’inspire des symphonies de Mahler. Les lumières de Joakim Brink sont de contre-jour, intimes ou crues, les motifs du projecteur de découpe, complexes.

Une seconde section s’écrit dans Skid, s’enchaînant à la première sur cette même pente dangereuse où danseuses et danseurs vêtus d’élégants uniformes noirs aux liserés rouges exécutent d’impressionnantes figures d’ensemble. Tous alignés ils montent ce glacier infernal, plan devenu blanc guidé par deux soleils venus du dessous et dessinent de leurs corps et attitudes triangles et demi-cercles, idéogrammes et calligraphies. En haut ils se penchent dangereusement et se fondent dans le paysage, on ne voit plus même leur tête. La troisième section de Skid, cloue sur la pente un homme seul et attaché, protégé ou prisonnier. Quand il réussit à sortir de ses limbes, l’homme est nu et dialogue avec son ombre, son double, avant de s’échapper et lui aussi, de tomber dans la fosse d’orchestre depuis le haut du plan incliné, et de disparaître.

Thr(o)ugh © Gregory Batardon

L’entracte qui suit permet de voir la réalité du plateau, avec le changement de scénographie ouvrant sur la seconde chorégraphie, Thr(o)ugh. Le ballet des techniciens est impressionnant pour retirer le plan incliné, chacun dans le geste qu’il a à accomplir et pour faire apparaître la scénographie suivante, aussi forte que la première. C’est un énorme cylindre ressemblant à un tronc d’arbre évidé ou à un tombeau, placé sur une tournette. Le métal intérieur réfléchit la lumière, l’extérieur est émaillé d’une fresque abstraite dans laquelle on pourrait deviner un visage. Les danseurs en baskets, jeans et sweet-shirt interagissent avec ce tronc-tunnel et le mouvement est permanent, ils courent, se touchent, s’affolent, se cherchent, se croisent, comme si l’immobilité était signe de mort. Le costume évolue et se couvre de sang avant de se dénuder comme on retire des vêtements tâchés. La solidarité est présente, l’un cherche l’autre. Puis le lourd cylindre se positionne en fond de scène et roule du fond à l’avant-scène et de l’avant-scène au fond les danseurs agrippés comme des naufragés apparaissent et disparaissent, cherchant désespérément leur planche de salut. L’idée est forte et magnifiquement réalisée, porteuse de terreur et de lutte pour la vie. On est chez les morts-vivants. Le cylindre enfin est placé de manière à ce que le public n’en voit plus que l’intérieur dans lequel les danseurs sont alignés et comme définitivement piégés. Le premier de cordée donne le ton par son geste, les autres exécutent ce même geste en décalé, et tout se brouille avec accélérations et réverbérations, dans un courage et une énergie folle. Le compositeur, Christian Fennesz, crée un univers sonore qui traduit le chaos et les lumières de Jan Maertens en traduisent le climat.

Thr(o)ugh © Gregory Batardon

Damien Jalet dédie sa pièce, Thr(o)ugh, aux victimes de l’attentat terroriste des terrasses rue de Charonne, à Paris, le 13 novembre 2015, et à Joanna My Altegrim tuée le 22 mars 2015 lors de l’attentat de Bruxelles à la station de métro Maelbeek. Tout près de la rue de Charonne ce jour-là, il a lui-même échappé de très peu à la mort et transcrit dans la pièce le danger et l’angoisse d’une manière forte et métaphorique. Il propose en même temps un voyage dans le passé lointain et obscur du Japon, duquel il s’inspire dans ses deux chorégraphies, mêlant le présent au passé, avec la même inventivité et puissance.

L’idée du cylindre comme référence au tronc d’arbre vient en effet d’un rituel japonais réalisé tous les six ans à Nagano pour célébrer le renouveau : depuis les hauteurs escarpées, les participants au festival Onbashira tirent et chevauchent de gigantesques troncs d’arbres dévalant jusqu’au bas de la montagne pour arriver aux sanctuaires de Suwa-Taisha, les plus anciens du pays, fondés au VIe siècle. Ces troncs sont un symbole liés au shintoïsme de Suwa, pour assurer le soutien des fondations des quatre temples du lieu, et rendre protecteur les quatre piliers à renouveler, ainsi que pour obtenir protection.

Thr(o)ugh © Gregory Batardon

Les deux pièces proposées par le chorégraphe s’inscrivent dans ce même registre du rituel d’Onbashira, la première, Skid, avec sa verticalité, sa pente, montrant les dix-neuf danseurs dans la montagne, la seconde, Thr(o)ugh, reprenant l’idée des troncs d’arbre et le désespoir à travers onze danseurs, tous, dans les deux pièces, magnifiques de précision entre maîtrise et déséquilibre, concentration, chute et gravité. Jim Hodges et Carlos Marques da Cruz signent la réalisation scénographique éblouissante des deux parties, et Jean-Paul Lespagnard les superbes costumes. Les chorégraphies de Damien Jalet témoignent du pouvoir de la danse à se réinventer dans le dialogue avec d’autres disciplines et dans la recherche de sens. Chorégraphe et danseur indépendant il a croisé l’univers de nombreux créateurs. Actuellement artiste associé au Ballet du Grand Théâtre de Genève dirigé par Sidi Larbi Cherkaoui, son parcours s’inscrit entre les grandes collaborations à l’international et des projets plus personnels. Les deux pièces qu’il propose ici sont porteuses d’une grande émotion.

Brigitte Rémer, le 5 mars 2026

Thr(o)ugh © Gregory Batardon

Onbashira Diptych – Skid/Thr(o)ugh, chorégraphie Damien Jalet, interprétation Ballet du Grand Théâtre de Genève – scénographie Jim Hodges, Carlos Marques da Cruz – conseil à la chorégraphie Aimilios Arapoglou – costumes Jean-Paul Lespagnard. Production Grand Théâtre de Genève – coréalisation Théâtre de la Ville/Paris – Chaillot-Théâtre national de la Danse.

Skid a été créé en 2017 pour la GöteborgsOperans Danskompani, avec 19 danseurs – lumières Joakim Brink – musique Christian Fennesz, Marihiko Hara – Thr(o)ugh a été créé en 2016 pour le Hessisches Staatsballet de Darmstadt, avec 11 danseurs – lumières Jan Maertens – musique Christian Fennesz.

Du 28 février au 8 mars 2026, 20h, dimanche 1^er mars à 17h, dimanche 8 mars à 15h, avec entracte, au Théâtre de la Ville-Sarah Bernhardt – 2 Place du Châtelet. 75004. Paris – métro : Châtelet – site : www.theatredelaville-paris.com

Festival Olá Paris !

2^ème édition du Festival de films portugais, au Club de l’Étoile, du 6 au 8 mars 2026 – Wilson Ladeiro et Fernando Ladeiro Marques, directeurs et programmateurs du festival – Beatriz Batarda, marraine du Festival,.

La seconde édition du Festival Olá Paris ! a été lancée jeudi 5 mars 2026, au Consulat Général du Portugal à Paris. Mme Mónica Lisboa, Consule Générale, accueillait les organisateurs, artistes et partenaires, alors que l’on venait d’apprendre la disparition à Lisbonne du grand romancier Antonio Lobo Antunes, l’un des écrivains portugais les plus lus dans le monde. Âgé de 83 ans il avait été plusieurs fois pressenti pour le prix Nobel de Littérature. Une minute de silence a été respectée en son honneur.

Beatriz Batarda, marraine de l’édition 2026 © Keton Thatcher

L’ouverture du Festival s’est déroulée en présence de S.E. monsieur l’Ambassadeur du Portugal en France, Francisco Ribeiro de Menezes qui a rappelé l’importance des liens entre le Portugal historiquement francophone, et la France, au plan culturel et cinématographique, les deux pays s’inspirant l’un l’autre. Il a fait un petit tour historique, de Napoléon aux Cahiers du Cinéma et évoqué les déchirures du Portugal rapportées dans les films, ainsi que le rôle de la diaspora portugaise si bien intégrée en France. La présence du Président du conseil directeur de (l’ICA) Institut de Cinéma et de l’Audiovisuel du Portugal, Luís Chaby Vaz – qui avait tout spécialement effectué le voyage de Lisbonne à Paris comme nouveau partenaire, fut un événement. Il a souligné la qualité et la diversité de la production cinématographique portugaise, parlant des nouvelles directions qu’emprunte la narration dans les films et des jeunes créateurs. La marraine de cette seconde édition, la comédienne Beatriz Batarda, grande figure du cinéma portugais, mais aussi actrice pour le théâtre, a présenté la philosophie du Festival et parlé de son métier, évoquant la famille comme métaphore dans le cinéma portugais et la relation à l’espace méditerranéen, au Portugal comme en France.

Les directeurs et programmateurs du festival Olá Paris ! Wilson Ladeiro et Fernando Ladeiro Marques, ont présenté le programme, entre exigence et curiosité, et montré les bandes-annonces des films qui seront projetés dans les trois jours à venir. Ils ont remercié les réalisateurs et producteurs qui participent à l’édition, les acteurs et actrices, les publics qui auront la curiosité de se rendre au Club de l’Étoile (d’une jauge de 150 places), les partenaires dont la délégation en France de la Fondation Gulbenkian et celle de la Caixa Geral de Depósitos, la librairie portugaise, Radio Aligre et Radio Tsugi, Télérama et Les Inrockuptibles.

Lancement de l’édition 2026 © Arthur Enard *

7 longs métrages dont 5 avant-premières sont à l’affiche, 2 films en sélection à (re)découvrir, 11 courts métrages multi-primés. Des films de cinéma d’animation portugais introduiront chacune des séances, une Masterclass de Regina Pessoa, réalisatrice de films d’animation au style très personnel, mêlant gravure animée et création poétique, est proposée. Des rencontres et conversations entre les artistes et le public permettront la circulation des idées de manière très ouverte et d’échanger autour des sujets sociaux évoqués dans les films. Chaque session sera suivie d’une conversation en public, en présence de l’équipe du film et d’intervenants, artistes et journalistes.

Le Festival Olá Paris ! propose une belle programmation, qui donne l’envie de la découverte ! En attendant l’édition 2027 qui s’ouvrira au niveau européen, rendez-vous pour l’édition 2026 en ses multiples propositions, au Club de l’étoile, dès le vendredi 6 mars 2026.

Brigitte Rémer, le 6 mars 2026

* Au Consulat Général du Portugal à Paris, lancement de la manifestation, avec de gauche à droite : Mónica Lisboa, Consule Générale du Portugal à Paris – Francisco Ribeiro de Menezes, Ambassadeur du Portugal en France – Beatriz Batarda, actrice, Marraine de l’édition 2026 du festival, – Luís Chaby Vaz, Président du conseil directeur de (l’ICA) l’Institut de Cinéma et de l’Audiovisuel du Portugal – Wilson Ladeiro et Fernando Ladeiro Marques, directeurs et programmateurs du festival. © Arthur Enard.

Festival Olá Paris ! Programme – Vendredi 6 mars 2026 : 16h30/19h30, A VIDA LUMINOSA de João Rosas – 20h30/23h10, 18 BURACOS NO PARAÍSO de João Nuno Pinto – Samedi 7 mars 2026 : 10h/12h30, Masterclass de Regina Pessoa Mon processus créatif et projection de ses 4 courts métrages – 13h30 à 16h, O VENTO ASSOBIANDO NAS GRUAS de Jeanne Waltz – 17h/19h30, SONHAR COM LEÕES de Paolo Marinou-Blanco – 20h30/22h50, RAIVA, de Sérgio Tréfaut – Dimanche 8 mars 2026, 14h/17h, ENTRONCAMENTO de Pedro Cabeleira – 18h/20h45, PRAZER, CAMARADAS! de José Filipe Costa – Au Club de l’Étoile, 14 rue Troyon. 75017 – métro : Charles de Gaulle Étoile. Paris – tél. : 01 43 80 40 27 – https://www.instagram.com › festival_ola_paris

Ma Maison est noire

Adaptation des textes de Forough Farrokhzad tirés de l’Œuvre Poétique Complète et de La Nuit Lumineuse, traduits par Jalal Alavinia – adaptation, mise en scène et jeu Mina Kavani – création musicale Erik Truffaz et Murcof – Au Théâtre des Bouffes du Nord.

Mina Kavani taille sa liberté entre deux pays, deux langues, deux cultures, l’Iran qu’elle a quitté il y a une vingtaine d’années, la France où elle était venue vérifier son amour du théâtre, et où elle fut contrainte de rester.

L’idée du théâtre lui a été transmise par son oncle, Ali Rafi’i, auteur, dramaturge et metteur en scène, figure emblématique du théâtre à Téhéran, présent dans la salle le soir de la représentation. Pour lui « tout spectacle est une réponse à un problème social » disait-il dans une interview à Hassan Tâheri traduite du persan par Arefeh Hedjazi. À seize ans, Mina Kavani joue dans un spectacle qu’il écrit et met en scène au Théâtre de la Ville de Téhéran, Il ne neige pas en Egypte, elle se forme à l’École d’Art dramatique de Téhéran, et porte de grands rôles du répertoire, Shakespeare, Sophocle, Duras, Goldoni, etc.

Elle vient ensuite poursuivre sa formation au Conservatoire National Supérieur d’Art dramatique de Paris, dans la classe de Jean-Damien Barbin. Faute de pouvoir rentrer au pays après le tournage du film Red Rose de la réalisatrice iranienne Sepideh Farsi, installée en France – dans lequel elle était un peu trop dénudée, du goût de certains Iraniens – elle trace sa route en France où elle travaille avec différent(e)s metteur(e)s en scène, dont Célie Pauthe. Elle créé son premier texte autobiographique, I’m Deranged, en 2022, dans un monologue qui raconte son enfance à Téhéran et sa vie en exil, l’empreinte de la dictature et de la censure dans son pays.

Mina Kavani s’empare aujourd’hui des textes de Forough Farrokhzad (1934-1967), figure majeure de la poésie moderne persane et l’une des inspiratrices du mouvement de l’émancipation des femmes iraniennes, interdite de publication dans son pays depuis la révolution islamique. Ma Maison est noire reprend le titre d’un film documentaire tourné en 1962 par Forough Farrokhzad – dans une léproserie iranienne où sa voix scande ses poèmes, film remarqué par Chris Marker et qui a obtenu le Grand Prix à Oberhausen. Elle s’empare de ses textes dont elle élabore une dramaturgie (avec Maksym Teteruk), à travers des lettres et des poèmes, des entretiens et des images, qu’elle interprète avec passion. Elle avait présenté à l’Odéon en 2014 un récital des textes de la poétesse, sous la direction de Roland Timsit. Autant dire que le parcours tragique de Forough Farrokhzad – disparue à l’âge de 32 ans dans un accident de voiture – figure révoltée et rebelle, symbole d’émancipation, lui colle à la peau. « Je parle du fond de la nuit, Du fond des ténèbres. Je parle du fond de la nuit. Si tu viens en ma maison, mon doux ami, apporte-moi une lampe Et une fenêtre… » Deux femmes, deux générations, deux artistes, s’assemblent, « elle m’inspire et je me reconnais en elle » dit Mina Kavani.

Le spectacle débute par les mots de Forough Farrokhzad qui s’affichent en langue originale sur un écran tendu en hauteur, mais le texte se brouille avant de disparaitre, phrase après phrase, comme un grésillement ou comme un zoom désaccordé. L’actrice est au loin et dans un clair-obscur, on ne voit que son visage (lumières César Godefroy). La voix est d’outre-tombe : « J’ai consacré, sacrifié, ma vie à l’art… » Puis le rideau s’ouvre et révèle une pièce recouverte d’un papier peint vert avec des photos au mur, conçue comme un praticable qui s’ouvre et se ferme, permettant le dedans et le dehors, dispositif qui tourne sur lui-même, révélant un autre pan de la vie (scénographie Louise Sari). Des dates s’affichent et donnent quelques repères. 7 juillet 1950, elle a seize ans, dans la maison familiale où elle tourne en rond et se rebelle, parlant de fugue. « Suis-je prisonnière ? » Puis l’actrice parle en « je » et dit à haute voix la lettre qu’elle envoie à son amoureux, qui se superpose à « Paris, mon cher Paris, un amour aussi important que le soleil et l’air… » Un rêve déprimé la terrasse : « Tu es parti, ma vie est vide, je suis tombée dans un abîme terrifiant, la solitude ronge mes pensées… Je me sens toujours en danger… » La nervosité monte, elle lutte, entre folie et rébellion.

La musique accompagne l’actrice, sensible, tout au long du spectacle, la trompette d’Eric Truffaz mêlée aux sons électroniques de l’artiste mexicain Munoz. Il neige, l’actrice marche sur un chemin de lumière, vers son destin, quittant le domicile conjugal et laissant son enfant chez la grand-mère. On assiste à son départ à Beyrouth où elle s’unit à la mer avec émotion, puis à Brindisi : « J’avais peur de regarder en arrière. » La souffrance se révèle mais elle choisit l’art plutôt que la vie ordinaire. Le dispositif a tourné, une caméra capte les moindres gestes de l’actrice d’une séquence à l’autre, et la vie de Forough Farrokhzad se superpose à l’Iran d’aujourd’hui avec la figure d’Ahou Daryaei, étudiante iranienne arrêtée en 2024 après s’être dévêtue en public pour protester contre le régime iranien, des images de la contestation et des images de rue, s’affichent. À Rome, quittant son foulard noir elle s’étend sur le sol comme en songe, dans une lumière rouge, « La poésie pour moi est comme une religion » et derrière la souffrance et sa marche vers l’exil, elle déclare l’amour de son pays : « J’aime ma patrie, je déteste le mal que mes compatriotes font… »

Ce parcours prend fin par un retour à la maison où son père l’attend de pied ferme, la claque et la jette dehors lui enjoignant de retourner là d’où elle vient. La liberté était-elle un mirage ? Les murs de la maison sont devenus noirs. « Si seulement j’étais née ailleurs » pense-t-elle. Elle écrit à Ibrahim Golestan, réalisateur et écrivain iranien, marchant avec obsession de cour à jardin, et disant la lettre qu’elle écrit et qui porte son pessimisme et sa fragilité. Elle a remis son long manteau bleu-gris (costumes, Anaïs Romand) et la lumière rappelle Vermeer. Les séquences se mêlent et les temps se superposent.

Dans Ma Maison est noire, Mina Kavani est incandescente et donne de la force aux différentes facettes de la narration et de la poésie, jusqu’à l’imprécation finale en farsi. La colère du personnage est montée tout au long du spectacle et les voiles s’envolent. Le soleil est mort, l’actrice avance vers l’avant-scène, avant de s’effacer dans le noir. Elle dédie son spectacle à tous ceux qui ont donné leur vie pour la liberté.

Brigitte Rémer, le 2 mars 2026

Ma Maison est noire, adaptation des textes de Forough Farrokhzad tirés de « l’Œuvre Poétique Complète » et de « La Nuit Lumineuse » traduits par Jalal Alavinia, aux éditions Lettres Persanes – adaptation, mise en scène et jeu Mina Kavani – création musicale Erik Truffaz et Murcof – arrangements sonores Cinna Peyghamy – voix Firoozeh Raeesdana – scénographie Louise Sari – assistanat à la scénographie Analyvia Lagarde – costumes, Anaïs Romand – lumières César Godefroy – vidéo Pierre Nouvel – dramaturgie Maksym Teteruk – conseil artistique Jean-Damien Barbin – regard extérieur Célie Pauthe – Production Centre International de Créations Théâtrales /Théâtre des Bouffes du Nord – coproduction Le Manège/Scène nationale de Maubeuge – Centre d’art et de culture de Meudon.

Du vendredi 20 février au dimanche 1ermars 2026 Du mardi au samedi à 20h, dimanche 1er mars à 16h, au Théâtre des Bouffes du Nord, 37bis, boulevard de La Chapelle, 75010 Paris, métro : La Chapelle – tél. : 01 46 07 34 50 – site : www.bouffesdunord.com – En tournée : 5 mars 2026 au Cabaret des Curiosités – Le Manège, Scène nationale de Maubeuge – 12 mars 2026 à L’Arc/Scène nationale Le Creusot.

Saison Méditerranée 2026

Conférence de presse sous l’égide du ministre de l’Europe et des Affaires Étrangères, Jean-Noël Barrot, de la ministre de la Culture et de la Communication, de l’Institut Français/Eva Nguyen Binh, présidente. Didier Fusillier, président du Grand-Palais/Réunion des Musées Nationaux où se tenait la rencontre, a accueilli les participants. Nesrine Slaoui, journaliste et écrivaine franco-marocaine, l’a animée.

C’est une riche Saison Méditerranée qui s’annonce et qui se tiendra du 15 mai au 31 octobre 2026. Le président de la République l’avait annoncé à Marseille il y a trois ans. Son objectif est de faire connaître des artistes, des entrepreneurs et des innovateurs, et « de faire émerger des projets communs en Méditerranée. » La Saison Méditerranée 2026 sera mise en œuvre par l’Institut Français. Julie Kretzschmar, metteure en scène et femme d’expérience en termes d’accompagnement de la création contemporaine, particulièrement celle issue des rives sud de la Méditerranée et de ses diasporas, en est la directrice artistique et la commissaire.

Kegham Djeghalian devant son studio photo à Gaza (1)

Plus de deux cents manifestations sont à l’affiche de la Saison Méditerranée 2026 qui seront programmés dans plus de soixante villes de France dont Aigues-Mortes, Aix-en-Provence, Arles, Aurillac, Avignon, Bordeaux, Istres, Lille, Lyon, Marseille, Montpellier, Périgueux, Roubaix, Tourcoing, Paris et en Seine-Saint-Denis, à Aubervilliers, Bobigny, Bondy, Clichy-sous-Bois, La Courneuve, Saint-Ouen, Sevran. La Saison est portée par le réseau diplomatique et culturel via L’Institut Français, en lien avec les opérateurs locaux. De nombreux artistes issus de la région Méditerranée y participeront. Certains évènements seront aussi programmés en Algérie, Égypte et Tunisie, au Liban et au Maroc dans le cadre de la circulation des idées et des horizons partagés, donnant lieu à de nombreux partenariats.

Cinq axes majeurs traversent la Saison : Les utopies spéculatives, sur les initiatives environnementales et les modes de vies – Les identités plurielles, sur les croisements linguistiques – Les spiritualités contemporaines, sur les rituels et les transmissions – L’histoire collective des migrations, sur les histoires mémorielles – La construction des récits, sur la mise en fiction du réel. Le lancement de la Saison se fera le 15 mai à Marseille et s’étendra sur une dizaine de jours sur le thème Arriver, Partir, Revenir. Il se déploiera d’un port à l’autre de la capitale phocéenne, du Pharo au Fort Saint-Jean en passant par la Citadelle et le Château d’If, le Grand Port Maritime ainsi que les Docks. Un parcours d’expositions et d’installations s’inscrira dans la ville – dont Mon plus beau plan fixe du cinéaste franco-algérien Hassen Ferhani, au Château d’If et Les rêves n’ont pas de titre de Zineb Sedira à la Friche La Belle de Mai. Les différentes disciplines artistiques et culturelles seront représentées : musiques actuelles aux scènes des Suds, créations théâtrales dans des lieux emblématiques, cinéma en plein air, récits méditerranéens, Danser ma ville, Livres des deux rives/littérature et édition à l’honneur, etc. La clôture de la Saison aura lieu en octobre au Caire, elle coïncide avec la fin du festival de théâtre D-Caf (Downtown Contemporary Arts Festival) que dirige le metteur en scène Ahmed El Attar. La clôture se fera aussi en France avec L’Histoire du cinéma présentée à la Porte Dorée, à Paris et un week-end des Musiques Maroc et Méditerranée programmé à La Philharmonie de Paris.

Orchestre des Jeunes de la Méditerranée © V. Beaume(2)

Entre mai et octobre 2026, les nombreuses manifestations présentées seront multiformes. Nous en citerons quelques-unes pour exemple comme Arcadia, une œuvre-scénographie vivante réalisée par l’artiste syrien Khaled Alwarea et le collectif UV Lab, aux Subsistances de Lyon ; L’Orchestre des Jeunes de la Méditerranée au Festival d’Aix-en-Provence ; la Route du Doc, Cinéma documentaire tunisien à Lussas en Ardèche avec la participation du critique et enseignant Tahar Chickhaoui ; la XXème édition du Festival Arabesques-Uni’sons à Montpellier avec la création d’Arabesques Music Forum ; Une Saison Raï en Seine Saint-Denis.

Des commandes publiques ont été faites à des artistes, avec le Centre des Monuments Nationaux. Ainsi à la Cité internationale de Villers-Côteret, le metteur en scène palestinien, Bashar Murkus présentera L’Épopée de Bani Hilal et à l’Abbaye de Montmajour, à Arles l’exposition Météore réunira des artistes des rives sud et orientales de la Méditerranée pour questionner ce que l’archéologie met au jour et ce que l’image retient, dans le cadre des Rencontres de la Photographie d’Arles sous le commissariat de Ludovic Delalande. Pour la Saison Méditerranée, l’artiste photographe et vidéaste franco-égyptien, Youssef Nabil, interrogera les représentations de l’Orient à partir des collections du musée d’Orsay sous l’intitulé Liberté, sensualité, rêve et réalité.

Depuis 1985, les Saisons mises en œuvre par l’Institut Français ont fait dialoguer la France avec plus de 100 pays. Julie Kretzschmar, commissaire générale annonce pour la Saison Méditerranée 2026 une programmation qui « déploie une sphère-critique et animée de narrations et d’imaginaires reflétant les espérances et les drames des peuples du pourtour méditerranéen… Elle sera un temps de création généreux et polyphonique, comme un espace de coopération qui accompagne des histoires écrites à plusieurs depuis les sociétés civiles et fasse émerger des questionnements nécessaires. » Rendez-vous le 15 mai 2026, à Marseille !

Brigitte Rémer, le 27 février 2026

Hasna El Becharia – Arabesques 2023 © B. Rémer (4)

Conférence de presse du 12 février 2026 au Grand-Palais – Avec la participation de Didier Fusillier, président du Grand-Palais/RMN – Eva Nhuyen Binh, présidente de l’Institut Français – Julie Kretzschmar, commissaire générale de la Saison Méditerranée et aussi : Kamel Dafri, directeur du Point/Fort d’Aubervilliers et de l’association Villes et Musiques du monde – Mohamed El Khatib, artiste, metteur en scène – Olfa Feji, commissaire d’exposition – Nathalie Garraud, metteure en scène et codirectrice du Théâtre des 13 vents/CDN de Montpellier – Joana Hadjithomas, artiste – Marie Lavandier, présidente du Centre des Monuments historiques.

(1) – Photo Kegham de Gaza : une archive inachevable – Exposition présentée du 16 mai au 12 septembre 2026, au Centre photographique de Marseille – Figure majeure de la photographie à Gaza au milieu du XXè siècle, Kegham Djeghalian Sr (1915-1981) a documenté la ville et ses habitants pendant près de 40 ans. Rescapé du génocide arménien, il a fondé en 1944 le premier studio photographique professionnel de Gaza. Il est ici devant son studio, Photo Kegham, mi-1970. (2) – L’Orchestre des Jeunes de la Méditerranée, jouera dans le cadre du Festival d’Aix‐en‐Provence les 20, 21 et 22 juillet 2026. Il reçoit le soutien de la Région Sud Provence Alpes Côtes d’Azur et de la Fondation Orange. En coopération avec El‐Dahshurya et le Conservatoire du Caire (Égypte) et avec plus de quarante structures culturelles euro‐méditerranéennes. Festival d’Aix 2025 © Vincent Beaume. (3) – Exposition de la plasticienne franco-marocaine Sara Ouhaddou dans les Tours et remparts d’Aigues-Mortes, du 19 juin au 1er novembre 2026. Sara Ouhaddou installe une série de pièces inédites – guirlandes de verre, amulettes, boutis – nées de la rencontre entre son univers artistique et l’histoire du monument, notamment celle des femmes qui y furent emprisonnées. En partenariat avec la Réunion des Musées Nationaux. (4) – Hasna El Becharia au Festival Arabesques 2023, Domaine d’O, Montpellier © Brigitte Rémer.

Aksak

Chorégraphie Héla Fattoumi, Eric Lamoureux – composition et interprétation musicale Xavier Desandre Navarre – avec les danseurs de Viadanse, Centre chorégraphique national de Bourgogne-Franche-Comté à Belfort – Théâtre Claude Lévi-Strauss, musée du Quai Branly.

Aksak clôture la carte blanche proposée par le musée du Quai Branly à Héla Fattoumi et Eric Lamoureux autour de leurs chorégraphies. Pendant deux week-end successifs les espaces du musée ont été ouverts à la dizaine de danseurs du Centre chorégraphique national de Bourgogne-Franche-Comté qu’ils dirigent à Belfort / Viadanse, sur le thème de La Poétique des Ailleurs.

Aksak – qui en turc signifie à contretemps – est une belle et généreuse chorégraphie où se rencontrent des danseurs de différents horizons, pour la plupart originaires du continent africain – dont Burkina Faso, Égypte, Maroc, Tunisie. Le rythme et l’énergie sont au cœur d’une danse ponctuée par les percussions virtuoses de Xavier Desandre Navarre, qui s’amplifient tout au long de la chorégraphie. La lumière suit et passe de la torche du début à une explosion de clarté (création lumières Jimmy Boury). Le sable recouvre le plateau et crisse sous les pas des danseurs, le sol frissonne (scénographe, collaborateur art visuel Stéphane Pauvret), les costumes apportent leurs couleurs qui se répondent l’une l’autre (costumes Gwendoline Bouget).

Les danseurs forment un chœur en déambulation. L’un donne une impulsion à laquelle ils répondent, un autre prend le relais et chacun tour à tour devient leader l’espace d’un instant avant de se fondre dans l’ensemble. Tous sont en mouvement et glissent. Il y a des sauts, des galops, du souffle, des cercles magiques, des offrandes, des soleils. L’esprit est ludique, traditionnel et contemporain, les gestes sont pleins, la rythmique savante, les percussions donnent les impulsions, ça balance…

L’énergie de solos au sol ouvre sur un vocabulaire chorégraphique singulier, chacun dans son imaginaire et inventivité. Le jeu est ardent, samouraï ou burlesque. Un chemin de fer se dessine sur le sable. L’un éclaire l’autre. Puis les danseurs entourent le percussionniste. Tout est syncope et modulation, rupture et fluidité, continuité et rebond. Tout est suspension.

Partage et ouverture, hospitalité et fraternité, diversité et altérité, s’assembler et réunir le Nord et le Sud, mêler les singularités, tels sont les mots-clés et les enjeux du centre chorégraphique de Belfort que pilotent Héla Fattoumi et Eric Lamoureux. Aksak en est une belle variation, les danseurs se passent le témoin – un bâton de couleur circule de main en main, geste symbole de solidarité, des chaînes humaines se forment en écho aux danseurs du monde rencontrés sur leurs territoires : Salia Sanou et Seydou Boro, fondateurs du Centre de développement chorégraphique La Termitière, à Ouagadougou ; Taoufiq Izeddiou, créateur entre autres du festival On Marche, à Marrakech ; Imed Jeamaa, Syhem Belkodja et Marwen Errouine, chorégraphes de Tunisie .

Aksak est comme un bouquet où la cohésion et les résonances naissent de la dramaturgie élaborée par les chorégraphes, où chaque rythme et chaque couleur apportent à l’énergie de l’ensemble, où l’imaginaire partagé construit sa calligraphie.

Brigitte Rémer le 25 février 2026

Interprètes : Sarath Amarasingam, Meriem Bouajaja, Juliette Bouissou, Mohamed Chniti, Chourouk El Mahati, Mohamed Fouad, Mohamed Lamqayssi, Johanna Mandonnet, Angela Vanoni – compositeur, musicien live Xavier Desandre Navarre – création lumières Jimmy Boury – création costumes Gwendoline Bouget – scénographe, collaborateur art visuel Stéphane Pauvret – création lumières Jimmy Pauvret – création costumes Gwendoline Bouget – direction technique Thierry Meyer – régie son Valentin Maugain – régie lumières Manon Bongeot – régie costumes Hélène Oliva – assistante costumes Bérénice Fischer. (Voir aussi les articles Ubiquité-Culture(s) : https://www.xn--ubiquit-cultures-hqb.fr/tout-moun/ et https://www.xn--ubiquit-cultures-hqb.fr/poetique-des-ailleurs/.

Vu Aksak le 15 février 2026 au Théâtre Claude Lévi-Strauss, musée du Quai Branly-Jacques Chirac, 37 quai Branly. 75007. Paris – métro : Alma-Marceau, École Militaire, Bir-Hakeim – tél. : 01 56 61 71 72 – site : www.quaibranly.fr et www.viadanse.com – La Poétique des Ailleurs, carte blanche à Héla Fattoumi et Eric Lamoureux, s’est déroulée les samedi 7 et dimanche 8 février, 2026, les samedi 14 et dimanche 15 février 2026 – au Théâtre Claude Lévi-Strauss et sur le Plateau des Collections du musée du Quai Branly.

Le Suicidé, vaudeville soviétique

Texte Nicolaï Erdman, traduction André Markowicz – mise en scène Jean Bellorini, avec la troupe du Théâtre National Populaire de Villeurbanne – au Théâtre Nanterre-Amandiers.

Jean Bellorini et le Théâtre National Populaire avaient créé la pièce en décembre 2022 à Villeurbanne et l’avait présentée en février 2023 à la MC93 Bobigny. Ubiquité Culture(s) en avait rendu compte et propose ci-dessous lecture de son article, réactualisé. Aujourd’hui, derrière la farce absurde, l’œuvre résonne avec les dérives totalitaires de notre époque. Le spectacle est actuellement en tournée.

Après le grand succès remporté par sa première pièce, Le Mandat, mise en scène à Moscou par Vsevolod Meyerhold en 1925 et jouée dans toute l’Union soviétique – elle ne sera toutefois éditée qu’en 1987 au moment de la perestroïka – Nicolaï Erdman (1900-1970) est arrêté et exilé, contraint à la relégation à partir de 1933, pour avoir écrit un poème caustique envers Staline. Autorisé à revenir à Moscou en 1949, il côtoie l’écrivain Boulgakov, le compositeur Chostakovitch, l’acteur et metteur en scène Iouri Lioubimov, fondateur du Théâtre de la Taganka, et bien d’autres. II écrit de nombreux scénarios y compris pour des films primés à l’étranger mais sa seconde pièce, Le Suicidé, ne sera jamais jouée en URSS de son vivant. Après plusieurs tentatives, Lioubimov ne réussira à la monter qu’en 1990, après différentes tentatives, dont une en 1965 puis en 1982.

En se plongeant dans la première pièce de Nicolaï Erdman qu’il met en scène, Meyerhold avait repéré le talent particulier de l’auteur et écrivait : « Je considère que la ligne fondamentale de la dramaturgie russe Gogol-Soukovo-Kobyline trouve son prolongement brillant dans la pièce de Nicolaï Erdman, Le Mandat, qui ouvre une voie solide et sûre pour la création de la comédie soviétique.[1]» Si Le Mandat traite de l’imposture au pouvoir, Le Suicidé traite, de façon excentrique, de faux-semblants et de l’imposture au suicide, c’est une satire au vitriol du stalinisme et de la société soviétique, écrite en 1928. Le texte sera jugé dangereux.

Nous sommes à la fin des années 1920, dans un immeuble communautaire où Sémione Sémionovitch Podsékalnikov, homme ordinaire et chômeur, est pris d’une grande fringale qu’il essaie d’étancher en se souvenant des restes d’un saucisson de foie entamé à midi. Il réveille Maria Loukianovna, sa femme, qui, épuisée, a du mal à émerger et qui finit par lui apporter les restes du saucisson avec du pain, mais Sémione Sémionovitch décline sa proposition de tartinage et la situation dégénère : « Alors, quoi, je dois crever, d’après toi ? Crever ? C’est ça ? Oui, Maria dis-le moi franchement : qu’est-ce que tu veux avoir ? C’est mon dernier soupir que tu veux avoir ? Eh bien, tu vas l’avoir, sûr. » Entendant du bruit, apparaît la mère de Maria pour demander des comptes, jusqu’au constat que font les deux femmes de la disparition soudaine de Sémione Sémionovitch. Maria Loukianovna est aux abois, imaginant le pire, et en référence à leur conversation, qu’il pourrait se suicider. Elle se tourne vers l’icône et remet son destin dans les mains des mères de Dieu. Puis l’information fait boule de neige et les gens se regroupent, Alexandre Pétrovitch et Margarita Ivanovna d’abord, chacun y allant de son couplet, avant que ne soit ramené sur le devant de la scène le disparu, comme un animal traqué. S’ensuit une série de quiproquos dans une galerie de portraits où s’entremêlent divers personnages, chacun cherchant à tirer profit du geste supposé du futur suicidé. Certaines scènes sont savoureuses comme celle où Sémione Sémionovitch appelle le Kremlin en direct : « Tout se tait quand un colosse parle à un autre colosse. Donnez-moi le Kremlin. N’ayez pas peur, mademoiselle, donnez-moi le Kremlin. Qui est à l’appareil ? Le Kremlin ? Ici Podsékalnikov, Pod-sé-kal-ni-kov. Un individu, un in-di-vi-du. Appelez-moi quelqu’un, je sais pas, le plus haut placé. Vous avez pas ça chez vous ? Bon, alors transmettez-lui de ma part que j’ai lu Marx, et que, Marx, il m’a pas plus. Chut ! Ne coupez pas… » Sémione Sémionovitch se délecte dans le quiproquo et cultive sa peur jusqu’à entrevoir sa gloire posthume.

La farce est féroce et grinçante, comique et grotesque – on est proche de l’esprit de Nicolas Gogol – et le vaudeville ouvre sur une véritable critique sociale. Jean Bellorini avait monté la pièce avec le Berliner Ensemble en 2016 et la remet en scène avec la troupe du Théâtre National Populaire, dans un esprit cabaret. Une quinzaine de comédiens défilent, interprétant des personnages archétypes entre autres un diacre, un écrivain raté, une vieille femme, un boucher, deux serveurs, un chœur tsigane, une couturière. Les musiciens (cuivre, accordéon et percussions) donnent du rythme. Humour et insolence s’affichent au générique des personnages qu’on retient dans les scènes les plus spectaculaires comme celle, musicale, du banquet ou celle du cercueil précédant la réapparition de Sémione Sémionovitch, toujours aussi affamé. La caricature pourtant n’est jamais loin et on peut dire que les idéaux brisés de la Révolution de 1917 – évoqués notamment dans les films d’Eisenstein – ne sont pas loin de la Russie et du totalitarisme de Poutine. Et Sémione Sémionovitch s’exprimant devant sa tombe, garde la tête froide : « Camarades, je veux manger. Mais, plus encore, je veux vivre… N’importe comment, mais vivre. Quand on coupe la tête à un poulet, il continue de courir dans la cour la tête coupée, même comme un poulet, même la tête coupée, mais vivre. Camarades, je ne veux pas mourir : ni pour vous, ni pour eux, ni pour une classe, ni pour l’humanité, ni pour Maria Loukianovna. »« À l’issue du Suicidé, le spectateur doit parler aux étoiles, qui ne le regardent même pas » écrit André Markowicz, qui signe la traduction.

Jean-Pierre Vincent avait monté la pièce en 1984 avec les acteurs de la Comédie Française. Jean Bellorini aujourd’hui, en tant que directeur du Théâtre National Populaire de Villeurbanne est un autre défenseur de l’esprit de troupe, il est aussi un excellent directeur d’acteurs et tous ici excellent dans leurs partitions. Le théâtre russe l’intéresse. Avant Villeurbanne il avait dirigé le Théâtre Gérard Philipe de Saint-Denis et présenté entre autres, en 2017, un très beau Karamazov et en 2019 une tout aussi puissant Onéguine d’après Pouchkine (cf. nos articles des 15 janvier 2017 et 23 avril 2019). Ardent partisan d’un théâtre populaire et poétique, il s’intéresse à toutes les littératures qu’il transpose sur scène dans la générosité d’un esprit de troupe qu’il pose comme une revendication : « Continuer à faire des spectacles, contre vents et marées, avec beaucoup de monde et la sensation d’une grande famille réunie sur scène. » Et il ajoute : « Je crois au langage comme arme. »

Brigitte Rémer, le 22 février 2026

Avec : François Deblock, Mathieu Delmonté, Clément Durand, Anke Engelsmann, Gérôme Ferchaud, Jacques Hadjaje, Damoh Ikheteah, Clara Mayer, Liza Alegria Ndikita, Marc Plas, Antoine Raffalli, Matthieu Tune, Damien Zanoly, avec la participation de Tatiana Frolova. Musiciens : Anthony Caillet (cuivres), Marion Chiron (accordéon), Benoît Prisset (percussions). Collaboration artistique Mélodie-Amy Wallet – scénographie Véronique Chazal et Jean Bellorini – lumière Jean Bellorini assisté de Mathilde Foltier-Gueydan – son Sébastien Trouvé – costumes Macha Makeïeff assistée de Laura Garnier – coiffure et maquillage Cécile Kretschmar – vidéo Marie Anglade – décor et costumes Ateliers du TNP. Le spectacle a été créé le 15 décembre 2022 au Théâtre National Populaire, Villeurbanne – [1] Rapporté dans la préface de Béatrice Picon-Vallin pour la publication de Le Suicidé, éditions Les Solitaires intempestifs, Paris, 2006.

Du 13 au 21 février 2026, mardi à vendredi à 20h, samedi à 18h30, dimanche à 16h, au Théâtre Nanterre-Amandiers, 7 Avenue Pablo Picasso, Nanterre – Ligne/ arrêt Nanterre-Préfecture – à pied par le parc ou la ville (10mn) : Sortie 1 Carillon – En bus : Sortie 3 boulevard de Pesaro (Bus 160 ou 259) – Bus 259 au 61 avenue Salvador Allende – tél. : 01 46 14 70 00 – site : nanterre-amandiers.com – En tournée, les 5 et 6 mars 2026, à Château Rouge, scène conventionnée d’intérêt national art et création, à Annemasse (74).

La Bande originale de nos vies

Conception Eugénie Ravon et Kevin Keiss, mise en scène Eugénie Ravon, écriture et collaboration à la mise en scène Kevin Keiss – Collectif La Taille de mon âme, au Théâtre Romain Rolland de Villejuif.

Les bandes originales, ce sont ces mélodies qui traversent les vies, la musique et les chansons qui se relient à un évènement, la fantaisie et l’émotion qui tissent des moments ardents, la playlist que chacun a dans la tête.

Cinq femmes de générations différentes, musiciennes et chanteuses, convoquent pour nous les séquences de leur vie où quelques figures phares du monde musical – des berceuses de leur grand-mère aux ritournelles qui leur collent à l’oreille et à la peau, des musiques de films aux tubes – traduisent le passage du temps. Certains morceaux représentent une époque, comme All by myself, interprété par Céline Dion, symbole du 14 juillet 1998.

La metteuse en scène Eugénie Ravon et le dramaturge Kevin Keiss travaillent pour la seconde fois en tamdem, inscrivant La Bande originale de nos vies dans la continuation de leur première collaboration, La Mécanique des émotions (cf. Ubiquité-Culture(s) du 13 février 2023). Ils s’intéressent aux souvenirs et réminiscences, dans l’entremêlement des époques et nous invitent au voyage dans les paysages intérieurs des cinq comédiennes, musiciennes et/ou chanteuses – Nacima Bekhtaoui, Nathalie Bigorre, Colombine Jacquemont, Eugénie Ravon, Nanténé Traoré – dont les récits se succèdent, à la recherche des moments musicaux qui les ont habitées.

Nacima Bekhtaoui parle de son arabité avec les nombreuses chansons qui ont traversé son enfance et représentaient pour elle autant d’espaces de liberté, d’une chanson traditionnelle de mariage aux Rita Mitsuko, d’Akhenaton à NTM, Aïcha fut un de ses grands leitmotiv. Colombine Jacquemont respire avec le piano qu’elle apprend au conservatoire et dont elle devient inséparable, il évoque pour elle sa mère et sa grand-mère partie le jour de ses vingt ans. Nathalie Bigorre, chanteuse lyrique et de musique baroque un temps, avant de dériver, est fascinée par La Callas. Nantéré Traoré raconte Nina Simone. Eugénie Ravon découvre les injustices sociales au Mexique à travers le film d’Elia Kazan, Viva Zapata et sa musique quantique.

On voyage avec les stars, d’une interview de Barbara au concert mythique d’Oum Kalthoum à l’Olympia en 1967, avec l’inquiétude de Bruno Coquatrix le directeur des lieux et la silhouette de l’Astre d’Orient derrière un voile en fond de scène, passant chez Catherine Deneuve avec Les Parapluies de Cherbourg images à l’appui à La Chanson d’Hélène par Romy Schneider dans Les Choses de la vie. On glisse des spirituals, à Stevie Wonder ou à Bob Marley, d’Aretha Franklin à Otis Reading, on traverse Véronique Sanson, Jacques Brel et Claude Nougaro…Tout ça a un petit air de pot-pourri qui, à trop vouloir en dire, nous laisse sur notre faim.

On fait le tour de mondes si différents et si rapidement que le manège des séquences, avec ses hauts et ses bas, ne s’imprime guère et qu’on en garde une impression brouillonne face à des séquences parfois malhabiles, parfois trop longues.

La Bande originale de nos vies, une belle idée à partir de ce que les chansons rappellent, des moments d’intensité, mais une réalisation trop approximative où l’envie de faire et de montrer dépasse le sens du plateau, où les styles et les époques se brouillent et où les émotions de l’intime croisent difficilement les évènements du collectif.

Brigitte Rémer, le 20 février 2026

Avec : Nacima Bekhtaoui, Nathalie Bigorre, Colombine Jacquemont, Eugénie Ravon, Nanténé Traoré – scénographie Emmanuel Clolus – création lumière Pascal Noël – création costumes Elisabeth Cerqueira – création sonore et musiques Colombine Jacquemont – production déléguée, Théâtre Romain Rolland de Villejuif.

Du 10 au 14 février 2026 au Théâtre Romain Rolland de Villejuif, 18 rue Eugène Varlin, 94800. Villejuif – tél. : 01 49 58 17 00 – site : www.trr.fr – En tournée : 19 février 2026, EMC, Saint-Michel-sur-Orge – 10 mars 2026, Les Bords de Scènes, Ablon-sur-Seine – 12 mars 2026, Théâtre Jean Vilar, Suresnes – 25 mars 2026, Théâtre Jacques Carat, Cachan – 27 mars 2026, Centre culturel Houdremont, La Courneuve – 12 mai au Beffroi de Montrouge. Du 1^er au 25 avril 2026 (représentations du mercredi au samedi), au Théâtre de la Concorde, 1-3 avenue Gabriel, 75008 – métro : Concorde et Champs-Élysées Clémenceau – site : www.theatredelaconcorde.paris – tél. : 01 71 27 97 17.

Leïla Shahid ليلى شهيد, une femme de culture, une grande Dame

Elle a œuvré toute sa vie à la défense de la cause palestinienne plaidant avec conviction pour la création de deux États. Toute sa vie elle a bataillé pour un monde juste, et pour le respect des droits humains.

Née à Beyrouth, en 1949, un an après la Nakba, la Palestine est son pays. D’une grande famille engagée dans les mouvements nationalistes, sa mère, Sirine Al-Husseini, avait été expulsée au Liban par les Britanniques à l’époque de la Palestine mandataire, c’est là qu’elle avait rencontré son mari, Munib Shahid et père de Leïla, originaire de Saint-Jean-d’Acre, en Palestine.

Leïla Shahid entreprend des études de sociologie et d’anthropologie à l’Université américaine de Beyrouth, puis à l’école pratique des Hautes études, à Paris. Ses thèmes de recherche touchent à la structure sociale des camps de réfugiés palestiniens. Dès l’âge de vingt ans elle milite au Fatah créé par Yasser Arafat. En 1978 elle épouse l’écrivain et critique littéraire marocain Mohamed Berrada, chef de file du roman moderne marocain. Au Maroc, où ils vivent pendant dix ans, ils côtoient de près Jean Genet, poète et auteur dramatique, leur ami.

En septembre 1982, c’est en compagnie de Jean Genet que Leïla Shahid part à Beyrouth et c’est à ce moment précis qu’ont lieu les massacres des camps de réfugiés de Sabra et Chatila situés au sud de la ville, massacres perpétrés par les Phalanges libanaises avec la complicité de l’armée israélienne. Sur place, ils découvrent la tragédie. Genet écrira le texte Quatre heures à Chatila, ainsi que Le Captif amoureux qu’il dédiera aux Palestiniens, Leïla Shahid sera marquée à vie.

Pour la première fois en 1994, par la signature des Accords d’Oslo entre Yasser Arafat, Yitzhak Rabin et Bill Clinton un an plus tôt – premiers jalons pour une résolution du conflit israélo-palestinien – il lui est possible de se rendre dans les Territoires Palestiniens. Leïla Shahid fut une grande diplomate, représentante de l’OLP en Irlande, aux Pays-Bas et au Danemark, avant d’être déléguée générale de la Palestine en France de 1994 à 2005, puis auprès de l’Union Européenne à Bruxelles, jusqu’en 2015. Elle était une combattante pour la Palestine et fut une grande humaniste. Elle est une figure emblématique, hantée par les souffrances du peuple palestinien et, jusqu’à récemment, appelait la communauté internationale à agir pour un cessez-le-feu à Gaza.

Leïla Shahid fut de tous les rendez-vous culturels et artistiques. L’occasion me fut donnée de la croiser dans les nombreux débats auxquels elle participait concernant la Palestine, et le rôle de l’art et de la culture dans les sociétés, avec son bel accent chantant les r, avec sa dynamique et son sourire, avec sa force de conviction. Quelques-uns de ces moments me reviennent.

Printemps Palestinien

Le premier fut au Parc et à la Grande Halle de La Villette, à la veille de l’ouverture de l’édition Les Belles Étrangères – Printemps Palestinien organisée en mai 1997 à l’initiative du ministère de la Culture et du Centre National du Livre. Par l’intermédiaire de Leïla Shahid, la Formation Internationale Culture que je pilotais, créée par Jack Lang, avait organisé une rencontre-interview avec le grand poète Mahmoud Darwich, Elias Sanbar comme fidèle traducteur à ses côtés, également directeur de la Revue d’études palestiniennes menant lui aussi un combat acharné pour la reconnaissance des droits de son peuple *. Mahmoud Darwich avait offert au public présent la lecture de quelques-uns de ses textes, dans une intensité rare dont lui seul avait le secret, au moment de la sortie de son livre La Palestine comme métaphore, récit de son parcours et témoignage sur les multiples facettes de l’identité palestinienne. « Le démantèlement géographique de la Palestine est un assassinat de sa propre beauté » avait-il dit et sur le poème, « Nous devons toujours accéder au poème comme si nous venions au monde pour la première fois, il y a toujours un fonds mythique pour n’importe quelle œuvre poétique. »

Au TQI © Nabil Boutros **

Autre moment marquant, Leïla Shahid invitée du Théâtre des Quartiers d’Ivry-Centre dramatique national du Val-de-Marne, au moment où Adel Hakim, codirecteur avec Élisabeth Chailloux, présentait Des Roses et du jasmin à la Manufacture des Œillets, spectacle qu’il avait écrit et qu’il avait mis en scène avec les acteurs du Théâtre National Palestinien, en janvier 2017. Le scénario traversait l’histoire contemporaine du conflit israélo-palestinien, de 1944 à 1988. Leïla Shahid avait réagi en disant : « Ce spectacle arrache la Palestine à son quotidien et redonne espoir, en dépit de tous les murs et barbelés. » Une table ronde prolongeait le spectacle, Leïla Shahid y parlait de La Culture en Palestine. Elle y avait évoqué le livre de sa mère, Sirine Husseini Shahid, Souvenir de Jérusalem, portrait de sa famille, palestinienne, installée à Jérusalem depuis plusieurs siècles et contrainte en 1936 de prendre la route de l’exil. Puis elle avait proposé un parcours prenant pour repères le théâtre et la littérature, formes de résistance à l’obscurantisme. Pour elle, « le théâtre est au cœur du politique, c’est l’oxygène d’une nation, et le discours poétique est le seul qui s’impose par lui-même. » Puis elle avait donné ses positions dans le conflit israélo-palestinien. Très proche de Mahmoud Darwich et de Jean Genet, elle avait longuement parlé de l’un et de l’autre. Elle avait posé sur la table deux magnifiques bouquets blancs, des roses et du jasmin.

Enfin je me souviens de Leïla Shahid à l’Institut du Monde Arabe, lors d’une journée de réflexion sur Jean Genet et la Palestine, programmée en décembre 2023 avec le concours de l’IMEC/Institut des Mémoires de l’édition contemporaine – directeur littéraire Albert Dichy.

Leïla Shahid et Albert Dichy à l’IMA © Brigitte Rémer

Cette journée s’est inscrite dans le cycle Ce que la Palestine apporte au monde élaboré par l’IMA, pour montrer la vitalité de la création palestinienne et l’effervescence culturelle du pays, dans et hors le territoire. Dans l’exposition proposée, deux valises de manuscrits remises par Jean Genet à son avocat montrait ses archives palestiniennes dont les notes qui ont servi à la publication de Quatre heures à Chatila. Méditant sur le rôle de l’art, Jean Genet écrivait en 1988 : « L’art se justifie s’il invite à la révolte active, ou, à tout le moins, s’il introduit dans l’âme de l’oppresseur le doute et le malaise de sa propre injustice. » L’auteur palestino-américain de L’Orientalisme/L’Orient créé par l’Occident, Edward Saïd, théoricien littéraire né à Jérusalem en 1933 et mort À New-york en 2003, avait écrit : « L’engagement de Genet échappe aux clichés. L’orientalisme est mis en pièces. » Au cours de la journée Leila Shahid a parlé du destin cosmique de Genet et noté l’aspect prémonitoire de ses textes – Quatre heures à Chatila et un Captif amoureux – montrant la stratégie d’annihilation des camps de Sabra et Chatila, comme aujourd’hui de Gaza. « Nous sommes quarante et un jours après le 7 octobre 2023, Genet n’a jamais été autant présent qu’aujourd’hui, pourtant les milieux littéraires avaient été très critiques par rapport à son engagement » avait-elle ajouté.

Leïla Shahid avait encore eu la force de saluer récemment la reconnaissance de l’État de Palestine par la France, comme geste hautement symbolique. Elle s’est éteinte le 18 février 2026 dans un petit hameau du sud de la France où elle s’était installée depuis plus d’une dizaine d’années avec son époux, après sa dernière mission, à Bruxelles. Son idéal de justice et son combat pour la Palestine marquent la permanence de son courage. Merci à vous, Leïla Shahid !

Brigitte Rémer, le 20 février 2026

*Elias Sanbar est aussi Ambassadeur de Palestine, représentant permanent de la Palestine auprès de l’Unesco – **La Culture en Palestine, table ronde, avec de gauche à droite : Mohamed Kacimi, Leïla Shahid, Élisabeth Chailloux, Adel Hakim, au Théâtre des Quartiers d’Ivry – Centre dramatique national du Val-de-Marne © Nabil Boutros.

Voix de Gaza | أصوات غزة

Soirée musicale et poétique avec le groupe Radio Gaza, à l’Institut du Monde Arabe, en partenariat avec le ministère de l’Europe et des Affaires étrangères et l’Institut français de Gaza

Radio Gaza © Giulia Lenzi

Par leurs créations musicales et poétiques, leur créativité et leur solidarité, les artistes originaires de la bande de Gaza accueillis en résidence en France depuis le début de l’offensive israélienne, ont été mis à l’honneur en une soirée exceptionnelle, programmée à l’Institut du Monde Arabe. Envers et contre tout, ils continuent à créer et font entendre leurs voix.

Deux poètes ouvrent la soirée, Mohammad Al Qudwa suivi de Doha al-Kahlout. Poète et karatéka de haut niveau, écrivain et artiste performeur palestinien originaire de la ville de Gaza, Mohammad Al Qudwa malgré son jeune âge, a traversé cinq guerres. Son travail s’ancre dans l’expérience vécue et explore le corps comme un lieu de mémoire. Ses thèmes touchent au déplacement, à l’absence, à l’identité, à la réalité palestinienne contemporaine. Il transforme l’exil en parole et écrit à la mémoire d’amis disparus. Il a participé au programme Sawa Sawa de l’Institut Français de Jérusalem. « Quelque chose a voilé mon soleil. La mer a explosé. » Il fut partie prenante dans la soirée Nour, célébration poétique de la langue arabe présentée au Festival d’Avignon en partenariat avec l’IMA (cf. Ubiquité-Cultures du 28 juillet 2025). Il lit certains de ses poèmes.

Mohammed Hilles © La Lettre du Musicien

Doha al-Kahlout, prend ensuite le relais pour dire certains de ses textes. Poétesse de Gaza et professeure d’arabe, elle a signé un recueil publié aux éditions Dar Tarik, intitulé Asbah/Similarités. « J’empêche encore le verbe de t’écrire au passé. » Elle travaille sur la langue et honore ses ami(e)s gazaouis, évoquant « chaque jour d’un retour où personne ne m’attend. » Elle disait au cours d’une interview : « Je pense que notre objectif, à nous, écrivains palestiniens, est toujours de documenter notre situation, que ce soit en poésie ou sous toute autre forme littéraire. Nous parlons de notre expérience avec le désir qu’elle finisse par être connue partout dans le monde… L’état de siège, la division, l’attente, les points de contrôle, les interdictions… sont autant de termes qui, pour les écrivains palestiniens, forment une langue particulière. »

Entre ces deux interventions poétiques, le violoniste solo Mohammed Hilles – qui a quitté Gaza pour étudier la musique à Paris-Saclay – dialogue avec les mots envolés, son violon pleure. Il est suivi de six musiciens qui marquent le rythme de leurs percussions et guitares, oud et bouzouki, vocal. Le collectif Radio Gaza propose une relecture contemporaine du patrimoine musical palestinien, mêlant rock, hip-hop et sonorités modernes. Plus qu’un groupe, c’est une expérience musicale puissante née de l’entremêlement de talents palestiniens, venant de Gaza. Ensemble, ils réinventent les chansons traditionnelles palestiniennes en leur insufflant une dimension festive et un engagement militant. Leur énergie est contagieuse.

Doha al-Kahlout © Columbia Univ.

Issus pour la plupart du Conservatoire national de musique Eward Saïd, ils ont créé Radio Gaza avec l’aide d’associations dont Al Kamandjâti qui leur ont permis, après de multiples difficultés et attentes, de s’installer en Anjou avec leurs familles. Ils ont obtenu un visa talent dans le cadre du programme européen Pause, créé en 2017 par le Collège de France pour soutenir les scientifiques et les artistes en danger, notamment en raison de guerre ou de persécutions. Mohammed Lomani, guitariste, est le cofondateur de Radio Gaza et il est entouré des musiciens du Watar Band, fondé en 2008, à Gaza : le rappeur Ayman Mghames, alias Abu Joury, Khamis Abu Shaaban (guitare basse), Mohammed al-Habash (oud et chef de choeur), Sameh Abulaila, (batterie et percussions), le chanteur et joueur de bouzouki Moneim Adwan, qui revisitent les mélodies palestiniennes. Ensemble, ils mêlent les sonorités de la musique arabe traditionnelle aux musiques occidentales tels que la pop, le soft rock et les musiques du monde, créant ainsi un univers musical singulier, à la croisée des cultures et des émotions.

Mohammad Al Qudwa © Le Bien Public (Dijon)

Leur répertoire porte les mots d’un peuple qui refuse le silence et mêle des paroles profondes et engagées à la puissance de la musique, sans limite ni frontière. Le oud et le bouzouki dialoguent avec la guitare électrique, les percussions ancestrales avec les rythmes hip-hop. C’est une ode à la résistance, à la vie, à l’amour et à l’espoir.

Le rappeur Abu Joury, qui est aussi un sublime animateur, entraine la salle, qui participe avec beaucoup de plaisir et d’empathie et certain(e)s dansent. « N’arrêtez jamais de parler de Gaza. N’arrêtez jamais de penser à nous. N’arrêtez jamais de nous soutenir. Ce qu’il s’y passe est un génocide et vos voix peuvent peser sur vos gouvernements. Si les Gazaouis se sentent abandonnés, ils préféreront mourir plutôt que de continuer à vivre dans ces conditions » dit-il, en conclusion de cet ardent partage.

Brigitte Rémer, le 15 février 2026

Avec : Doha al-Kahlout et Mohammad Al Qudwa, poètes, conteurs – avec les musiciens de Radio Gaza/Watar Band : Mohammed Hilles, violoniste – Moneim Adwan : voix et bouzouki – Abu Joury : voix, rappeur – Mohammed Alhabbash : oud – Khamis Abushaban : basse – Mohammed Lomani : guitare électrique – Sameh Abulaila : batterie,percussions – Concert produit par l’Association Al Kamandjâti.

Concert produit par l’Association Al Kamandjâti, vendredi 6 février à 19h30, à l’Institut du Monde Arabe, 1, rue des Fossés-Saint-Bernard, Place Mohammed V – 75005 – métro : Jussieu, Cardinal-Lemoine. Tél. : 01 40 51 38 38.

Histoire(s) Décoloniale(s) # Portraits croisés

Mise en scène, chorégraphie et textes Betty Tchomanga – Collaboration artistique et interprétation Emma Tricard, Folly Romain Azaman, Dalila Khatir et Adélaïde Desseauve aka Mulunesh – au Théâtre de la Bastille.

Emma Tricard © Grégoire Perrier

C’est une histoire de transmission qui traverse la grande Histoire autant que l’intime, à travers quatre récits d’expériences. Au point de départ un bref rappel historique nous plonge à vif dans le sujet, avec, en 1510, le premier soulèvement des esclaves à Sao Tomé-et-Principe ; en 1792, à Haïti, le soulèvement des Marrons, ceux qui s’échappent de la propriété des maîtres et tentent de survivre dans des lieux de la nature relativement inaccessibles ; l’abolition de l’esclavage par la Convention, en 1794, et son rétablissement dans les colonies françaises par Napoléon Bonaparte, en 1802.

Quatre actrices se succèdent ensuite au plateau, portraits croisés où chacune, dans sa singularité et son envie de partage, nous fait vivre et réagir sur le thème ô combien sensible de la colonisation/décolonisation, ses béances, ses blessures. La première, Emma Tricard, danseuse et chorégraphe, se présente comme « la cousine blanche de Betty », conceptrice du projet. Chaussée de baskets flashy, combinaison aux imprimés-carte du monde, elle fait parler son corps avec aisance et virtuosité.

Folly Romain Azaman © Grégoire Perrier

Ce même tissu-monde sera le lien entre les parties et circulera parmi les spectateurs tandis que Ouidah, ville côtière du Dahomey de l’époque, aujourd’hui le Bénin, nous est montré comme plaque tournante du commerce des esclaves. Un acteur porteur de la culture locale apparaît, Folly Romain Azaman, il témoigne par la danse. À Ouidah le ciel est rouge, on pratique une multiplicité de langues dont le fon, l’une des langues majoritaires ; la danse funéraire du zinli rythmée par les crotales monte jusqu’à la transe ; les figures du costume sont déclinées ; le danseur nous initie au culte animiste du Vaudou, religion d’ordre cosmique. À Ouidah se trouve le temple des Pythons, le plus sacré des sanctuaires. « Je suis le fils de … » la liste des appartenances est longue de même que la liste des divinités – dieu de la guerre et des forgerons, dieu de la terre et des guérisons, esprit de la connaissance, dieu de l’orage et de la foudre -. « Je suis l’invisible… Je suis un buffle… Je suis un animal… Je suis folie… Je suis un fou… » Un premier roi du Dahomey avait marqué son opposition aux colons français, en 1890. Sur scène et dans le public, il appelle les ancêtres par le chant et la danse.

Dalila Khatir © Grégoire Perrier

Puis apparaît Dalila Khatir en Mamma souriante et pleine d’humour, présence naturellement généreuse qui détend l’atmosphère et invite le public à prendre un verre de thé à la menthe, troisième séquence. Les plateaux circulent dans la salle, on dirait qu’on connaît depuis toujours cette belle figure totémique. Pourtant, couverte d’un voile noir, elle nous amène dans la tragédie, par le rappel de Sétif, en mai 1945 quand vingt-mille, peut-être même trente-mille Algériens furent massacrés par les Européens dans le Constantinois, évènement sur lequel est tombée une chappe de plomb. Petite fille d’un berger des Aurès, Dalila Khatir est née en France et n’a découvert l’Algérie qu’à quinze ans. Elle décrit les couleurs des Aurès et de l’Atlas, doré, ocre, le sable et l’horizon, son choc de découvrir ce pays, le sien, d’une grande beauté. Et elle nous embarque dans la mémoire de la mère spirituelle du Raï, Cheikha Remitti (1923-2006) mère aussi du Raï moderne, imprégnée de chant rural avant de se lancer dans ses apprentissages, chantant très librement l’amour, la femme, la sexualité, l’alcool, le choix de ne pas se marier, la liberté, censurée pour cela après l’Indépendance. Elle se met à chanter la joie de vivre, à danser, le drapeau algérien lui recouvrant la tête. Sa propre grand-mère entre dans le récit, « J’écoute ma grand-mère à l’hôpital psychiatrique d’Aix-en-Provence », elle lui parle de Dalida et de liberté. Celle qui se sent tiraillée des deux côtés de la Méditerranée et qui possède ses deux passeports, égrène les brimades d’une France ingrate quand en 1986 la loi Pasqua rejette certains ressortissants, y compris ceux nés sur son sol. Les drapeaux vont et viennent, d’Algérie et de France.

Mulunesh © Grégoire Perrier

Adélaïde Desseauve aka Mulunesh, une jeune femme pleine d’énergie, baskets de boxeuse aux pieds et justaucorps noir, se raconte. « Je suis Mulunesh, Je suis Adelaïde Desseauve. Je suis née dans le berceau de l’humanité. » Originaire d’Éthiopie dans la fierté d’un pays jamais colonisé, orpheline, elle fut adoptée par une famille française. C’est de ce tiraillement entre ses deux cultures dont elle fait récit, dans un jeu de miroir. Une collerette de l’époque Renaissance autour du cou signe du classicisme, la danse traditionnelle Esqueta sur les rythmes du groupe ethnique amhara, mémoire de son pays, avec ses micro-mouvements ressemblant à des tremblements comme rotation des épaules et mouvements de la poitrine avant-arrière, ou encore balancements de la tête sur musique répétitive. Elle réinvente les pas de la mémoire par cette danse et, comme une reine de Saba, en fait la démonstration. « Je suis l’oubli, le trou de mémoire, face à la lune, au soleil, à la nuit. Je suis une langue, l’amharique. Je suis l’hybride, le bizarre, l’étrange… »

Le final réunit les quatre acteur-actrices dans un final de clair-obscur, autour du tissu monde, livre d’histoire à la main. Car le spectacle pose la question de la transmission de l’Histoire, d’où parle celui qui écrit l’Histoire ? Histoire(s) Décoloniale(s) # Portraits croisés propose un récit salutaire et décalé, à partir des corps et de la danse, dans le silence et dans les mots, dans les rythmes et les vastes territoires mal traités et mal considérés par le colonisateur, récits d’expériences intimes pleins de pudeur et de finesse où les non-dits ont même valeur que ce qui est énoncé, et qui blesse.

Née d’un père camerounais et d’une mère française, Betty Tchomanga s’est formée au Conservatoire de Bordeaux puis au Centre National de Danse Contemporaine d’Angers (CNDC) sous la direction d’Emmanuelle Huynh. Un master 2 en lettres modernes en poche, à partir de 2019 elle se consacre principalement à son travail d’écriture et de recherche en tant que chorégraphe. Depuis la création de son solo, Mascarades, en 2019, elle mène une recherche sur le culte vaudou et ses représentations et s’intéresse aux récits qui relient l’Occident et l’Afrique à travers notamment l’Histoire coloniale. Ses pièces travaillent la notion de transgression au sens de dépassement. Histoire(s) Décoloniale(s) # Portraits croisés fait émerger des moments forts de l’Histoire qui seront à jamais des blessures. Conçu au départ pour les salles de classes comme une succession de solos, Betty Tchomanga a fédéré les récits qu’elle inscrit dans un geste de mise en scène et une théâtralité, des plus pertinents.

Brigitte Rémer, le 12 février 2026

Création lumière Eduardo Abdala – création sonore Stéphane Monteiro – scénographie et accessoires Eduardo Abdala et Betty Tchomanga en collaboration avec Vincent Blouch – construction Émilie Godreuil – costumes Marino Marchand en collaboration avec Betty Tchomanga ainsi que Théodore Agbotonou (costume Folly) et Mariette Niquet-Rioux (masque Mulunesh) – régie générale Stéphane Monteiro – régie lumière (en alternance) Eduardo Abdala et Tatiana Carret – régie son (en alternance) Stéphane Monteiro et Maëlan Carquet – stagiaire assistante à la mise en scène Ariane Chapelet – direction de production et diffusion Marion Cachan – administration Marion Le Guerroué.

Du 2 au 11 février 2026, au Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette. 75011. Paris – tél. : 01 43 57 42 14 – site : theatre-bastille.com

Chiens

Conception et mise en scène Lorraine de Sagazan – composition et adaptation musicale Othman Louati, direction musicale Romain Louveau – au Théâtre des Bouffes du Nord – Déconseillé aux moins de 16 ans.

Lorraine de Sagazan décide de nous parler de l’affaire French Bukkake, du nom d’un site internet détenu par un certain Pascal OP qui diffuse des vidéos pornographiques d’une extrême violence. Portée en justice l’affaire conduit, en octobre 2020, à des mises en examen pour viol, proxénétisme et traite d’êtres humains.

Un système de recrutement de jeunes femmes est mis au point sur les réseaux sociaux – avec une certaine Axelle en guise de rabatteuse – proposant de tourner des vidéos pornographiques contre promesses de rémunération attractive. Sauf que ces femmes se font en réalité violer devant la caméra pour le tournage, et infliger des scènes on ne peut plus dégradantes, dont des scènes de bukkake montrant des dizaines d’hommes éjaculer sur la même femme. C’est ce qui arrivé à Daphné qui subit un premier viol, dit d’abattage avant d’être conduite devant la caméra et de subir l’enfer du tournage.

Comme elle, quarante-deux victimes demandent aujourd’hui réparation aux seize hommes inculpés. La cour de cassation a reconnu en mai dernier que « les nombreux viols que les parties civiles ont subi dans leur chair étaient aggravés par le sexisme et le racisme des propos qui les accompagnaient. » Ce procès du porno est en cours et sera jugé par une Cour d’Assise, contredisant une décision de la chambre de l’instruction de la Cour d’appel de Paris, en février dernier.

Que fait Lorraine de Sagazan de ce matériau choisi ? Elle en livre le texte brut de coffre sur un petit écran suspendu au-dessus de nos têtes, au centre du plateau, sur lequel on peut faire l’impasse car il est le condensé de ce qu’il y a de plus trash dans le langage du commerce sexuel. On peut se contenter de la fabrique à images qu’elle propose, en contrepoint, une beauté aux antipodes du reste, baigné par deux cantates de Bach adaptées par Othman Louati, et qu’interprète magnifiquement sous la direction de Romain Louveau, l’ensemble Miroirs Étendus, situé à l’arrière, côté jardin et dont les musiciens se mêlent aussi aux acteurs.

Le sol est comme un terrain bourbeux et la scénographie place en arrière-plan ce qui pourrait être comme une montagne de détritus. Le spectacle s’ouvre sur un personnage cagoulé, à la voix déformée, métallique, tour à tour recruteur ou victime, ce qui donne une distance intéressante d’avec le sujet. Mais ensuite on tourne en rond et on s’ennuie ferme, pris en étau entre le texte à oublier et les images qui racontent une tout autre histoire. On pourrait d’ailleurs prendre ces belles images, qui tournent à vide et y coller un autre texte, s’épargnant la littérature que pas même un journaliste n’oserait nous servir. On est dans le simulacre et l’esthétisant, avec procession de jeunes vierges partant à l’abattage et mâles à tête de chien tenus en laisse et qui finissent à quatre pattes, plutôt loups que gentils toutous. On est sur un terrain de guerre, mitraillette à la main, plutôt que sur un terrain de chasse.

La conclusion est tout aussi confuse, quand Lorraine de Sagazan elle-même vient s’asseoir à l’avant-scène pour énoncer quelques mots qui pourraient être assimilés à une justification. Chiens est le dernier volet annoncé d’un parcours dont le premier opus, La vie invisible mettait en jeu un homme aveugle et jouait sur la perception et la mémoire. Le second, Un sacre, traitait du tabou de la mort. Le troisième, Leviathan, abordait le fonctionnement du système judiciaire et interrogeait certaines procédures. Celui-ci est d’une certaine prétention dans la culpabilité qu’elle nous renvoie, alors qu’un procès est en cours et que les journalistes juridiques font leur travail, couvrant l’horreur de la domination, qu’ils dénoncent.

Alors pourquoi vouloir faire théâtre de cette fange, irreprésentable et irreprésentée ? La démarche est plus que discutable dans cette esthétisation de la violence machiste proposée, habile détournement sophistiqué pour un sujet usurpé, et vide sidéral d’une représentation qui s’étire, dans la gratuité de la violence.

Brigitte Rémer, le 13 février 2026

Avec : Adèle Carlier, Vladislav Galard, Léo-Antonin Lutinier, Michiko Takahashi, Joël Terrin et Manon Xardel – et l’Ensemble Miroirs Étendus : Guy-Loup Boisneau, Solène Chevalier, Annelise Clément, Akiko Godefroy, Romain Louveau, Noé Nillni et Marie Salvat. Dramaturgie Julien Vella – scénographie Anouk Maugein – costumes Anna Carraud – lumières Claire Gondrexon – chorégraphie Anna Chirescu – vidéo Jérémie Bernaert – prosodie des cantates Lorraine de Sagazan – texte du spectacle Écriture collective – assistanat mise en scène Mathilde Waeber – assistanat à la scénographie Sevgi Macide Canik – assistanat costumes Marnie Langlois. Développement textiles, teintures, couleurs de la scénographie Max Denis, Anouk Maugein, Cloé Sonnet, construction du décor Ateliers de la MC93 – Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis – réalisation costumes Anna Carraud, Marnie Langlois, Alan Morelli et Tom Savonet – stagiaire atelier costumes Zoé Delhomenie – réalisation des impressions 3D Marc-Antoine Augustin – régie générale Vassili Bertrand – régie plateau Sandy Tissot – régie son Anaïs Georgel, Etienne Graindorge

Du 29 janvier au 15 février 2026 au Théâtre des Bouffes du Nord, 37 bis Bd de la Chapelle. 75010. Paris – métro La Chapelle – tél. : 01 46 07 34 50 – site : www.bouffesdunord.com

La Lettre

Mise en scène Milo Rau – texte Milo Rau et l’équipe – avec Arne De Tremerie et Olga Mouak, et les voix de Anne Alvaro, Isabelle Huppert, Jocelyne Monier, Marijke Pinoy – dramaturgie Giacomo Bisordi – au Théâtre Silvia Monfort.

Une scénographie simple et ouverte sur la vie. Sur scène un bureau, deux chaises, des plantes, et trois drapeaux, dans un coin un petit lecteur de K7 audio. Un acteur et une actrice (Arne de Tremerie et Olga Mouak) – déjà sur scène quand le public entre – racontent des bribes de leur histoire. À mains nues et avec intensité, Milo Rau la théâtralise dans la reconstruction de la mémoire, en même temps qu’il questionne le théâtre.

Arne, reste obsédé par le souvenir de sa grand-mère, présentatrice à la radio flamande, qu’il fait revivre sur scène. La représentation s’ouvre sur la lecture d’une lettre de son arrière-grand-mère à sa fille, la grand-mère du comédien, la lecture de cette même lettre fermera le spectacle. Arne entrait juste à l’école de théâtre et travaillait La Mouette quand cette grand-mère bien aimée a rejoint les étoiles. Il est resté en état de sidération avec le personnage de Konstantin Gavrilovitch Treplev, artiste incompris par sa mère, une célèbre actrice dans la pièce de Tchekhov, ami non reconnu par Nina, celle qu’il aime et qui le trahit. Il tient à mettre la pièce en scène, mémoire de sa grand-mère et de ses débuts émouvants, au théâtre.

Mi-camerounaise mi-réunionnaise, élevée à Orléans, Olga, est fascinée par la figure de Jeanne d’Arc – qui sauva sa ville d’Orléans convoitée par les Anglais et qui, accusée d’hérésie mourut brûlée vive sur la place du Marché, à Rouen. Cette figure se superpose à l’image de sa grand-mère souffrant de schizophrénie, morte brûlée vive au Cameroun dans un accident domestique et qui, elle aussi, entendait des voix.

Milo Rau a tissé des correspondances entre les deux histoires et les deux mythes, même s’ils sont de nature différente, entre le théâtre et la vie, comme il le fait, simplement mais brillamment, dans ses différents spectacles : ainsi dans The interrogation, avec Édouard Louis et Arne de Tremerie (cf. Ubiquité-Cultures du 4 juin 2022), et dans Everywoman avec Ursina Lardi (cf. Ubiquité-Cultures du 6 novembre 2022) ou encore dans Grief and Beauty, et dans Familie, où il parle de la mort (cf. nos articles des 28 janvier et 10 mars 2023).

Pourtant, malgré ce dialogue avec les morts, les acteurs restent bien ancrés dans le présent et la réalité. Ils questionnent ici le public et le mêlent chacun à son histoire, entrainant dans leur jeu trois spectateurs dont l’un/l’une devient grand témoin, par sa présence sur scène. Ce rapport au public se fait avec naturel, bienveillance et fantaisie, et se frotte à la biographie des acteurs et à leurs visions.

Puis on entre dans la lecture des didascalies de La Mouette, sur fond des quelques notes d’Arvo Pärt, dans la critique du théâtre dit bourgeois version Brecht, pancartes à l’appui, portées par le spectateur présent sur scène, annonçant les chapitres et notant les commentaires, comme dans les films muets. Olga évoque Le Procès de Jeanne d’Arc, film de Robert Bresson tourné en 1962, quelques images projetées sur scène. Là-bas, au Cameroun, sa grand-mère s’est enflammée sur les voix qu’elle entendait, voix enregistrées d’Isabelle Huppert, Anne Alvaro, Jocelyne Monier et Marijke Pinoy. Konstantin tente de se supprimer en se tirant une balle qui le blesse à la tête, sa mère continue à l’éreinter, refusant même de refaire son pansement, et se moque : « Il a raté sa tête comme il a raté sa pièce… » dit-elle avec fiel.

Olga parle de son père, professeur, d’obédience socialiste et engagé au conseil municipal d’Orléans, du déni de sa mère qu’elle interroge par téléphone. Arne remet le Ne me quitte pas de Jacques Brel qui ne nous lâche pas. « On chantait avec ma grand-mère » dit-il, elle est morte dans un accident, au fond d’un lac, la chanson de Brel tournait encore. « Pendant dix ans je ne suis plus monté sur scène… Le théâtre est un moment violent… » poursuit-il. Après le drapeau bleu, le blanc s’agite, entre Brel et la mort de Jeanne d’Arc en 1431, à dix-neuf ans. « Un millier d’oiseaux blancs s’étaient envolés et une croix s’était dessinée dans le ciel » précise Olga.

Et si le temps efface la mémoire, comme le rappelle le texte, Arne lit la lettre que la mère de sa grand-mère lui avait envoyée, dans une transmission traversant les générations. « Vis ta vie. Je ne t’oublierai pas, ne m’oublie pas. Je t’embrasse pour toujours. Ta maman. » Le spectacle se ferme sur cette lettre d’amour qui ouvrait la représentation.

Créée pour le Festival d’Avignon 2025 et présentée en itinérance sur les territoires du Vaucluse, Milo Rau pose, avec La Lettre, la question du sens du théâtre. Il construit le langage scénique à partir du réel énoncé par les acteurs et qui devient matériau pour le texte, et spectacle. Les acteurs habitent leur histoire et traversent le temps à la recherche des âmes mortes qui les hantent et rendent hommage aux générations qui les ont précédés. C’est plein d’humanité et porté avec finesse, Milo Rau en donne toutes les nuances.

Brigitte Rémer, le 10 février 2026

Scénographie, son, lumière, costumes et accessoires, Milo Rau et Giacomo Bisordi – Assistanat à la mise en scène, Giacomo Bisordi et Edward Fortes – production Festival d’Avignon.

Du 28 au 31 janvier 2026, Théâtre Silvia Monfort, 106 rue Brancion. 75015. Paris – tél. : 01 56 08 33 88 – site : theatresilviamonfort.eu – En tournée : du 20 au 22 mars 2026, Théâtre de la Manufacture, Centre dramatique national Nancy-Lorraine – du 20 au 30 mai 2026, Théâtre Public de Montreuil, Centre dramatique national.

Édouard III

Texte William Shakespeare, traduction Jean-Michel Déprats et Jean-Pierre Vincent – Mise en scène Cédric Gourmelon, Comédie de Béthune/CDN Hauts-de-France – au Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes.

Étrangement, c’est une pièce de Shakespeare oubliée, inédite, écrite vers 1593, que présente Cédric Gourmelon, première mise en scène pour ce texte qui ne revient peut-être pas intégralement à son auteur. Elle dessine l’histoire d’Édouard III, roi d’Angleterre, mêlant l’amour et la guerre. Christopher Marlowe avait écrit Édouard II, inscrite dans le registre des libraires la même année, en 1593. La Comédie de Béthune fait troupe, les acteurs alignés en fond de scène, costumes de ville au départ, la racontent avec simplicité et dans son style tragicomique, à l’adresse du public. On la suit comme un livre d’images, entre l’épique, l’intime et l’ironique.

Édouard III (1312-1377), fils d’Isabelle de France et d’Édouard II Plantagenêt, aurait dû être couronné roi de France selon les lois successorales habituelles, mais à la mort du roi Charles IV, dernier des fils de Philippe Le Bel, la lignée des Capétiens n’a pas de descendant masculin. Seulement une fille, Isabelle. Mais la loi interdit le pouvoir aux femmes, elle ne peut être reine. C’est donc le cousin du dernier Roi, Philippe VI, qui est couronné et ouvre sur la dynastie des Valois. Quand Édouard III, devenu Roi d’Angleterre à 14 ans après l’assassinat de son père, l’apprend, il demande qu’on lui restitue le pouvoir. Dans un face à face sanglant, les Plantagenêts et les Valois s’affrontent, ce sera le début de la Guerre de Cent Ans.

La pièce retrace la vie d’Édouard III à partir de son adolescence (rôle tenu par l’excellent Vincent Guédon) et s’appuie sur des événements historiques marquants de son règne, dont les premières grandes batailles de la Guerre de Cent Ans. Les acteurs quittent leurs vêtements de ville et se changent à vue, apportant au fur et à mesure des éléments qui connotent l’époque (costumes Sabine Siegwalt). On débute par la romance amoureuse du roi d’Angleterre avec la Comtesse de Salisbury (Fanny Kervarec) qui apparaît en haut d’un mur en bois mobile, sorte de palissade qui fait fonction de mur d’enceinte et de tour (scénographie Mathieu Lorry-Dupuy, lumières Marie-Christine Soma). Il en tombe fou amoureux et se déclare par une lettre doucereuse qu’il fait écrire à son chambellan et qu’il confirme, lors d’un rendez-vous avec elle. Il essaie même de soudoyer le père de la jeune femme qui fléchit ou fait semblant, elle, ne fléchit pas. La scène est assez cocasse quand elle l’éconduit, parlant de son époux parti combattre pour l’Angleterre et qu’elle entend lui rester fidèle. Fou de rage et rouge de colère, Édouard III se comporte comme un gamin capricieux, le metteur en scène appuie sur le côté ridicule de ses trépignements et fantasmes, et sur ses songes.

Suit la bataille de Crécy relatée par Shakespeare, où Édouard III venu sur les terres de France fait face à Philippe VI de Valois, arrogant et sûr de lui (Vladislav Botnaru), il le somme d’abdiquer. La palissade s’est ouverte, on a vue sur le champ de bataille, dans un bel espace dégagé sur lequel les troupes entrent en silence. Les ennemis s’affrontent et le combat conclut à la victoire écrasante de l’armée anglaise, pourtant en infériorité numérique. Allié d’Edouard III, le roi de Bohême, Jean Ier, aveugle, est tué au cours de la bataille (Guillaume Cantillon).

Edouard III prépare un nouveau débarquement pour sa guerre de conquête, réunit mille deux cents navires et quatorze mille hommes, s’empare de la Normandie où les Français sont terrorisés. Sur son chemin, il croise un groupe de vagabonds et leur apporte de l’aide. Le Prince Édouard dit le Prince Noir, (Zachary Bairi) fils d’Édouard III et de Philippa de Hainaut (Manon Guilly) qui saura prendre sa place en l’absence du roi parti au combat, est fait récemment chevalier et placé à la tête d’un bataillon où il sera un maillon essentiel de la bataille de Poitiers. Plus tard il rapporte la liste des tués. « Vivre ou mourir me sera indifférent » ajoute-t-il. Une suite de messagers livre aussi le bilan des batailles. Bilan pour la bataille de Poitiers où le roi de France Jean le Bon est fait prisonnier par le fils d’Édouard III. Bilan pour le siège de Calais où apparaitront les bourgeois de la ville, enchaînés et où le roi d’Angleterre obtient la pleine souveraineté. Le va-et-vient des récits construit la dramaturgie des premières batailles de la Guerre de Cent Ans et l’on suit les géographies des troupes et les victoires anglaises qui discréditent la chevalerie française. La fin surprend, avec l’annonce de la mort du Prince Noir, fils du roi d’Angleterre, par Salisbury soi-même, époux de l’amoureuse d’Edouard III, au début de la pièce, puis, coup de théâtre, avec son retour, accompagné du roi Jean de France et de son fils, tous deux captifs. On est en plein cafouillis dans une séquence pleine d’absurde et de comique.

Cédric Gourmelon construit le spectacle autour des combats, des chevauchés et des récits qui nous sont rapportés avec une belle énergie, sans emphase ni didactisme. C’est très bien réalisé, on est sur le champ de bataille, avec les soldats, quand sonne la trompe de la retraite et la mise en scène apporte une certaine finesse en même temps que le plaisir du jeu. La troupe est parfaitement guidée, chacun assurant plusieurs rôles, le décor bien planté, entre bannières et armoiries qui aident à se repérer, et avec les éléments de costumes qui apparaissent et nous guident quand de besoin.

Formé à l’école du Théâtre National de Bretagne comme comédien, Cédric Gourmelon s’est rapidement aiguillé vers la mise en scène. Il adapte les textes contemporains et se passionne pour l’œuvre de Jean Genet dont il a monté plusieurs pièces tout autant qu’il s’intéresse aux textes classiques. Il a mis en scène Édouard II de Marlowe, en 2008, on pourrait dire qu’il assure aujourd’hui la continuité de l’histoire.

Brigitte Rémer, le 7 février 2026

Avec : Zakary Bairi, Laurent Barbot, Jessim Belfar, Marc Bertin, Vladislav Botnaru, Guillaume Cantillon, Victor Hugo Dos Santos Pereira, Vincent Guédon, Manon Guilluy, Fanny Kervarec. Assistanat à la mise en scène Louis Berthélémy – scénographie Mathieu Lorry-Dupuy – son Julien Lamorille – lumières Marie-Christine Soma – costumes Sabine Siegwalt – travail sur le corps Isabelle Kürzi – coach vocal François Gardeil – collaboration à la dramaturgie Lucas Samain – construction décors Les Ateliers du Théâtre du Nord. La pièce a été créée en octobre 2025 à la Comédie de Béthune – CDN Hauts-de-France

Du 22 janvier au 22 février 2026, du mardi au samedi à 20h, dimanche à 16h (durée 3h10), au Théâtre de la Tempête, Cartoucherie de Vincennes, Route du Champ de Manœuvre. 75012. Métro : Château de Vincennes, puis bus ou navette – site : www.la-tempete.fr – tél. : 01 43 28 36 36.

Barocco

Mise en scène, scénographie et costumes de Kirill Serebrennikov – composition, arrangements et direction musicale Daniil Orlov – chorégraphie Ivan Estegneev et Evgeny Kulagin – création vidéo Ilya Shagalov – en russe, allemand et anglais, surtitré en français – au Théâtre Nanterre-Amandiers.

Il pleut sur la ville, les nuages sont bas et tout est sombre, l’écran posé à l’arrière-scène – qui livre au fil du spectacle son écriture vidéo, nécessaire et complémentaire à l’action en cours – le confirme. Les gens s’abritent sous des parapluies, par grappes de deux ou trois. On entre dans le spectacle par cette obscurité, on en ressort par le feu dans toutes les acceptions du mot, son mystère, son agressivité et la trame du parcours dramaturgique. Fire aurait pu être le titre du spectacle.

Le metteur en scène russe Kirill Serebrennikov a travaillé sur Barocco en 2018 alors qu’il était assigné à résidence à Moscou. Son spectacle est un puissant manifeste pour la liberté, et comme un concerto visuel et musical où il entrechoque les parcours et lignes de crêtes, mêle théâtre, danse, musique baroque et vidéo. « La musique trompera vos tourments ! » dit un personnage. Son art majeur est de rassembler d’immenses talents – acteurs, danseurs, chanteurs et musiciens – pour donner sa vision des situations complexes, à travers le temps et le monde.

Un ouvrier chausse ses crampons et les plante dans le tronc qui supporte un réverbère défectueux clignotant dans la ville, pour le réparer. Il s’électrocute dans le silence général, première image, saisissante. Suivent une série de tableaux : une voiture qui s’avance dans un lieu improbable de rencontres nocturnes où s’échangent les corps et l’argent « ô ma vie mon trésor… » Un père qui tente en vain d’appeler son fils, jusqu’à le trouver et l’envahir de reproches, entre ironie et désespoir, « Mets ton réveil ! » lui lance-t-il ; une femme qui se métamorphose, revêtant son manteau de fourrure pour devenir la voix de la raison, respectable, prodiguant conseils et bonne parole qui se perdent dans le vide. Elle est un fil conducteur du spectacle (superbe Victoria Trauttmansdorff) marquant de sa présence anachronique un réel contrepoint aux désastres ambiants, tout comme l’est Felix Knopp, narrateur et autre fil conducteur.

Des images de manifestations s’affichent sur écran dont mai 68 et ses slogans bien connus fusant dans les porte-voix : « il est interdit d’interdire » ou « le chef a besoin de toi, toi, pas de lui… » ou encore : « Soyez réalistes, demandez l’impossible. » Sont rappelés à nos mémoires les militants pacifistes qui résistent – de la protestation au sacrifice – s’aspergent de kérosène et s’immolent par le feu, dans différents pays : c’est en 1963 à Saïgon, le bonze vietnamien Thich Quang Duc qui s’immole contre la répression anti-bouddhiste, une photographie de Malcolm Brown a fait le tour du monde et en témoigne ; c’est en janvier 1969, Jan Palach, qui, à vingt ans, s’immole à Prague pour contester contre l’occupation des troupes russes, mettant fin au Printemps de Prague engagé par Alexander Dubček, et la lecture de la lettre qu’il envoie à sa mère, et au monde ; c’est en 1982, Semta Ertan, poétesse iranienne immolée à son tour pour dénoncer la xénophobie en Allemagne, où sa famille est réfugiée ; c’est aussi Hartmut Gründler, professeur de quarante-sept ans et défenseur de l’environnement, qui s’immole en 1977 à Hamburg, pour dénoncer le nucléaire ; il y a aussi Irina Slavina, journaliste russe qui s’immole par le feu devant la Préfecture de police de Nijni Novgorod en 2020, après une perquisition dans une enquête visant les opposants à Vladimir Poutine, dont elle fait partie. Son message, posté sur Face book est sans ambiguïté : « Je vous demande de rendre la fédération de Russie responsable de ma mort. » C’est encore de nombreuses autres personnes qui crient : « Libérez-vous des dictateurs ! »

« Les hommes ne servent à rien » entend-on de manière pessimiste, et on pourrait ajouter avec provocation, face aux politiques, l’image-symbole étant les sacs poubelles que chacun porte. Dans une ironie où la théâtralité prend le dessus, on assiste à l’uniformisation et à l’effacement des identités, avec la permutation des rôles par l’échange des perruques ; et par cette ressemblance de tous, portant les mêmes blousons de cuir, mêmes cheveux, même lunettes noires. Le texte défile sur écran. Tout se brouille, l’ici et l’ailleurs et « le monde ravage le monde. » Avec une séquence dansée par un solo de Polina Sonis, superbe, dans une robe blanche et enfermée dans une pièce, un sac poubelle volant, pour partenaire, le mélodica l’accompagnant.

Les morceaux musicaux issus du baroque permettent, à certains instants, de reprendre souffle et de confirmer ce que dit un des personnages : « Parfois, il y a tant de beauté dans le monde… » Les séquences qui se succèdent sont aussi guidées par la musique, essentiellement baroque, avec le talentueux chef de l’ensemble, Daniil Orlov, piano et clavier, accompagné d’Andreas Dopp, guitare – Arnd Geise, basse électrique – Hauke Rüter, trompette, bugle et mélodica – Niclas Rotermund, batterie, et par les voix, superbes, des acteurs-chanteurs. Pour reprendre souffle aussi et d’une toute autre manière, la séquence de deux bouffons, comme dans les lazzis de la Commedia dell’Arte, qui apporte son burlesque jusque dans la salle, fraise plissée version XVIème siècle autour du cou et bonnet de perles, tours de magie sur rythmes rock et percussions avec simulations de cartes à jouer et épée avalée (Nikita Kukushkin et Tilo Werner). Autre séquence de l’ordre du cabaret, les deux squelettes qui entrent en scène portés et animés par deux manipulateurs, rappelant l’humour de la culture mexicaine devant la mort.

La danse apporte le feu par les interventions chorégraphiques pleines d’énergie qui ponctuent le spectacle (chorégraphie Ivan Estegneev et Evgeny Kulagi) et se déploient en différentes configurations. Ici, les danseurs sont porteurs de feuilles qu’ils enflamment comme des torches avant de se dévêtir et d’inscrire, chacun sur sa peau et sur le corps : FIRE ! AGIR ! « Je suis devenu le feu ! » Des témoignages sont repris qui nous laissent sous le coup de l’émotion comme cet homme, serrurier de profession, qui fonce sur une voiture de soldats au Moyen-Orient et qui ne quitte pas son véhicule enflammé, alors qu’il en aurait eu le temps ; celui qui ne revient pas de la guerre, celui qui en revient devenu sourd sous les bombes, brûlé, détruit, la dépression pour avenir. Un chant comme une ode à la mort s’élève du plateau, dans une sorte de procession.

Un jeune brésilien se trouvant à Berlin (Beluma) raconte à sa mère sa vie de chanteur de rue avec d’autres émigrés, des exilés comme ceux qui viennent d’Ukraine, de Biélorussie et de Russie. « Tu ne m’écoutes pas » lui reproche sa mère. Il chante, la saudade l’envahit. Ironie de la victoire, un bâton sur lequel on lit les mots sarcastiques de Joie, Bonheur, Prospérité passe sur scène de mains en mains, l’actrice-chanteuse, Yang Ge, magnifique soprano d’origine chinoise, monte sur une poutre transversale comme une victoire de Samothrace. On loue le soleil levant. Tout devient kitsch et couleurs de la dérision. Reviennent les jeunes (un groupe d’apprentis comédiens), comme à d’autres moments, dans leurs apparitions chorégraphiées.

La suite du spectacle nous conduit jusqu’au grand réalisateur soviétique, Andreï Tarkovski, qui utilise dans tous ses films le feu et qui, dans ce qui sera son dernier, Le Sacrifice – tourné en 1986 sur l’île de Fårö à l’invitation d’Ingmar Bergman – met le feu à sa maison. Sur scène, le narrateur filmé en direct, met le feu à la maquette de la maison posée au centre du plateau. Sur l’écran, un paysage de nostalgie avec un arbre mort, sur scène ce même arbre planté. « À ceux qui ne sentent pas la terre brûler sous leurs pieds, il n’y a rien à conseiller » dit le texte.

Le spectacle se ferme sur le constat d’un monde où « tout s’écroule » où guerre et mensonge sont au zénith, où les peurs se multiplient. Le chef de l’ensemble musical, (Daniil Orlov) menotté et relié au policier par la main droite, est emmené. Sur sa route, côté jardin, il passe devant un piano à queue et tire le policier jusqu’au clavier. Il se met à jouer une pièce de Bach, divinement, de la main gauche, pendant de longues minutes, superbe séquence. À côté de lui, la maison brûle encore, il claque le couvercle du piano et continue sa route.

Sur un petit écran noir et blanc est donnée l’actualité politique, avant que le journaliste ne s’efface sous les feux de la censure. Des dessins de type BD commentent les événements sur le grand écran. Revient sur scène le groupe des jeunes acteurs en manteaux noirs, les praticables mobiles sont en mouvement, le feu embrase l’écran du rouge à l’orangé sur un solo de trompette (Hauke Rüter). Le soleil se couche et dans le ciel volent on ne sait quoi, des cerfs-volants ou bien des drones. Le chaos est là.

Plusieurs trames de récits s’entrechoquent dans la proposition dramatique de Kirill Serebrennikov et tous les styles se mêlent, du récit journalistique à la narration, des voix du quotidien aux mélodies du baroque, des corps en mouvement aux chorégraphies élaborées, et jusqu’à la tentation du kitsch et des paillettes. Barocco est d’une grande richesse, narrative et scénique, servi par des artistes d’excellence venant de partout, dans un contenu et des références, politiques et artistiques, qui nous percutent. Né à Rostov de père russe et de mère ukrainienne, Kirill Serebrennikov – qui est aussi réalisateur de films – a mis en scène de nombreux spectacles dans les théâtres dramatiques et opéras d’Europe, principalement de Russie, d’Allemagne et de France. Il a présenté au Festival d’Avignon Les Âmes mortes en 2016, Outside en 2019, Le Moine noir en 2022 ainsi que Lohengrin à l’Opéra de Paris, en 2023.*

Dans Barocco, Kirill Serebrennikov décline le mot baroque dans tous les sens du terme, de la musique baroque du XVIIème jusqu’au sens de la légèreté, du fantasque et de l’extravagance. Il est le maître du grand écart et de la complexité exprimée, tirant les fils de ses différents récits avec virtuosité. La scénographie qu’il signe repose sur un jeu de praticables qui donne de l’espace et permet les métamorphoses nécessaires à la disparité des séquences, dans de somptueuses lumières créées par Sergej Kuchar et Daniil Moskovich. Le compositeur et directeur musical Daniil Orlov – qui a récemment fait ses débuts à l’Opéra national de Paris – travaille depuis 2019 en étroite collaboration avec lui. Ensemble, ils ont créé plusieurs opéras dont Parsifal au Staatsoper de Vienne, Le Franc-tireur à l’Opéra national d’Amsterdam, Così fan tutte au Komische Oper Berlin. Les chanteuses et chanteurs ainsi que les musiciens, les danseuses et danseurs, servent magnifiquement le spectacle qui passe du clair-obscur aux paillettes, du noir au rouge-et-or, du no man’s land aux manifestations politiques, et qui suit le fil du feu, de tous les feux et de toutes les résistances.

Le spectacle est dédié à Evgenia Berkovitch, metteuse en scène et Svetlana Petriychouk, dramaturge, artistes russes condamnées à six ans de prison, sans motif si ce n’est celui d’exister et de créer. Et comment ne pas penser à Alexeï Navalny, avocat, militant et homme politique mort en février 2024 non pas du feu mais à petits feux dans des conditions plus que douteuses, dans la colonie pénitentiaire n°3, de Kharp, commune urbaine russe de l’Oural polaire, en Sibérie…

Brigitte Rémer, le 6 février 2026

Avec : Beluma, Odin Lund Biron, Felix Knopp, Aleksandra Kubas-Kruk, Nikita Kukushkin, Svetlana Mamresheva, Daniil Orlov, Victoria Trauttmansdorff, Nadezhda Pavlova,Tilo Werner, Yang Ge. Danseurs : Tillmann Becker, Steven Fast, Larissa Potapov, Polina Sonis, Davide Troiani. Apprentis comédiens : Raphaël Attal, Maud Coumau, Paul-Antoine Fresnais, Ali Latif, Zhu Lin, Charlotte Nebout, Élise Piffeteau, Gaël Porcier, Salomé Rousseaux, Alissa Safina, Axel Wallaert. Chanteurs : Mathis Jeanne, Bach N’Guyen, Yasmina Malgrange, Louise Vanderlynden. Musiciens : Daniil Orlov, piano et clavier – Andreas Dopp, guitare – Arnd Geise, basse électrique – Hauke Rüter, trompette, bugle et mélodica – Niclas Rotermund, batterie. Quintette à cordes : Natalia Alenitsyna, violon 1 – Andrzej Böttcher, violon 2 – Anatol Yarosh, alto – Noelia Balaguer Sanchis, violoncelle – Felix Liebig, contrebasse. Morceaux : Music for a while et Now the night is Chased Away/The Fairy Queen, de Henry Purcell – Bach Fantaisie en A mineur BWV922 – interrotte speranze de Monteverdi, adapté par Andréi Polyakov.

Création lumière Sergej Kuchar, Daniil Moskovich – création sonore Sven Baumelt – dramaturgie Joachim Lux et Anna Shalashova – direction de production artistique Alina Aleshchenko – direction technique Ilya Reyzman, assistante mise en scène Ekaterina Kostiukova – chef machiniste Alexander Reit – responsable des accessoires Julia Chaplygina – Production Thalia Teater, Hamburg , coproduction Internationales Musikfest, Hamburg, coréalisation Kirill & friends – Le spectacle est présenté ici dans sa version actualisée pour le Thalia Theater de Hambourg en 2023, il est conseillé à partir de 14 ans, certaines scènes peuvent heurter la sensibilité du public – * Voir aussi nos articles sur Le Moine noir, (cf. https://www.xn--ubiquit-cultures-hqb.fr/le-moine-noir/), et sur Lohengrin (cf.https://www.xn--ubiquit-cultures-hqb.fr/lohengrin/ ).

Spectacle présenté les Jeudi 5 février et vendredi 6 février 2026, à 20h30, au Théâtre Nanterre-Amandiers, 7 Avenue Pablo Picasso, Nanterre – Ligne/ arrêt Nanterre-Préfecture – à pied par le parc ou la ville (10mn) : Sortie 1 Carillon – En bus : Sortie 3 boulevard de Pesaro (Bus 160 ou 259) – Bus 259 au 61 avenue Salvador Allende – tél. : 01 46 14 70 00 – site : nanterre-amandiers.com

Poétique des Ailleurs

Carte blanche aux chorégraphes Héla Fattoumi et Éric Lamoureux, samedi 7 et dimanche 8 février, samedi 14 et dimanche 15 février 2026 – au Théâtre Claude Lévi-Strauss et sur le Plateau des Collections du musée du Quai Branly.

Dans le cadre de la troisième carte blanche proposée par le musée du Quai Branly à des chorégraphes – après Bintou Dembélé et Fouad Boussouf – deux chorégraphes passionnés des ailleurs et des altérités, Héla Fattoumi et Éric Lamoureux, animeront, par leur danse, le Plateau des Collections du Musée et présenteront leurs spectacles dans l’auditorium.

À la tête de Viadanse, Centre chorégraphique national de Bourgogne-Franche-Comté à Belfort, ils ont toujours travaillé en duo pour tracer leur chemin singulier et affirmer une œuvre écrite à quatre mains. Leur première création Husaïs, avait été repérée et couronnée au Concours international de Bagnolet en 1990, leur trio Après-midi avait reçu, un an plus tard, le Prix Nouveaux Talents Danse de la SACD, leur apportant une reconnaissance internationale. Ils ont dessiné, tout au long de leur parcours, une véritable identité chorégraphique à partir de leur recherche des Ailleurs.

Au gré des rencontres et des compagnonnages qu’ils ont mis en place au fil des ans, avec pour oriflamme la pensée de l’auteur martiniquais Edouard Glissant dans son concept de créolisation qu’il traduit par l’imprévisible du monde, et celui de rhizome dans son essai Poétique de la relation, Héla Fattoumi et Éric Lamoureux travaillent sur les imaginaires et l’altérité. Ils ont constitué une communauté de danseurs dans la diversité géographique venant du Burkina Faso, d’Égypte, de France, du Maroc, de Tunisie, du Sri-Lanka et de Madagascar, métissant les cultures et confrontant les expériences.

Au cours de la Carte blanche qui leur est offerte par le musée du Quai Branly, lors de deux wee-end – les 7 et 8 février, 14 et 15 février – des artistes issu(e)s des cultures caribéennes les accompagnent, notamment Clémence Baubant de la Compagnie Empreintes, originaire de Guadeloupe qui signe avec Parades trois solos féminins, portraits de femmes, qui se croisent et dialoguent ; Léo Lérus de la Compagnie Zimarèl, Gounouj, (grenouille, en créole) qui chorégraphie une ode à la biodiversité en explorant les liens subtils entre danse, émotions et environnement, à partir du site protégé de Gros-Morne et Grande-Anse en Guadeloupe, sur les rythmes des tambours du gwo ka.

Héla Fattoumi et Éric Lamoureux présenteront leur spectacle Tout-Moun (cf. notre article du 11 janvier 2024 – https://www.xn--ubiquit-cultures-hqb.fr/tout-moun/ ) ainsi qu’une création, Les Auras, sur le Plateau des Collections/mezzanine Marc Ladreit de Lacharrière du Musée, avec le magnifique contre-ténor Serge Kakudji, originaire de la République démocratique du Congo ; et leur spectacle Akzak – L’impatience d’une jeunesse reliée, Aksak qui, en turc signifie contretemps et qui met le rythme et l’énergie au cœur de la danse, dans une musique composée par Xavier Desandre Navarre, percussionniste virtuose.

Un voyage par-delà les frontières, porté par la vitalité des danseurs et l’ardeur des chanteurs et musiciens, dans une tension poétique à la croisée de la danse contemporaine et des cultures antillaise, caribéenne et africaine, là où « le poème est toujours à venir… » comme le disait Édouard Glissant. Venez nombreux !

Brigitte Rémer le 4 février 2026

Samedi 7 février, dimanche 8 février 2026 – 15h : Parades,de Clémence Baubant, Compagnie Empreintes (30mn) – Suivi de Gounouj in situ de Léo Lérus (30mn), au Foyer du théâtre Claude Lévi-Strauss – 17h : Tout-Moun, Héla Fattoumi et Éric Lamoureux (1h10), au Théâtre Claude Lévi-Strauss

Samedi 14 février, dimanche 15 février 2026 – 15h : Les Auras, Héla Fattoumi, Éric Lamoureux et Serge Kakudji, danse et chant, création (45mn), Plateau des Collections – Mezzanine Marc Ladreit de Lacharrière – 17h : Aksak, L’impatience d’une jeunesse reliée, Héla Fattoumi et Éric Lamoureux, danse (1h10), Théâtre Claude Lévi-Strauss – et aussi le film documentaire sur le travail de Héla Fattoumi et Éric Lamoureux, Danser sur les frontières, réalisé par Élise Darblay et Antoine Depeyre (52mn) , heure à préciser.

Musée du Quai Branly-Jacques Chirac, 37 quai Branly. 75007. Paris – métro : Alma-Marceau, École Militaire, Bir Hakeim – tél. : 01 56 61 71 72 – site : www.quaibranly.fr

Le Cercle de craie caucasien

Texte Bertolt Brecht, traduction Georges Proser – mise en scène Emmanuel Demarcy-Mota, avec la Troupe du Théâtre de la Ville, au Théâtre de la Ville-Sarah Bernhardt, Paris.

Bertolt Brecht avait lui-même présenté la pièce avec le Berliner Ensemble, en 1955, dans ce même Théâtre Sarah Bernhardt où Emmanuel Demarcy-Mota la met en scène aujourd’hui, un beau symbole ! À l’origine du texte, une vieille légende chinoise du XIIIème siècle croise le jugement de Salomon où deux femmes revendiquent chacune la maternité du même enfant.

Pour Roland Barthes, qui assistait à la représentation, « Le Cercle de craie caucasien est certainement une des pièces les plus importantes du théâtre de Brecht… Son ampleur, sa beauté, le mélange de simplicité et de subtilité de son argument, la générosité de son dessein, le sens positif de sa conclusion, la perfection de la mise en scène, tout est heureux dans cette œuvre, qui accomplit la double intention du théâtre de Brecht : éveiller et nourrir la conscience politique du spectateur, et en même temps assurer son plaisir le plus franc, car le théâtre est fait pour réjouir. » La pièce est pourtant assez peu jouée.

Dans la première scène, les paysans des kolkhozes caucasiens, maquillés de blanc, s’apprêtent à entrer en rébellion ; on suit l’histoire et le parcours de Groucha Vachnadzé, servante du gouverneur Georgi Abachvilli exécuté au début de la pièce. Le quartier brûle. Nathalie Abachvilli, son épouse, contrainte à s’enfuir, n’a en tête que de sauvegarder sa garde-robe et surveiller ses malles plutôt que de prendre soin de son fils, Michel, nouveau-né et héritier. Groucha (magnifique Élodie Bouchez) voit l’enfant, abandonné, hésite et retourne sur ses pas. Elle le prend sous son aile, l’emmène dans sa fuite, trouve avec difficulté le lait nécessaire et l’élève comme son fils, un renoncement sur sa propre vie. « Redoutable est la tentation d’être bon » note Brecht. Avec Michel, elle traverse tous les périls et franchit les montagnes les plus inhospitalières. Son frère, qu’elle part retrouver, lui est de peu d’aide, mal conseillé par une belle-sœur de peu de bienveillance. Ils la marient avec un moribond imposteur. Pourtant, Groucha a un fiancé, Simon Chachava, (Gérald Maillet) soldat parti à la guerre à qui elle a prêté serment, ce qui nous vaut de belles scènes avec lui à son retour, dans une écriture délicate. « Je l’ai pris parce que je m’étais fiancée à toi » dit-elle à Simon, de l’autre côté de la rivière, joliment symbolisée par un tissu tombant des cintres, justifiant son mariage imposé et cet enfant qui n’est pas le sien.

Mais un jour réapparaît la mère biologique, Nathalie Abachvilli (Marie-France Alvarez) qui réclame son fils, non par excès d’amour mais par excès d’intérêt, espérant recouvrer l’héritage familial. Entre en piste, dans la quatrième partie de la pièce, le juge Azdak (Valérie Dashwood) l’écrivain du village et juge populaire élu par les Gardes noirs qui traite le droit de façon fantaisiste. C’est lui qui doit dire le droit et départager les deux mères – liens du cœur ou liens du sang ? – et c’est lui qui fait tracer sur le sol le cercle de craie à l’intérieur duquel s’affrontent une fois de plus le monde des nantis et celui des pauvres, chacune devant tirer vers elle l’enfant placé au centre. « Laissez-le, je vous en supplie, laissez-le, il est à moi ! » supplie Groucha qui lâche la petite main de Michel, ne voulant pas le blesser. « Je l’ai élevé. Faut-il maintenant le déchirer ? Ça, je ne peux pas. » Et Azdak, arbitre en sa faveur et dans sa parodie de justice, rend justice avec justesse.

Dans la mise en scène d’Emmanuel Demarcy-Mota avec la troupe du Théâtre de la Ville qu’il a rassemblée autour de lui il y a un certain temps, les kolkhoziens deviennent narrateurs et construisent un récit dans le récit, ils font chœur et chacun(e) tient plusieurs rôles. Comme il le dit très justement « le travail avec la troupe crée une nouvelle identité narrative. » La scénographie est basée sur la réinterprétation des décors du Songe d’une nuit d’été – que le metteur en scène et directeur du Théâtre de la Ville avait monté en 2023 – la tourbe au sol et ces grands arbres qui se déplacent, plaisir de les revoir, servis par de magnifiques éclairages (scénographie Natacha Le Guen de Kerneizon, lumières Thomas Falinower, Emmanuel Demarcy-Mota).

Brecht écrit la pièce en 1945 alors qu’il est en exil aux États-Unis, elle sera publiée en 1949, à son retour en République Démocratique Allemande. On retrouve l’auteur dans l’humanité de sa pièce et la générosité du personnage principal, Groucha, sa bonté et sa volonté de sauver l’enfant, mettant sa propre vie en danger, dans les concepts de justice et de travail. Jean Dasté, directeur de la Comédie de Saint-Etienne qui l’avait montée avec John Blatchley en 1957, disait « l’humanité de chaque personnage, son rôle social, son sens par rapport à la pièce doivent rester vivants dans l’esprit des spectateurs » et il avait mis l’accent sur le sens profond de l’œuvre, son humanité et son actualité.

Emmanuel Demarcy-Mota connaît bien Brecht qu’il a approché il y a une vingtaine d’années en présentant en 2007 Homme pour Homme, et le théâtre allemand avec Horváth et Peter Weiss. Il dit être habité depuis des années par la pièce et sa note d’intention précise : « Dans Le Cercle de craie caucasien, tout part d’un geste d’une simplicité absolue : une femme protège un enfant au milieu d’un monde qui s’effondre. Un courage sans héroïsme, une bonté sans discours, la certitude silencieuse qu’une vie mérite d’être portée. » Sa lecture de Brecht est dense et sa mise en scène s’apparente à un théâtre populaire au meilleur sens du terme. La bienveillance de Groucha n’est pas naïve, elle donne espoir en le monde. Bernard Dort, grand spécialiste de Brecht, commentait : « Le monde est ouvert. Entre l’Histoire et l’Utopie, un mouvement incessant s’organise, une réconciliation s’esquisse » et nous en avons besoin.

Brigitte Rémer, le 31 janvier 2026

Avec la Troupe du Théâtre de la Ville : Élodie Bouchez, Marie-France Alvarez, Ilona Astoul, Céline Carrère, Jauris Casanova, Valérie Dashwood, Philippe Demarle, Edouard Eftimakis, Sandra Faure, Gaëlle Guillou, Sarah Karbasnikoff, Stéphane Krähenbühl, Gérald Maillet, Ludovic Parfait Goma, Jackee Toto. Collaboration artistique Julie Peigné assistée de Judith Gottesman – scénographie Natacha Le Guen de Kerneizon – costumes Fanny Brouste – lumières Thomas Falinower, Emmanuel Demarcy-Mota – musique Arman Méliès – objets de scène Erik Jourdil – maquillage et coiffures Catherine Nicolas – dramaturgie et documentation François Regnault, Bernardo Haumont

Du 28 janvier au 20 février à 20h, dimanche 8 février à 15h, au Théâtre de la Ville-Sarah Bernhardt, 2 Place du Châtelet. 75004. Paris – métro : Châtelet – site : www.theatredelaville-paris.com