Masques et danses des Maîtres du fleuve

© Musée du Quai Branly – Jacques Chirac

Marionnettes bozo du Mali, au musée du quai Branly-Jacques Chirac/Théâtre de Verdure, en partenariat avec la maison des Cultures du Monde.

Au bord du fleuve Niger, près de Ségou, au Mali, Kirango est un village où vivent un peuple d’agriculteurs, les Bamanas et un peuple de pêcheurs, l’ethnie Bozo. Ils font partie des Mandingues et sont appelé « Maîtres du fleuve. » A certaines occasions les deux communautés célèbrent une fête rituelle, moment important de la vie sociale autour des masques, au rythme des tambours et de la danse.

L’association des jeunes du quartier Jaka organise de loin en loin la fête des pêcheurs, lors de la circoncision des garçons d’une même classe d’âge, ou lors d’un événement particulier. La fête se célèbre autour de la sortie de masques aux formes animales, fabriqués artisanalement et appelés marionnettes bozo. Elle est le reflet de leur identité culturelle. De grands masques représentant des animaux, mythiques ou réels, les sogow, relient le monde des esprits à celui des humains. Quand le secret sort, les esprits paraissent. Les pêcheurs Bozo, descendants de Faaro, esprit de l’eau et vivant sous l’eau, dieu créateur selon la légende, appellent cette manifestation do bò / la sortie du secret.

Dans les temps précoloniaux les Bozo furent les premiers à pratiquer des défilés de sogow/masques-marionnettes ils sont les précurseurs de cette tradition. La fête se passe sur les pirogues qui défilent sur le fleuve Niger, pendant le jour, plus de deux cents femmes y prennent place pour chanter, masques et castelets y sont déposés. Sur la première pirogue se trouvent le masque du méchant chimpanzé/ Gonfarinman ainsi que deux castelets couverts d’étoffe. L’un porte une tête d’oiseau/Kono, l’autre une tête de cheval/So et un cavalier sur le dos.  Chanteurs et joueurs de tambour se tiennent sur la deuxième pirogue. La troisième pirogue porte un castelet d’étoffe et de paille, sur lequel se dresse une tête d’antilope/Koon. Le soir, la fête se poursuit sur la place publique, les sogow de nuit, fabriqués en tissu, représentent des animaux aquatiques ou terrestres, comme les poissons/Wulujege et Saalen, les scorpions/Bunteninw figure de jumeaux, le crocodile/Bama, le serpent/Sa. Autour d’eux nage un poisson, ou un crocodile.

Dans le charmant Théâtre de Verdure du musée du quai Branly où l’on est si bien un dimanche d’été, sont réunis huit danseurs et musiciens, une chanteuse-danseuse, pour ce spectacle inédit, Masques et Danses des Maîtres du Fleuve. Nous ne sommes pas sur les rives du fleuve Niger, les danseurs présentent les sogow du côté jardin au côté cour, sur un plateau peu profond mais de belle ouverture permettant une circulation fluide et un geste ample de la marionnette. On y retrouve les figures animales et mythiques énoncées ci-dessus, masques de jour : méchant chimpanzé fabriqué dans des sacs de jute récupérés (100 kilos), cheval qui danse, antilope au castelet de paille, oiseau aux plumes de couleurs, esprit de l’eau femme-sirène aux ongles de magicienne, et masques de nuit : poisson-capitaine, scorpions de couleur orange et qui dansent, crocodile à la longue queue, serpent rebelle et brave hippopotame. Certains animaux rampent, le danseur enfermé dans le tissu carapace n’a souvent qu’une faible visibilité, il est guidé par l’un d’entre eux, à l’aide d’une cloche.

Ce défilé de sogow est porté, tout au long de la représentation, par les tambours qui battent le rythme et par le chant en langue bamanan de Fatoumata Famanta. Ce chant accompagne le thème animal, comparant les poissons à un miroir d’or, ou parle des prouesses de chasse des Bozo, ou encore évoque la jalousie. La danse Sogolon, collective, qui ouvre et ferme le spectacle, et la danse Tèrè qui se danse en duo, s’ancrent dans le sol. Les danseurs et la chanteuse portant un vêtement écru magnifiquement couvert de signes noirs – lettres et symboles – tiennent à la main des foulards noirs et déposent, au début du spectacle, des calebasses. Tous sont à féliciter chaleureusement.

Inscrites depuis 2014 sur la liste Unesco du patrimoine culturel immatériel, les Marionnettes bozo du Mali, sont un événement rare où se côtoient le réel et l’imaginaire. Le partager est un privilège. L’anthropologue néerlandaise, Elisabeth den Otter, spécialiste des marionnettes non-européennes, est venue initier le public en introduction au spectacle. Ce bel événement du musée du quai Branly a provoqué l’enthousiasme des petits et des grands.

Brigitte Rémer, le 21 juillet 2021

Distribution – Manipulateur, danseur et chef de la troupe : Amadou Famanta – Manipulateurs et danseurs : Adama Dembele, Madou Kone, Soumana Karabenta, Oumar Konta – Tambours bongolo et nganga : Bougadary Fanafo, Ibrahima Famanta, Yaou Karabenta, Moulaye Niono – Chant soliste : Fatoumata Famanta.

Les samedi 10 et dimanche 11 juillet à 16h, musée du quai Branly-Jacques Chirac / Théâtre de Verdure, 37 quai Branly 75007 Paris. M° Alma-Marceau (ligne 9), RER C Pont de l’Alma, Bus ligne 92 Bosquet-Rapp. Accès gratuit sur présentation d’une contremarque (retrait 1h avant le spectacle, à l’accueil dédié dans le jardin) – Vu le 11 juillet 2021.

 

D’un rêve

© Laurent Philippe

Conception et chorégraphie de Salia Sanou, avec la Compagnie Mouvements Perpétuels et le soutien du Centre de développement chorégraphique La Termitière à Ouagadougou – dans le cadre du Festival Montpellier Danse – à l’Opéra Berlioz/Corum de Montpellier.

Le parcours artistique de Salia Sanou s’est construit entre le Burkina Faso et la France, le danseur-chorégraphe a l’art de la rencontre. Initié aux rites et traditions bobo à partir de 1992, il s’est formé à la danse africaine avec Drissa Sanon, du ballet Koulédrafrou de Bobo Dioulasso ; Alasane Congo, de la MJC de Ouagadougou ; Irène Tassembedo, de la compagnie Ebène ; Germaine Acogny, du Ballet du Troisième Monde. Il rencontre Seydou Boro à l’Union Nationale des Ensembles Dramatiques de Ouagadougou et développe avec lui un projet chorégraphique autour de la danse contemporaine, loin des stéréotypes exotiques. Leur rencontre avec Mathilde Monnier en 1993, directrice du Centre Chorégraphique National de Montpellier, est fondamentale, elle leur donne carte blanche. Ils créent notamment Pour Antigone – Nuit – Arrêtez, arrêtons, arrête – Les lieux de là, puis fondent la compagnie Salia nï Seydou en 1995 et créent Le Siècle des fous. 

De nombreuses créations dessinent le parcours de Salia Sanou : L’Héritage, reçoit le premier prix en Art du spectacle lors de la Semaine Nationale de la Culture, au Burkina Faso ; Fignito l’oeil troué, obtient le Prix Découverte de RFI Danse, en 1998 ; Weeleni/L’Appel, pièce intimiste interprétée par des danseurs et musiciens originaires du Maroc et du Burkina Faso fait date, en 2002. De 2001 à 2006 Salia Sanou est directeur artistique des Rencontres Chorégraphiques de l’Afrique et de l’Océan indien, avec le soutien du Centre national de la Danse de Pantin. En 2006, il fonde et dirige avec Seydou Boro le Centre de Développement Chorégraphique La Termitière de Ouagadougou, avec l’aide de l’Ambassade de France. « Je suis très attaché à la circulation des cultures, ouvrant des espaces de sens et d’altérité, donnant à voir, à entendre et à comprendre la force de la création comme vecteur de tolérance » déclare-t-il.

En 2011 les chemins artistiques de Salia Sanou et Seydou Boro se séparent, chacun souhaitant développer son projet personnel. Ensemble ils gardent la direction artistique de La Termitière. Depuis 2010, date de la fondation de sa Compagnie, Mouvements Perpétuels, Salia Sanou oriente son travail de manière plus engagée, sur l’observation de l’état du monde et du réel. Il présente en 2016 Du désir d’horizons au Théâtre National de Chaillot à partir de son expérience dans des camps de réfugiés, au Burkina Faso et au Burundi où il avait animé des ateliers. En 2018/19 avec Multiple-s, il s’intéresse à la question de la représentation et du frottement des disciplines (danse, littérature et musique) par trois face-à-face qu’il présente : avec Germaine Acogny, fondatrice de l’École des Sables au Sénégal, dans De beaucoup de vous ; avec l’auteure Nancy Huston par sa poésie Limbes Limbo hommage à Samuel Beckett ; avec le compositeur-interprète Babx dans Et vous serez là.

Le Festival Montpellier Danse que dirige Jean-Paul Montanari suit depuis des années les créations de Salia Sanou et établit un véritable compagnonnage : en 2000, le chorégraphe a présenté Taagalà/ Le Voyageur ; en 2008, Poussières de sang ; en 2012, Au-delà des frontières ; en 2014, Clameurs des arènes. Aujourd’hui, en cette 41ème édition, il donne à voir sa pièce D’un rêve, qui cherche autour de la relation entre la danse, le chant et la musique.

Nous sommes dans un champ de coton qui recouvre le plateau, au cœur de la ségrégation et de la colonisation (scénographie Mathieu Lorry-Dupuy, lumière Marie-Christine Soma). Salia Sanou nous fait voyager dans le temps au son de gospels magnifiquement interprétés par quatre chanteuses qui reprennent entre autres la chanson de Billie Holiday, Strange fruits et s’inscrivent avec fluidité dans la chorégraphie. Des images montrent sur grand écran des manifestations qui rappellent les pires moments du peuple Afro-Américain (vidéo Gaël Bonnefon) jusqu’à ce que Martin Luther King exprime ce rêve collectif de justice et de liberté : « I have a dream… » Le coton est porté dans de grands paniers, le sol blanc s’efface, poussé par de grands balais, on entre comme dans une seconde partie du spectacle, en contraste avec la gravité et l’austérité de la première. « Seul l’espoir demeure » dit le texte, élaboré par le poète-slameur camerounais Marc Alexandre dit Capitaine Alexandre et l’auteur-compositeur-rappeur franco-rwandais Gaël Faye, un hymne à la vie, plein de couleurs et de rythmes. La création musicale est signée de Lokua Kanza, Congolais de RDC, chanteur et guitariste, multi-instrumentiste et compositeur. Chanteuses et danseurs dessinent des figures, sorte de quadrilles : une chanteuse/un danseur, deux chanteuses/deux danseurs.

Salia Sanou nous mène ensuite dans un contexte de music-hall aux néons colorés et aux costumes vifs où la joie de vivre éclate (costumes Mathilde Possoz). Tout devient ludique et flamboyant.  « Everybody want to dance like Joséphine Baker… » Des couples métissés commencent à se former, la chanson funk de James Brown, Sex machine permet un solo vigoureux. Deux groupes de percussions se forment et se mêlent aux musiques enregistrées et aux rythmes africains. Danseuses et danseurs se glissent dans des langages multiples avec beaucoup d’aisance. La dernière image les montre main levée en un acte de foi.

Avec D’un rêve, Salia Sanou propose une chorégraphie-spectacle chargé de sens et de poésie créant des passerelles avec d’autres artistes tout aussi talentueux que lui et dans une interprétation magistrale tant dans le chant que dans la danse. Artiste associé au Grand R Scène nationale de La Roche-sur-Yon – où il a présenté cette année Papa Tambour, poème de Capitaine Alexandre spectacle pour une interprète présenté dans les classes pour les enfants des écoles primaires – il poursuit sa route dans l’altérité et l’interculturel avec conviction et finesse.

Brigitte Rémer – Vu le 9 juillet 2021

Avec Lydie Alberto, Milane Cathala-Difabrizio, Ousséni Dabaré, Ange Fandoh, Mia Givens, Virgine Hombel, Kevin Charlemagne Kabore, Dominique Magloire, Lilou Niang, Elithia Rabenjamina, Marius Sawadogo, Akeem Washko. Musique Lokua Kanza – Texte Capitaine Alexandre et Gaël Faye – vidéo Gaël Bonnefon – scénographie Mathieu Lorry-Dupuy – lumière Marie-Christine Soma – costumes Mathilde Possoz.

Du 8 au 10 juillet 2021 à l’Opéra Berlioz / Corum de Montpellier – Esplanade Charles De Gaulle – 34000 Montpellier – tél. : +33 0(4) 67 61 67 61 – site : montpellierdanse.com – tél. Montpellier Danse : 04 67 60 83 60.

En tournée, en 2021 : 24 septembre, Marrakech, biennale de la danse en Afrique – 21 octobre, Mâcon, Le Théâtre Scène nationale – 28 et 29 octobre, Bruxelles, Charleroi danse – 23 et 24 novembre, Alès, Le Cratère Scène nationale – 15 et 16 décembre, Annecy, Bonlieu Scène nationale – 19 décembre, Foix, L’Estive, Scène nationale. En 2022 : 11 janvier, La Roche-sur-Yon, Le Grand R Scène nationale – 10, 11, 12 février, Paris, Théâtre du Châtelet – 1er et 2 mars, Brive, L’Empreinte Scène nationale – 24 mars, Amiens, Maison de la Culture.

Poésies d’Afriquia

© MC93

Conception et mise en espace Ahmed El Attar, avec Teymour El Attar, à la MC93 Bobigny Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis, dans le cadre du Quartier général Ouagadougou/Le Caire/Bobigny et de la saison Africa2020.

Au cœur des interactions artistiques qui se tissent dans le cadre de la MC93 Bobigny,  Ahmed El Attar met en forme et en espace les écritures de onze poètes africains issus de sept pays différents. Singulière, sa démarche s’inscrit dans un dialogue avec son fils, Teymour El Attar, ce qui lui donne une profondeur et une émotion particulières. Entre performance théâtrale et paysage poétique aux contours souvent politiques, les textes sont ponctués d’une musique électronique, création originale de Ramsi Lehner, assis au pupitre côté cour.

Construit en trois parties le spectacle devient arabesque par le geste fluide de mise en scène. Teymour El Attar porte la poésie avec évidence et subtilité, s’empare magnifiquement des textes issus d’univers variés et habite le plateau de sa présence, fragile et forte comme la poésie. « Conserver cette cohésion dramaturgique et permettre la structure d’une expression précise, sans cimenter la sensibilité des textes ou de l’interprète, est pour éviter ainsi un fonctionnement descriptif ou démonstratif. Pour l’interprète, Teymour El-Attar, j’ai préféré trouver une forme d’expertise naïve dépendant davantage de la puissance des textes beaucoup plus que de la technique. Et donc de laisser les textes s’exprimer sans en forcer le sens » affirme Ahmed El-Attar interviewé par Névine Lameï dans Al-Ahram Hebdo, le 21 avril 2021.

Ainsi des différents points d’Afrique, on entend : J’ai de la mémoire, du poète guinéen Camara Sikhe qui fut aussi un homme politique dans son pays et écrivit une poésie engagée. Il évoque la mémoire longue par ces mots, simples et vibrants, « Je n’ai pas oublié… » La Traversée, écrite par le poète, essayiste et professeur d’université Robert Hayden (1913/1980) premier Afro-Américain à être honoré du titre de poète lauré, évoque les voyages d’exilés à certains moments  « fous de soif » et Couleurs, de Malcolm de Chazal, mauricien, (1902/1981) transmet une vision prophétique autant que poétique du monde.

Trois poèmes égyptiens, dont le célèbre Ne te réconcilie pas… de Amal Donkol (1940/1983) devenu comme un cri à travers le monde arabe : une première fois au moment des accords de Camp David, comme appel au Président Sadate pour ne pas traiter avec Israël, puis revu à la lumière des révoltes de 2011 pour ne rien lâcher face aux dirigeants totalitaires. Teymour El Attar prononce ce texte avec clarté et intensité, devant un micro,  comme on le ferait d’un discours politique. La Chaussure, du poète engagé, Naguib Serrour (1932/1978) dont certains écrits ont été interdits, évoque les drames de l’humanité : « Je suis le fils de la misère… » et l’acteur quitte tout naturellement ses souliers en énonçant ces tragédies. Orient de Biram El Tounsi (1893/1961), poète et compositeur égyptien originaire de Tunisie qui, avant d’écrire de nombreuses chansons pour Oum Kalthoum eut du mal à trouver sa place. Il utilise différentes formes poétiques dont la satire y compris contre le pouvoir. Le philosophe Abbas Mahmoud Al-Akkad disait de lui qu’il était « un génie, une source intarissable des arts populaires, en composition, en chant et en interprétation. »

La poésie camerounaise occupe une place de choix dans les lettres africaines, Teymour El Attar en fait entendre deux : La couleur n’a pas d’yeux de Jean-Paul Nyunai et un poème bamiléké transmis par Lagrave et Fouda, Un père bénit son fils qui part, qui prend ici une signification forte dans le dialogue Ahmed/Teymour. La fierté du père transmise par le fils, assis en tailleur tel un conteur : « Va bien ton chemin, mon fils… Tu seras l’eau qui traverse les rochers. Écoute plus souvent, entends la voix de l’eau » Et le fils de s’inquiéter : « Est-ce bien là mon père ? »

Le Sénégal est aussi représenté par deux poètes : Birago Diop, avec Souffles. « Écoute plus souvent Les Choses que les Êtres La Voix du Feu s’entend, Entends la Voix de l’Eau. Écoute dans le Vent Le Buisson en sanglots, C’est le Souffle des Ancêtres morts, Qui ne sont pas partis, Qui ne sont pas sous la Terre, Qui ne sont pas morts. Ceux qui sont morts ne sont jamais partis… » Et David Diop, (1927/1961) qui se reconnaît dans le mouvement culturel de la négritude, livre un superbe poème, Afrique, mon Afrique, clôturant le spectacle : « Afrique des fiers guerriers dans les savanes ancestrales, Afrique que chante ma grand-mère au bord de son fleuve lointain, je ne t’ai jamais connue mais mon regard est plein de ton sang. »

Figure majeure du théâtre égyptien, on connaît Ahmed El Attar en tant que fondateur en 2012 et directeur du Festival D-Caf (Downtown Contemporary Arts Festival) au Caire, puis, en 2014 de The Arab Art Focus, un lieu de formation et de résidence pour les arts du spectacle. En tant que metteur en scène on a vu ses spectacles en France dans les grands festivals et lieux de diffusion comme autant de chroniques de la vie sociale égyptienne, société devant laquelle il tend un miroir. On se souvient notamment de On The Importance of Being an Arab en 2014, à partir de ses conversations téléphoniques enregistrées, menant à une réflexion sur sa ville, Le Caire et sur le théâtre ; The Last Supper présenté en 2015 au Festival d’Automne, une famille bourgeoise cairote rassemblée autour d’un dîner familial et derrière leurs conversations évoque la vacuité de l’élite économique ; Avant la Révolution, créé en 2017, repris cette année à Bobigny dans ce même cadre du « QG Ouagadougou/Le Caire/Bobigny », duo d’acteurs dans un dialogue ininterrompu sur les vingt années précédant le soulèvement de 2011 ; Mama, en 2018, rapports de force entre les femmes de la maison dans une famille aisée égyptienne autour de l’éducation des fils, et qui parle de la condition de la femme en Égypte et dans le monde arabe.

Les Poésies d’Afriquia sont comme un nouvel alphabet dans le parcours du metteur en scène et l’acteur en solo, Teymour El Attar, dessine l’espace de ces identités fêlées avec beaucoup de justesse et de profondeur. Il porte ces mots de vertige et d’absurde parfois, de vie et de poésie, avec une grande densité et beaucoup d’élégance.

Brigitte Rémer, le 13 juillet 2021

Avec Teymour El Attar – musique Ramsi Lehner – lumière Saber El Sayed. Production Orient productions, MC93/Maison de la culture de Bobigny – avec le soutien de Studio Emad Eddin Foundation et Association Arab Arts Focus – Les poèmes égyptiens sont traduits de l’arabe par Stéphanie Dujols.

Du 1er au 3 juillet 2021 à la MC93 Bobigny Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis, 9 boulevard Lénine. 93000. Bobigny – tél. : 01 41 60 72 72 – site : mc93.com

Le Cirque invisible

© Giovanni Cittadini Cesi

Un spectacle de et avec Victoria Chaplin et Jean-Baptiste Thierrée, au Théâtre du Rond-Point.

C’est une mine d’inventivité, de malice et de poésie. Le couple Victoria Chaplin-Jean-Baptiste Thierrée, de retour au Théâtre du Rond-Point – invités de Jean-Michel Ribes depuis une quinzaine d’années – présente toutes les ficelles mises au point dans son cabinet de curiosité.

Dès l’entrée, Jean-Baptiste Thierrée s’amuse comme un merlin l’enchanteur, et nous prend par surprise. Collectionneur de valises qu’il coordonne à ses costumes, prestidigitateur, vrai faux jongleur, il passe de pantalon jaune veste multicolore à costume zèbre, ou encore se fond dans la tapisserie de sa valise. Il fait des bulles qu’il transforme en balles, compose une marionnette cafetière émaillée rouge à l’ancienne, s’envole au volant de sa berline dernier cri, dialogue avec son Jean-Louis, se mire dans des miroirs où l’image renvoyée est tout autre que lui. James Thierrée a travaillé avec les plus grands notamment Jean-Marie Serreau, Roger Planchon et Peter Brook avant de créer sa troupe.

Victoria Chaplin a l’art de la métamorphose en complexifiant à loisir ses costumes qu’elle retourne, contourne et détourne pour créer un bestiaire imaginaire. De marquise elle devient cheval, autruche ou crocodile en un clic baguette magique. Elle a de qui tenir, Charlie Chaplin est son père, elle a suivi le mouvement familial des États-Unis à la Suisse où elle a grandi, a appris la danse et la musique classique.

Victoria Chaplin et James Thierrée se sont rencontrés en 1969. « En trente ans nous n’avons produit que trois spectacles : celui du Cirque bonjour ; Le Cirque imaginaire pendant quinze ans et Le Cirque invisible depuis 1990. En fait, j’aurais aimé n’en faire qu’un seul, et le peaufiner sans cesse… » dit Jean-Baptiste Thierrée dans les Carnets du Rond-Point n° 11 et 12. C’est dire le soin apporté aux spectacles, en permanente évolution.

Leur univers est purement ludique, fantaisiste et généreux. Tantôt prince ou bonne fée, tantôt animal et végétal ou machine de pure invention, ils enchantent petits et grands. Les images qu’ils créent et nous font voyager dans leur décalage poétique – comme cette rangée de croquenots qui le suit, le saxo d’où sort non pas des notes mais de la fumée, le vélo au squelette et la dérision des tours de piste cycles à la main, ou encore comme cette installation où Victoria Chaplin porte en guise d’ailes des roues de vélo – se gravent dans nos mémoires.

Brigitte Rémer, le 8 juillet 2021

Lumières Nasser Hammadi – son Christian Leemans – habillage et régie plateau Roxane Gralien, Judith Seither – régie plateau Alban Bertogliati – machiniste Bernard Fléchier – régie lumière Lionel Massador – tour manager Damien Bricoteaux.

Du 29 juin au 11 juillet 2021. Relâche Jeudi 1er, Lundi 5 et jeudi 8 juillet 2021 – Théâtre du Rond-Point, 2 bis avenue Franklin Roosevelt. 75008. Paris – tél. : 01 44 95 98 21 – site : theatredurondpoint.fr

Le Cercle

© Antonin Pons Braley

Chorégraphie, conception, son et lumière Nacera Belaza – le 29 juin 2021, à l’Institut du Monde Arabe, dans le cadre du Printemps de la Danse Arabe.

 L’édition 2021 du Printemps de la Danse Arabe s’est terminée avec la programmation de deux chorégraphies : Iskio, de Johanna Faye et Saïdo Lehlouh, et Le Cercle de Nacera Belaza.

Après avoir présenté L’Onde, à la MC93 Bobigny en mai dernier (cf. notre article du 22 mai 2021), Nacera Belaza creuse son sillon avec une nouvelle création, Le Cercle. Dans son travail, on entre comme par effraction, le corps s’efface et devient sculpture. Ici les danseurs se fondent dans les profondeurs de l’obscurité, porteurs d’un récit ouvrant sur le vide. « Un vide inattendu qui comble toutes nos attentes » dit la chorégraphe. De loin en loin l’un d’eux apparaît, telle une luciole.

Une première version du Cercle avait vu le jour en 2012, chorégraphie pour deux danseurs. Ils sont aujourd’hui cinq. « J’avais besoin de reprendre cette matière et de voir comment je pouvais l’amener encore plus loin » poursuit Nacera Belaza. Le geste se répète en un lent ressassement, au son des percussions, des cris d’oiseaux, des gouttes d’eau qui s’égrènent. Il monte jusqu’à la transe et les tremblements, jusqu’à l’envoûtement. Avec lenteur et précision, énergie et frénésie, les danseurs tels des revenants habitent de manière hypnotique le plateau. Le recommencement et la répétition derviche, inlassablement, conduisent au vertige. Même austérité, même rituel.

Danseuse et chorégraphe autodidacte, Nacera Belaza puise son inspiration et ses esthétiques dans ses deux pays de référence, l’Algérie où elle est née et la France où elle a grandi. Elle développe son processus singulier de création de manière chorale, oeuvrant dans la transmission et cultive l’épure et l’abstraction de manière puissante et sensible. « Il faut un temps d’immersion pour rentrer dans cette matière. Ce n’est pas de l’imitation ou la simulation d’une simple forme. J’ai dû inviter les interprètes à opérer un travail d’introspection… Ce travail d’introspection fait naître quelque chose d’invisible. »

Le Cercle, comme l’était L’Onde sa précédente chorégraphie, cherche vers l’infini, là où se perdent les références.

Brigitte Rémer, le 6 juillet 2021

Interprétation : Aurélie Berland, Meriem Bouajaja, Mohammed Ech Charquaouy, Magdalena Hylak, Tycho Hupperets – création son et lumière Nacera Belaza – régie son et lumière Christophe Renaud.

La Mouette

© Simon Gosselin

D’après Anton Tchekhov – traduction Olivier Cadiot – mise en scène Cyril Teste – collectif MxM – à la MC93, maison de la culture de Seine-Saint-Denis/Bobigny.

Sur un grand écran partagé et au cœur du sujet, l’image d’un lac qui trouble et qui inquiète, tout près de la maison de Sorine. Le maître des lieux, ancien haut fonctionnaire dont la santé se dégrade, est accompagné du docteur Dorn pour veiller sur lui. C’est là que se déroule l’action et que la famille se regroupe. La tonalité est donnée par ces images sombres et romantiques comme le Lac de Lamartine dont les derniers mots pourraient convenir à Tchekhov : « Ils ont aimé. » Car derrière les rideaux d’images s’expriment les passions, et se jouent drames et psychodrames. Konstantin Tréplev, dit Kostia, jeune écrivain, est amoureux de Nina qui se destine à être actrice et qui s’amourache du célèbre écrivain Trigorine. Arkadina son amante, actrice très en vogue, est la mère de Kostia. D’un autre côté, l’instituteur, Medvédenko, amoureux de Macha fille de l’intendant de la propriété éprise du jeune Kostia, se fait éconduire.

Les méditations poétiques de Cyril Teste passent par la traduction d’Olivier Cadiot et la performance filmique, dans une libre adaptation de La Mouette, pièce la plus autobiographique de Tchekhov, écrite en 1896. Olivier Cadiot décale la syntaxe, classique et précieuse, en un langage du présent et du quotidien. La langue est fluide. Quelques extraits de la correspondance et des nouvelles d’Anton Tchekhov complètent le texte. Désenchantement et mélancolie sont au rendez-vous, même si la pièce est classée comme Comédie par son auteur. On entre dans l’intériorité émotionnelle et les tourments de personnages qui se cherchent et sont en quête d’amour. Mais la pièce parle aussi d’art, par l’écriture et le théâtre autour de deux écrivains, Trigorine plutôt blasé et Kostia, en devenir, et de deux actrices, Arkadina sûre de son talent et Nina, aspirante comédienne.

La pièce débute avec la présentation au cercle familial de la première pièce écrite par le jeune Kostia. C’est pour Nina, jeune femme dont il est follement épris, qu’il l’a écrite, et pour sa mère, Arkadina, actrice reconnue, qu’il la présente avec fierté. « On ne peut pas se passer de théâtre… » dit-elle. Mais le rendez-vous tourne court devant les remarques désobligeantes et plaisanteries déplacées qu’elle lance, jetant son fils dans une colère noire et dans la détresse. Nina revient, danse, lui, passe, un fusil à la main et lui fait un étrange cadeau « J’ai tué une mouette ! » dit-il en la lui offrant. À la recherche d’inspiration, Trigorine pense en faire le sujet d’une nouvelle histoire à écrire. Nina l’admire et le questionne sur son métier. « Si j’étais une actrice… » soupire-elle… Son attirance pour lui se précise. Dans ce climat tendu, Arkadina décide d’écourter leur séjour dans la propriété de son frère et de partir à Moscou sur le champ : « Partons ensemble, et maintenant… » dit-elle à Trigorine, avant de se rétracter. Les personnages consolident leurs relations secrètes. Nina envoie des messages codés à l’écrivain et lui fait savoir qu’elle part, elle aussi, à Moscou, apprendre le théâtre. On retrouve Kostia, malheureux d’être mal aimé par sa mère qui ne semble pas croire en son talent aveuglée qu’elle est par le sien, et malheureux de son amour fou pour Nina, sans réciprocité. Il porte un bandage à la tête, suite à une probable tentative de suicide. Une scène d’une grande violence entre Arkadina et son fils achève de détériorer leurs relations.

Deux ans plus tard, à l’acte IV, on apprend que Macha a finalement épousé Medvédenko et qu’un enfant est né de leur union, mais que Macha, restée la même, ne l’aime pas. Les personnages échangent sur ce qui s’est passé au cours des deux années écoulées : Nina et Trigorine ont vécu un temps ensemble, à Moscou. Ils ont eu un enfant, mort en bas âge, puis Trigorine l’a lâchée, il est retourné auprès d’Arkadina. « Tu m’appartiens » lui avait-elle dit. Nina comme actrice n’a jamais connu de véritable succès. Kostia a publié plusieurs nouvelles et commence à être connu mais déprime toujours. Sorine ne se déplace qu’en fauteuil roulant, sa santé décline et il est en fin de vie, Arkadina est venue l’assister dans ses derniers jours. Nina apparaît et parle à Kostia de sa vie au cours des deux dernières années. Il l’implore de rester mais elle n’entend pas, prête à poursuivre sa vie qu’elle juge désormais maudite, et repart. Au fond du gouffre, Kostia déchire son manuscrit et quitte la pièce. Alors qu’une partie de loto est en cours dans la maison, un coup de feu retentit. Le suicide est accompli.

Dans la lecture de mise en scène que présente Cyril Teste et le collectif MxM, quatre cameramen sont en action sur le plateau et transforment l’acte théâtral en vision cinématographique, fiction, images démultipliées, gros plans. Le passage de l’un à l’autre se fait avec subtilité, les langages deviennent complémentaires et le plateau/atelier de travail mêle le réel, le théâtre et le cinéma. Écrans et panneaux blancs, faisant fonction d’écran, se démultiplient comme autant de tiroirs secrets manipulés par les acteurs. Derrière ces écrans se déroule l’action, rapportée par l’œil des caméras. Ici, les très gros plans sont significatifs.

L’écriture théâtrale qui s’invente sous nos yeux, appuyée sur un dispositif ciné-matographique est soumise à une charte précise qu’énonce le collectif en une sorte de manifeste : « La performance filmique est une forme théâtrale, performative et cinématographique. Elle doit être tournée, montée et réalisée en temps réel sous les yeux du public. Elle peut se tourner en décors naturels ou sur un plateau de théâtre, de tournage. Elle doit être issue d’un texte théâtral, ou d’une adaptation libre d’un texte théâtral. La musique et le son doivent être mixés en temps réel. La performance filmique Les images préenregistrées ne doivent pas dépasser 5 minutes et sont uniquement utilisées pour des raisons pratiques à la performance filmique. Le temps du film correspond au temps du tournage. »

Depuis 20 ans, le Collectif MxM, impulsé par Cyril Teste – qui, avant de se consacrer au théâtre s’est intéressé aux arts plastiques – le compositeur Nihil Bordures et le créateur lumière Julien Boizard, développe ces recherches. Depuis 2011, ils travaillent sur ce concept de performance filmique : tournage, montage, étalonnage et mixage en temps réel sous le regard du public. Ils en ont présenté trois : Patio, d’après On n’est pas là pour disparaître de Olivia Rosenthal en 2011 ; Nobody, partition pour performance filmique d’après l’œuvre de l’auteur allemand Falk Richter en 2012 ; Festen, plongée virtuose dans le film de Thomas Vinterberg, en 2017.

Ici le transdisciplinaire sert magnifiquement le spectacle. Acteurs et équipes techniques sont à féliciter.

Brigitte Rémer le 30 juin 2021

Avec : Vincent Berger (Trigorine), Olivia Corsini (Arkadina), Katia Ferreira (Macha), Mathias Labelle (Kostia), Liza Lapert (Nina), Xavier Maly (Sorine), Pierre Timaitre (Medwenko), Gérald Weingand (Dorn).

Collaboration artistique Christophe Gaultier et Marion Pellissier – assistanat à la mise en scène Céline Gaudier – dramaturgie Leila Adham – scénographie Valérie Grall – création lumière Julien Boizard – création vidéo Mehdi Toutain-Lopez – images originales Nicolas Doremus et Christophe Gaultier – création vidéos en images de synthèse Hugo Arcier – musique originale Nihil Bordures – ingénieur du son Thibault Lamy – costumes Katia Ferreira assistée de Coline Dervieux – direction technique Julien Boizard – régie générale Simon André – régie plateau Guillaume Allory, Simon André, Frédéric Plou ou Flora Villalard – régie lumière Julien Boizard ou Nicolas Joubert – régie son Nihil Bordures, Thibault Lamy ou Mathieu Plantevin – régie vidéo Baptiste Klein, Claire Roygnan, ou Mehdi Toutain-Lopez – cadreurs opérateurs Nicolas Doremus, Christophe Gaultier, Marine Cerles ou Paul Poncet – décors Artum Atelier – Les images sont assemblées et diffusées avec le media server Smode. Cetaines images sont extraites de De rerum Natura. Création prévue en novembre 2020, reportée en juin 2021 – Avec la Fondation d’entreprise Hermès, dans le cadre de son programme New Settings.

Du 25 au 30 juin à la MC93, maison de la culture de Seine-Saint-Denis/Bobigny, 9 boulevard Lénine. 93000 Bobigny. Métro ligne 5, station Bobigny Pablo-Picasso – tél. : 01 41 60 72 72 – site : www.mc93.com – Une longue tournée en France est prévue en 2021/2022.

Urgence

© Romain Tissot

Sur une idée de Antoine Colnot, metteur en scène et Anne Rehbinder, auteure, de la Compagnie HKC, ainsi que du chorégraphe Amala Dianor – à Chaillot Théâtre national de la Danse.

Cinq hommes jeunes, acteurs-danseurs venus de Lyon et issus du hip-hop, racontent leur histoire de vie dans un tourbillon plein d’énergie : récits de vie individuels et collectifs par le mouvement et par les mots, lutte contre les discriminations et le déterminisme social et culturel par la scène, recherche d’identité et de visibilité, de reconnaissance.

Au cœur du sujet, l’Urgence de dire et d’exister, la bataille du quotidien, du choix du métier et l’envie d’être reconnus pour ce qu’ils sont dans leur contexte familial, culturel et religieux.  Je suis…. est suivi de la litanie si négative de celui qui n’ose se regarder dans un miroir, de la souffrance d’être dévalué. Ma mère…  et tous parlent à la fois, il y a tant à dire. Un chant soudain surgit et apaise.

La bande son aux tonalités électroniques métissées, passerelles entre orient et occident (Olivier Slabiak), les lumières et la scénographie (Laïs Foulc) les portent et nous font parvenir leurs voix singulières. La parole est sans détour, radicale, la dynamique des corps, brûlante, à fleur de peau, l’élan est vital.

Antoine Colnot, metteur en scène, et Anne Rehbinder, auteure, avec le concours du chorégraphe Amala Dianor, ont croisé leurs disciplines, à l’écoute des interprètes. Anne Rehbinder a collecté, au cours d’actions artistiques menées, la parole des participants, et l’a organisée. Antoine Colnot, metteur en scène ouvert aux autres disciplines – et qui s’est formé auprès de Claire Lasne, Gildas Milin, Sylvain Maurice, Olivier Py – a pensé la colonne vertébrale du spectacle en fonction des personnalités des interprètes. Né au Sénégal, imprégné de culture hip-hop et de street danse, Amala Dianor, formé aussi à la danse contemporaine au CNDC d’Angers – et qui a travaillé entre autres avec Régis Bouvier, Emanuel Gat, Georges Momboye et Abou Lagraa – a creusé le syncrétisme des styles. On le lit dans le spectacle.

Urgence, spectacle de théâtre et de danse né de la collaboration entre trois artistes de disciplines différentes, fédéré par la parole à l’état brut des danseurs, et par le geste et le cri organiques qu’ils lancent, mène à une écriture chorégraphique singulière et puissante qui déborde du cadre de la scène et nous renvoie à l’altérité, à la tolérance et à la vie.

Brigitte Rémer, le 28 juin 2021

Avec : Marwan Kadded, Freddy Madodé, Mohamed Makhlouf, Elliot Oke, Karym Zoubert – création musicale Olivier Slabiak – scénographie et lumières Laïs Foulc – régie générale Daniel Ferreira – assistant chorégraphe Alexandre Galopin – costumes Sonia Bosc – administration Anne Jeanvoine – production et diffusion La Magnanerie.

Du 24 au 26 juin 202, à Chaillot Théâtre national de la Danse, Place du Trocadéro. 75016. Paris – Tél. : 01 53 65 30 00 – site : www.theatre-chaillot.fr

Déplacement

© Laura Giesdorf

Chorégraphie et interprétation Mithkal Alzghair, dans le cadre du Printemps de la danse arabe 2021 – à l’Institut du Monde Arabe.

Déplacement a été créé en deux versions et deux formats différents : un solo, en 2015 et un trio, un an plus tard. C’est ici le solo, chorégraphié et dansé par Mithkal Alzghair qui nous est présenté  et qui avait reçu le Premier Prix du Concours Danse  élargie 2016, organisé  par le Théâtre de la Ville de Paris et le Musée de la danse/Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne. Mithkal Alzghair accompagne la chorégraphie de nombreux silences, trouve son style et son espace entre rituel et danse traditionnelle. C’est une danse d’écorché vif.

Né en Syrie, Mithkal Alzghair a appris la danse classique et moderne à l’Institut supérieur d’art dramatique de Damas. En 2010 il avait choisi de venir en France et a été contraint d’y rester. Il a suivi de 2011 à 2013, le master d’études chorégraphiques « ex.er.ce » de l’Université Paul Valéry, en lien avec le Centre chorégraphique national de Montpellier. Il a dansé pour différents chorégraphes comme Marie Brolin-Tani en Suède, May Svalholm au Danemark, Xavier Le Roy et Christophe Wavelet en France. Il a collaboré avec la compagnie de théâtre italienne, In-Occula, pour le projet eu­ropéen CRACK et participé aux 20 danseurs du XXème siècle de Boris Charmatz qui invitaient les spectateurs à une promenade dans les espaces publics du Palais Garnier. Ses pièces ont été montrées en Syrie, au Théâtre National de Damas ; au Liban, sur la Plateforme internationale de danse contemporaine de Beyrouth ; au Danemark, au Centre Culturel Godsbanen d’Aarhus ; en France, au Théâtre de la Cité Internationale, au Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc-Roussillon ; au Centre national de la Danse ; au Regard du Cygne ; en Italie, à Bologne. Mithkal Alzghair a été invité au Festival « L’art difficile de filmer la danse » pour son film Out of there, à Contredanses, à Bruxelles et a créé la compagnie HEK-MA à l’automne 2016.

Sur le plateau de la grande salle de l’IMA, à lui seul il habite l’espace dans la concentration et dans l’histoire de vie qu’il construit de ses différentes références. On les reçoit dans leur cruauté, leur humanité, leur poétique. Quand il entre sur le plateau, le danseur porte un tissu blanc plié, comme une offrande. La fin de la pièce dira que c’était peut-être un linceul. Il enfile ses bottes et se met à danser sur place comme au centre d’un cercle qui le protège, et monte petit à petit en puissance jusqu’à une sorte de transe. Les signes se construisent et se déconstruisent : on voit le prisonnier et le militaire, celui qui implore et celui qui tombe, celui qu’on humilie et celui qui ordonne, on voit les tremblements et la marche, la marche obstinée jusqu’à l’épuisement. Bouger pour ne pas mourir. On pense au soldat  Woyzeck qui en perd la raison.

Le déplacement, le glissement, la traversée, la migration, le voyage, sont implicitement dans la construction chorégraphique de Mithkal Alzghair. Son interprétation est d’une grande force évocatrice par sa présence même. « J’ai éprouvé physiquement l’urgence du déplacement contraint, l’évasion, l’attente avant le départ, l’exil… Quitter un territoire construit par l’ensemble d’une communauté dont je faisais partie, a aussi supposé de quitter des habitudes, des relations, des engagements. »

Il rythme lui-même ses déplacements, dans un puissant travail tant des jambes et des pieds qui font fonction de percussions, que des bras et des mains qui apportent la grâce malgré la douleur. Quand la musique monte, les bras implorent, appellent au secours et le danseur se désintègre dans les sursauts de la mort. On pense aussi au tableau d’Edvard Munch, Le Cri, car Mithkal Alzghair va au paroxysme de la solitude et du néant. Il devient L’Albatros de Baudelaire et le Christ recrucifié. On ne sort pas indemne de son Déplacement.

 Brigitte Rémer, le 24 juin 2021

Conseils dramaturgiques Thibaut Kaiser – création lumière Séverine Rième – coproductions Godsbanen, Aarhus (Danemark), Musée de la Danse-CCN de Rennes et de Bretagne, Fondation AFAC, Les Treize Arches-Scène conventionnée de Brive – Avec le soutien du Centre national de la Danse à Pantin, dans le cadre des résidences augmentées et du Studio Le Regard du Cygne.

Vu le 22 juin à l’Institut du Monde Arabe, 1 rue des Fossés-Saint-Bernard. Place Mohammed V. 75005. Paris – tél. : 01 40 51 38 38 – site www.imarabe.org.

Les Zébrures d’automne

Le Festival des Francophonies, Zébrures d’automne que dirige Hassane Kassi Kouyaté se tiendra à Limoges du 22 septembre au 2 octobre 2021.

La conférence de presse du Festival s’est tenue par visio conférence. Hassane Kassi Kouyaté chemise zébrée de rouge sur fond d’affiche jaune tournesol en a dévoilé le programme 2021 : plus de 55 propositions, avec 13 créations dont 6 émanent du Moyen-Orient et d’Asie, régions du monde mises à l’honneur cette année, après l’Afrique et avant les Outre-Mer et les villes.

Au cœur du Festival, la Caserne Marceau comme lieu emblématique et siège des activités et les lieux partenaires, affichent tous présent. La programmation couvre toutes les disciplines des arts du spectacle : musiques, théâtre, danse, contes, théâtre de rue, spectacles jeune public. Le coup d’envoi sera donné avec Malek, un concert de Kamilya Jubran (chant et oud) et Sarah Murcia (contrebasse et composition) à l’Opéra de Limoges, avec les musiciens de l’Orchestre Régional de Normandie ; l’entrée en sera libre. Dans ce même Opéra, Claude Brumachon reprendra Folie, chorégraphie créée en 1989 avec 15 danseurs, une commande de la biennale du Val-de-Marne pour le bicentenaire de la Révolution Française qui garde toute sa force.

Au Théâtre de l’Union, deux événements : Ce Silence entre nous de Mihaela Michailov mis en scène par Matthieu Roy sera le point d’arrivée d’une commande d’écriture faite dans le cadre du projet « Visages de notre jeunesse en Europe » lors de la saison croisée franco-roumaine ; et Flying chariot(s) mis en scène de Koumarane Valavane, coproduit par le Théâtre du Soleil pour la France et par le Théâtre Indianostrum pour l’Inde : Ajay, un jeune pilote de l’armée indienne envoyé en mission de maintien de la paix au Sri Lanka, ose dénoncer les exactions de l’armée indienne.

Dans les Centres culturels municipaux. Le Centre Jean Gagnant propose : Et que mon règne arrive, une création Cameroun/Burkina Faso mise en scène par Odile Sankara ; Une Pierre de patience, de Atiq Rahimi, œuvre pour laquelle il avait obtenu le Prix Goncourt en 2008 (coproduction Afghanistan, Argentine et Espagne) adaptation du roman dans une mise en scène de Clara Bauer ; Down tiger down une rêverie pour jeune public et petite jauge (20 spectateurs) vient de Belgique. Au Centre Jean Moulin, une création théâtrale togolaise est à l’affiche : Les enfants hiboux ou les petites ombres de la nuit ; et une chorégraphie de Mehdi Ouachek et Soria Rem, Anopas, hommage au parcours des artistes de la Compagnie.

 À l’Espace Noriac sont programmés : Les yeux dans le dos, venant du Canada/Québec mis en scène par Patric Saucier qui traite de la maladie d’Alzeimer sur un mode humoristique ; Il pleut des humains sur nos pavés, texte et mise en scène de Sèdjro Giovanni Houansou venant du Bénin, – il avait obtenu le Prix RFI en 2018 avec Les inamovibles – qui évoque l’exode des campagnes vers les villes et la violence des bidonvilles ; Loin de Damas, spectacle où se mêlent de manière indissociable le texte de Omar Soleimane, la musique et l’image. Au Sirque de Nexon, on entrera dans les secrets des outils et symboles des forgerons Mossis, avec Supiim, une installation performance du Burkina Faso, montrant que le contemporain et la tradition savent cohabiter ; et, venant du Liban, on parlera d’exil et de déracinement avec un certain humour à travers La mer est ma nation, création théâtrale de Hala Moughanie.

À l’Auditorium Sophie Dessus d’Uzerche, un spectacle France-Uruguay en sortie de résidence, (et qui sera aussi présenté à la Caserne Marceau) Macabre carnaval, retrace les années de dictature en Uruguay à partir des années 1950 jusqu’au retour de la démocratie, en mars 1985. À Feytiat, espace culturel Georges Brassens, Chaos, de Valentine Sergo, venant de Suisse, parle de l’émancipation des femmes et raconte l’histoire de Hayat, jeune femme fuyant un territoire dévasté d’Orient dans l’espoir de connaître une vie meilleure en Occident. Les contes fabuleux de Shéhérazade seront présentés par Jihad, Layla et Najoua Darwiche, en partenariat avec la Bibliothèque multimédia de Limoges.

Une très riche programmation musicale est à l’affiche à la Caserne Marceau, dans le cadre des Concerts du Zébrô, dont Liraz, d’origine iranienne ; le trio Brama et sa vielle à roue ; le groupe Talawine autour du oud syrien de Hassan Abd Alrahman ; la narration sonore de Cyril Cyril ; les Violons barbares, dialogue musical hybride entre un Mongol, un Bulgare et un Français ; Youmna Saba, rendant hommage à Jalila Bint Morra, poétesse de l’ère pré-islamique avec une pièce pour voix et oud, et beaucoup d’autres groupes encore. Dans la nuit du samedi 2 au dimanche 3 octobre, de 18h à 6 heures du matin, La Nuit francophone battra son plein. Cette fête partagée en entrée libre proposera des parcours dans la ville mêlant musiques, danse, théâtre et contes.

De nombreuses propositions complémentaires sont faites dans le cadre de Zébrures d’automne qui confirment la richesse et l’inventivité de la programmation : des rencontres avec trois grands artistes, Yoshi Oïda, Atiq Rahimi et Daniel Pennac, permettront de dialoguer dans le cadre des Conversations avec… Yoshi Oïda parlera par ailleurs de son parcours artistique au cours de trois journées de réflexion, les 25, 26 et 27 septembre (maximum 18 personnes). Le laboratoire du zèbre marquera la rencontre entre l’Université de Limoges et les Francophonies autour Des écritures de la scène. Une promenade joyeuse dans les Dictionnaires permettra de montrer la richesse et l’évolution de la langue française sur les cinq continents. Une table ronde et des ateliers sur le thème de l’accessibilité aux spectacles seront proposés, Dans tous les sens du zèbre, avec les Singuliers associés. Divers Prix seront remis : Prix RFI pour le théâtre, Prix de la dramaturgie francophone de la SACD, annonce des lauréats 2021 du programme Des mots à la scène ainsi que le Prix Sony Labou Tamsi des lycéens 2021 pour la lecture. Des Rencontres professionnelles se tiendront en partenariat avec différentes structures, dont l’une autour du « Décret Son ». Un stage national inter-académique destiné aux professionnels de l’enseignement et aux milieux culturel et socioculturel aura lieu les 30 septembre et 1er octobre au Lycée Léonard Limosin.

Toute la région se mobilise autour de l’accueil en résidences de création, et les spectacles tourneront dans de nombreuses villes du département, de la région et au-delà. Le menu est copieux, l’ouverture est grande tant géographique que des champs artistiques. Tous à Limoges !

Brigitte Rémer, le 25 juin 2021

Les Zébrures d’automne, Caserne Marceau, 64 Rue Armand Barbès, 87000 Limoges – Tél. (à partir du 1er septembre : 05 55 33 33 67 (billetterie générale) et 05 55 10 90 10 (billetterie groupes).

La billetterie en ligne est déjà ouverte sur le site du Festival : www.lesfrancophonies.fr

 

 

Baie des Anges

© Stéphane Trapier

Texte Serge Valletti, d’après une idée originale de Faramarz Khalaj – mise en scène Hovnatan Avédikian, au Théâtre du Rond-Point

Dans le confinement d’une chambre morte où les meubles sont, au départ, cachés sous des housses, Gérard, producteur, s’agite, avec un besoin fulgurant de se raconter et de mettre en théâtre. Il réunit deux comédiens pour parler non pas tant de lui que de sa relation à Dominique, l’absent, l’ami qui s’est suicidé. Quand Armand, acteur, plus jeune et plus calme, arrive, il lui parle de l’acquisition de cette maison qui surplombe la mer, de ce lieu appelé Baie des Anges, au demeurant titre d’un film de Jacques Demy. Armand, en écho, lui renvoie une image maitrisée, monologue contre monologue.

On entre petit à petit dans une mécanique du puzzle où le dialogue et les tergiversations entre les deux personnages, acteur et metteur en scène, nous mènent dans une répétition de théâtre, avec pour références les films du passé. Sunset Boulevard en l’occurrence, film noir américain de 1950 signé Billy Wilder, dont le titre évoque cette voie de Los Angeles bordée des villas des stars hollywoodiennes. Dans Baie des Anges il est question de mort, du massacre de soi-même, d’un type qui s’est pendu et du bruit de ses pieds battant contre le volet, gravé dans la mémoire.

Dans le plan suivant, La Fille, dix-neuf ans, quelque peu inexpérimentée, passe un casting au téléphone et convient d’un rendez-vous avec le metteur en scène. Elle arrive, Les Fleurs du mal sous le bras, et récite son poème, Élévation. Construction en fragments dit Gérard, le metteur en scène. S’amorce un dialogue entre La Fille, devenue Dina et Armand, scène de rupture d’une certaine violence et banalité. Le metteur en scène jubile mais développe aussitôt sa petite parano, suspectant une relation amoureuse entre les deux acteurs, il y reviendra avec insistance.

Dina, autrement dit Fernandina, culpabilise de n’avoir pas su garder son mari, au cours d’un long monologue, une honte chez les Paoli et deux enfants à élever seule, Annabelle et Dominique. Les répétitions se passent mal : pas de début, une construction en fragments etc… Armand pète les plombs puis raconte l’histoire de Dominique, le vendeur de guirlandes de Noël qui avait fait fortune. Gérard lui emboîte le pas et la complète. L’actrice poursuit, dans son trip poétique, avec Harmonie du soir, Baudelaire toujours. Quand Armand, perturbé, montre de la jalousie à l’égard de Gérard qui semble lui aussi convoiter la jeune femme, elle reprend le cours de son enfance et raconte. Elle connaissait Gérard par familles interposées, et avait connu Dominique à l’âge de cinq ans. On remonte le temps et le parcours de vie de l’absent. Gérard fait du gringue à La Fille qui décline ses propositions, avant de les accepter. Armand, travesti en belle américaine, en réalité la voisine de Dominique et qui l’a retrouvé pendu, en fait le récit. Un troisième poème de Baudelaire, La cloche fêlée, est énoncé par Gérard, suivi du récit de La Fille qui se souvient et raconte. Dominique avait décidé de se supprimer avant de dépasser l’âge de la mort de sa mère : « Quarante ans, sept mois et trois jours. Il ne voulait pas vivre une heure de plus que Dina. » A la date et à l’heure H, il s’est donc pendu.

« La vie, elle est faite d’une suite de scènes » dit Gérard qui défend le fragment comme démarche artistique. Le texte de Serge Valletti est effectivement construit comme tel et entremêle les lignes, narrative, poétique et filmique, les histoires de vie, le théâtre dans le théâtre, mais la mise en scène et le jeu semblent nous perdre un peu plus. Le metteur en scène, Hovnatan Avédikian, qui interprète ici le rôle de Gérard, le fait d’entrée de jeu façon western, caricaturale, brouillant les pistes. Nicola Rappo dans le rôle d’Armand à l’inverse s’en sort bien et garde son calme olympien et une certaine finesse d’approche ; Joséphine Garreau endosse plusieurs rôles : celui de la comédienne débutante, de Fernandina Paoli dite Dina l’épouse délaissée ayant à élever seule ses enfants dont l’un a mal tourné. Elle est aussi la fille facile qui a pour amant son partenaire de théâtre puis le metteur en scène, bref cela sans grand relief dans un parcours escarpé rendu peu lisible au spectateur. Les scénarios s’imbriquent les uns dans les autres et le fil conducteur échappe. S’agit-il de la perte et de la mort, d’un polar, de récits de vie, de la répétition théâtrale et de l’omnipotence du metteur en scène ? Tout cela à la fois peut-être.

Pour refaire le chemin, autant s’accrocher à la lecture du texte, paru comme premier volume d’une édition récemment créée par Serge Valletti, Chez Walter. L’auteur a fait un long parcours d’écriture depuis Les Brosses, en 1969, sa première pièce, jusqu’à la traduction et adaptation de l’œuvre complète d’Aristophane, Toutaristophane. Il a également participé à l’écriture de plusieurs scénarios de films.

Tel que présenté au Rond-Point, nous ne sommes pas Villa Malaparte non loin de Capri où fut tourné Le Mépris de Jean-Luc Godard, et on ne sent pas la mer. Le spectateur hésite dans la compréhension des choses, certains désertent en cours de route. Il fait aussi très chaud ce soir-là dans la salle Roland Topor du Rond-Point.

Brigitte Rémer, le 23 juin 2021

Avec : Hovnatan Avédikian (en alternance avec David Ayala), Joséphine Garreau, Nicola Rappo – scénographie Marion Gervais – design sonore Luc Martinez – création lumières Stéphane Garcin – Spectacle créé en coproduction avec le théâtre de Grasse et à l’issue d’une résidence de création au théâtre de Grasse. Le texte est publié aux éditions Chez Walter (Avignon).

Du 9 juin au 3 juillet 2021 à 20h30, dimanche à 15h30 – relâche les lundis et les 13 et 27 juin. Au Théâtre du Rond-Point, 2 bis avenue Franklin D. Roosevelt, 75008. Tél. : 0144 95 98 21. Site www.theatredurondpoint.fr – Le spectacle a été créé le 9 septembre 2016 au Théâtre de Grasse.

 

Maîtres anciens

© Jean-Louis Fernandez

Un projet de et avec Nicolas Bouchaud – texte Thomas Bernhard – adaptation Nicolas Bouchaud, Éric Didry, Véronique Timsit, dans une traduction de Gilberte Lambrichs – mise en scène Éric Didry – Théâtre de la Bastille.

Nous sommes au Kunsthistorisches Museum, le Musée d’art ancien de Vienne. Trois personnages forment la toile de fond du récit féroce de Thomas Bernhard autour du tableau L’Homme à la barbe blanche du Tintoret : le protagoniste, Reger, vieux critique musical qui se rend tous les deux jours sauf le lundi au musée depuis plus de trente ans, pour observer le tableau, tout en se déclarant être un détestateur de musée ; Irrsigler, le gardien de la salle Bordone où se trouve le tableau et qui lui réserve quotidiennement la banquette faisant face à l’œuvre ; Atzbacher, le narrateur, à qui Reger a donné rendez-vous sans qu’il en connaisse la raison et qui s’est glissé dans la salle bien à l’avance pour observer à la volée son ami, dans sa pétrification devant l’œuvre.

Le narrateur se souvient à voix haute des conversations et citations de Reger, homme radical s’il en est, rapporte ses ressassements et sa logorrhée pleine d’épines à l’égard de tout et de tous. Reger dénigre, vocifère, invective, tempête et met en pièces jusqu’à l’étourdissement le milieu artistique viennois, littéraire et musical, qu’il a côtoyé au cours de sa carrière, la société viennoise dont il remet en cause les fondations, et au final sa propre vie. Il y a quelque chose de vital dans sa démarche. Il cultive l’ironie et la provocation, le mépris et l’insulte dans le spectaculaire tourbillon de son mal-être distillé. L’État, les musiciens, les peintres qui ne font que de l’art d’État, les pédagogues, les maîtres anciens forcément corruptibles, tous, sont passés à la moulinette.

La langue de Thomas Bernhard (1931-1989) est d’une incroyable richesse, vélocité et intelligence. Maîtres anciens est son avant-dernière œuvre, écrite en 1985, elle porte pour sous-titre Comédie. C’est sur ce ton que Nicolas Bouchaud s’empare du texte et l’interprète. Les thèmes s’enchaînent entre contradictions et obsessions sans que le stylo ne quitte la page face au lecteur/spectateur pris dans les filets du chaos intérieur de son personnage. Et il repousse les limites jusqu’au burlesque. Reger, raconté par Atzbacher, devise sur l’art de rater chez tous les grands créateurs et remarque que chaque œuvre, chaque chef-d’œuvre, porte des défauts : les peintres ratent souvent les mains par exemple ; la perfection n’existe ni chez Goya ni chez Le Greco, ni chez Véronèse ni chez Klimt « Voyez Vélasquez, rien que de l’art d’État, et Lotto, et Giotto, uniquement de l’art d’État, toujours, comme ce terrible Dürer, précurseur et prédécesseur du nazisme… Les soi-disant maîtres anciens n’ont jamais fait que servir l’État ou servir l’église, ce qui revient au même… » Puis il accable les compositeurs : il n’y a pas de fugue parfaite, ni chez Bach ni chez Mozart ; Bruckner n’est que sentimental et kitsch ; parfaitement compromis, Beethoven massacre sa sonate n° 17, La Tempête, qui est médiocre, et dans ses œuvres « marche au pas cadencé ». Quant à Mahler malheur, il est affublé du terme de « compositeur le plus surfait du siècle. »

Les écrivains aussi en prennent pour leur grade : Adalbert Stifter, écrivain, peintre et pédagogue autrichien en tête : « Ce qui est le plus incompréhensible chez Stifter, c’est sa célébrité a dit Reger, car sa littérature, n’est rien moins qu’incompréhensible. » Les philosophes sont maltraités, Heidegger, « philosophe en pantoufles et bonnet de nuit des Allemands » au premier chef. Pascal, Montaigne, Voltaire, tous y passent. Sur un autre mode tout aussi virulent, quand Reger parle d’enfance il s’arrête sur la sienne qui lui fut un enfer, « Mes parents n’auraient pas demandé mieux que de me fourrer, dès ma naissance, dans leur coffre-fort, avec leurs bijoux et leurs valeurs, a-t-il dit » poursuit Atzbacher, avant de démolir les professeurs, ces « empêcheurs de vivre et d’exister » qui, au lieu d’éclairer les enfants sur l’art, leur en font passer le goût.  Et, comme dans toute son œuvre, Thomas Bernhard attaque l’hypocrisie de la Nation autrichienne, son pays.

Derrière ce mouvement de désintégration appliquée, pourtant la mort rode et l’auteur fait volte-face semblant tout à coup lâcher prise en évoquant la mort de son épouse. Il parle avec émotion de sa rencontre avec elle, au Musée, sur cette même banquette de la salle Bordone. On entre petit à petit dans l’intimité de Reger que sa femme avait la chère habitude d’accompagner au musée. « Ma femme m’a sauvé » reconnaît-il. « Assis côte à côte, nous sommes la désespérance. » Le thème du deuil se met en place, et il raconte son enterrement. « Je suis mort aussi… » Là, la Comédie annoncée rejoint la réalité. Quand Thomas Bernhard écrit Maîtres anciens, sa compagne en effet, Hedwig Stavianicek, de trente-cinq ans son aînée, vient de disparaitre. Ce thème occupe tout l’espace de la fin du récit. « Voilà que meurt le seul être que nous ayons. »

Le chemin emprunté par l’auteur, dans ce texte, surprend, partant des hauts sommets de la déglingue philosophique, musicale, poétique et plasticienne il mène à l’intime, aux relations de Reger et de sa femme. Seul en scène, Nicolas Bouchaud, qui est à la fois Atzbacher, Reger et Irrsigler le gardien, montre une grande fluidité dans cette déambulation métaphysique et désespérée, aux frontières d’un certain burlesque. Le texte est adressé, et par deux fois il va cueillir dans le public la première fois une femme, qu’il fait monter sur scène et s’assoir sur le banc, tenant le rôle de l’épouse ; la seconde fois le regard d’un/d’une spectateur/spectatrice pour un cadeau qu’il va lui offrir, à savoir une place de théâtre (en l’occurrence pour le Théâtre de la Bastille.) C’est un clin d’œil faisant référence à la dernière page de Maîtres anciens où l’on découvre que Reger avait convoqué son ami Atzbacher pour l’inviter au Burgtheater voir La cruche cassée, de Kleist. « Effectivement, je suis allé, le soir, avec Reger, au Burgtheater et à La cruche cassée, écrit Atzbacher. La représentation a été exécrable. » Fin de partie.

Pour décliner toute la détestation portée par l’auteur, Nicolas Bouchaud monte au combat, sans armure – le texte lui suffit – avec ironie, distance et véhémence, avec son habituelle simplicité et énergie. Il a l’art de la pirouette. Thomas Bernhard lui va bien. Le monologue qu’il a construit avec Éric Didry et Véronique Timsit, la mise en scène d’Éric Didry faite dans une économie de moyens, la scénographie, les lumières et costumes qui servent le propos, ont élaboré une dramaturgie qui n’existe pas dans un texte écrit d’un seul bloc, sans paragraphes ni passages à la ligne, autant dire sans respiration. L’acteur et le metteur en scène se connaissent bien, le premier ayant mis plusieurs fois en scène le second, notamment dans des solos.  Ce fut en 2015 dans Le Méridien, avec le discours prononcé par Paul Celan lors de la remise du prix Georg-Büchner, en 1960. En 2018, Un Métier idéal de John Berger l’histoire d’un médecin de campagne et de son humanisme et la même année La Loi du marcheur, à partir d’entretiens entre Serge Daney peu avant sa mort et Régis Debray, sur l’itinéraire du critique de cinéma. Au-delà de ces solos dans lesquels il est virtuose, Nicolas Bouchaud s’inscrit aussi dans différents  collectifs où il est tout aussi flamboyant, comme il le fut autour de Didier-Georges Gabily, Joël Pommerat, Jean-François Sivadier et Frédéric Fisbach.

Ici, l’acteur construit sa partition avec incandescence, de changements d’humeurs en fantaisies taciturnes. Deux pauses musicales marquent un temps et nous reposent des idées fixes de Bernhard, même quand un pavé s’abat sur le disque vinyle en train de tourner, commentaire hautement symbolique chez ce critique musical et très drôle dans le contexte. Largo allegro, adagio, scherzo, allegretto, de mouvement lent à mouvement rapide et nerveux, nous suivons le guide. Le musée est sommairement représenté, et l’œuvre en papier kraft s’écroule devenant un royal manteau. Autre représentation de L’Homme à la barbe blanche un cadre vide ripoliné. Seul le combat entre l’acteur et la langue existe, trace de la tentative de survie de Reger. « C’est seulement lorsque nous nous sommes rendus compte, à chaque fois, que le tout et la perfection n’existent pas, que nous avons la possibilité de continuer à vivre » reconnaît enfin l’anti-héros de Thomas Bernhard, avant de poser les armes.

Brigitte Rémer, le 15 juin 2021

Collaboration artistique Véronique Timsit – scénographie et costumes Élise Capdenat, Pia de Compiègne – lumière Philippe Berthomé en collaboration avec Jean-Jacques Beaudouin – son Manuel Coursin – voix Judith Henry – régie générale et régie son Ronan Cahoreau-Gallier et Jean-Louis Imbert – régisseuse Bastille Véronique Bosi – Le texte est publié aux Éditions Gallimard, dans la traduction française de Gilberte Lambrichs.

Du 9 au 30 juin 2021 à 20 h 30 – Relâche le dimanche et les 17, 18, 19 et 21 juin – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette, 75011 – métro : Bastille, Voltaire – tél. :  01 43 57 42 14 – www.theatre-bastille.com

Inch’Allah

© Théâtre de la Ville

D’après Tartuffe de Molière – adaptation et mise en scène Alioune Ifra N’Diaye – Compagnie malienne BlonBa – spectacle en bambara, surtitré français – au Théâtre de la Ville / Les Abbesses, dans le cadre de Africa 2020.

Il y a du plaisir sur scène comme dans la salle, même si, en filigrane, un vecteur de gravité se dessine. Par le ludique, passent les messages. Alioune Ifra Ndiaye, metteur en scène, attire notre attention sur les réalités de son pays, le Mali, sur les complexités du monde et, par les moyens scéniques du kotèba, prend les chemins de traverse.

On part du général – le nombre de pratiquants des huit religions les plus fréquentées dans le monde, affiché sur un grand écran en fond de scène – jusqu’au particulier, Tartuffe. Selon Molière, ce personnage doué pour le mensonge, donne l’illusion d’être un bon pratiquant et très pieux serviteur. Il déguise ses opinions, son caractère, ses pensées et ses sentiments. Au nom de Tartuffe se superposent les synonymes de bigoterie, cabotinage, affectation, dissimulation, duplicité, fausseté, fourberie et faux-semblant.

Avec BlonBa, on oublie Molière et ses personnages et on écoute cette fable qui commence sur un coin de tapis par la lecture des cauris de la chance, énoncée par le guérisseur des âmes. Sa patiente, ou son impatiente – qui, au demeurant, pourrait être Elmire, seconde femme d’Orgon tombé sous la coupe de Tartuffe – boit les paroles de l’oracle providentiel qui lui promet une rencontre avec l’âme sœur. Pas si jeune, pas très beau, il serait, contre quelques encens à faire brûler, l’homme qui l’aimerait. D’emblée, sur ce coin de tapis, on se sent non pas dans un théâtre à l’italienne mais sur une place des quartiers de Bamako ou de Ségou, aux couleurs lumineuses et aux senteurs d’épices. Suit une longue scène avec Clément, de nom chrétien remarque le texte, morceau de bravoure à la Dorine, malin et brut de décoffrage, vif et caustique, qui allume les clignotants et dénonce les abus, avec force pirouettes et virtuosité.

On a parlé de lui pendant les deux-tiers de la pièce, enfin il arrive ! Tartuffe, devenu ici Ladji – qui signifie le Pèlerin et il en porte l’habit, celui qui a fait le pèlerinage à La Mecque – misbaha (chapelet musulman) à la main. Et on le voit à l’œuvre sur la méridienne, unique mobilier sur scène, aux côtés non pas de l’épouse, mais de la fille d’Orgon, (Marianne chez Molière) essayant de la séduire en d’extravagantes entourloupes. Démasqué après avoir joué de séduction tant auprès de la mère que de la fille, il déchaîne les foudres de la mère. Pourtant tout se termine dans la joie et la bonne humeur, tout est bien qui finit bien.

Au-delà de cette trame, c’est la forme choisie du Kotèba, ce théâtre populaire de l’aire mandingue au Mali, qui parle dans la proposition du metteur en scène, et la langue bambara. Le Kotèba est un théâtre d’intervention sociale qui utilise la satire pour corriger les travers de la société. Il réunit la communauté et provoque le rire. C’est une forme de théâtre traditionnel particulièrement pratiquée chaque année après la saison des récoltes, quand les villageois se réunissent pour assister à des saynètes mises en place par les jeunes du village, dans un moment de divertissement. Il y a des similitudes avec la commedia dell’arte, sans les masques : même naïveté, ruse et ingéniosité, même burlesque. On est dans le domaine de la farce et de l’autodérision.

Travaillant en Guinée Conakry et en Côte d’Ivoire, Souleymane Koly et son Ensemble Kotèba, avait fait connaître cette forme théâtrale en France dans les années 80. Et comme le souligne Alioune Ifra Ndiaye : « Les nuits Kotèba présentent les différents aspects de ce mode d’expression typiquement africain mais, par bien des côtés, terriblement universel. »

Fondée en 1998, la compagnie BlonBa s’est développée au fil des ans et de diverses restructurations. Après avoir été contrainte de quitter le lieu qui abritait son travail de création, en 2012, c’est par le secteur audiovisuel et la création de la société Wokloni qu’elle a rebondi, avec l’ouverture à Bamako en 2017, du Complexe Culturel BlonBa, constitué de trois salles. Sous la direction d’Alioune Ifra Ndiaye, réalisateur et opérateur culturel très actif, c’est un des espaces culturels et artistiques les plus féconds du Mali et de l’Afrique francophone, qui propose une programmation de haut niveau et fonctionne comme un incubateur pour les jeunes acteurs maliens. Alioune Ifra Ndiaye s’est formé aux techniques de réalisation pour le cinéma à Montréal, et a participé en France en 2000/2001 à la 10ème session de la Formation Internationale Culture, programme du ministère français de la Culture créé par Jack Lang.

A la fin de la représentation, le metteur en scène s’adresse au public pour inscrire sa démarche dans l’actualité du Mali et les relations de son pays avec la France, en un moment difficile. C’est courageux, d’autant en la présence de l’Ambassadeur du Mali dans la salle, de celle des communautés maliennes présentes au spectacle, vêtues de leurs costumes locaux et exposant leur artisanat. La cour des Abbesses s’est emplie de couleurs et de rires, BlonBa a permis ce moment fédérateur entre les publics et les pays.

Brigitte Rémer, le 12 juin 2021

Avec : Ismael N’Diaye, Maimouna Doumbia, Maimouna Samaké, Tieblé Traoré, Ndji Yacouba Traoré, Nouhoum Cissé, Mariam Sissoko.

Les 12 et 13 juin 2021, au Théâtre de la Ville/Les Abbesses, 31 Rue des Abbesses, 75018 Paris – Tél. : 02 42 74 22 77 – www.theatredelaville-paris.com – Voir sur le site le programme L’Afrique au Théâtre de la Ville, du 3 juin au 28 septembre 2021.

Plaidoirie pour vendre le Congo

© Ry-Barbot 7

Texte Sinzo Aanza – mise en scène Aristide Tarnagda – Théâtre Acclamations – dans le cadre de la Saison Africa 2020 et en partenariat avec le Festival d’Automne à Paris – au Théâtre Jean Vilar de Vitry.

On entre de plain-pied dans la réunion du comité de surveillance du Quartier 2 Masina sans fil. Les protagonistes de la réunion arrivent au compte-goutte, de préférence en retard et occupent une grande partie de l’espace scénique. Empilés derrière la fenêtre, les habitants ne suivront le conseil qu’à partir de cette frontière derrière laquelle ils sont relégués.

Plaidoirie pour vendre le Congo c’est cette attente du début de la réunion, puis la réunion, dans sa bêtise administrative et son contenu fantaisiste. L’enjeu est important pour les habitants : se mettre d’accord sur la hauteur des indemnisations à attribuer aux familles dont certains membres ont été tués par l’armée, alors qu’ils rentraient d’un match de football. Les militaires avaient tiré, pensant faire face à une marche de protestation contre la paupérisation des quartiers.

La pièce est ce dialogue de sourds entre les deux parties, ceux qui sont chargés de décider des règles d’indemnisation et les habitants du quartier. Pour le premier groupe, les tergiversations vont bon train notamment entre le pasteur de l’église de réveil, Prophète Rambo, mi-exorciste mi-charlatan qui fait corps avec sa Bible ; la sœur Marie-Joséphine de Jésus-Sauveur, pleine de compassion ; la pharmacienne sorte de faiseuse d’anges aux pleins pouvoirs et à la séduction facile, Maman Béa ; le dragueur invétéré, propriétaire d’un hôtel mal famé, Mao-Zédong ; Chef, le responsable administratif du quartier, inconsistant…. Il y a aussi une vendeuse de pain, un instituteur, un boucher, un boutiquier, un sous-commissaire de police… De l’autre côté, les familles, agglutinées derrière la fenêtre-guichet, attendent la mise à prix de leurs morts.

Les enchères s’étirent, on se perd de conjectures en détails et on va jusqu’à évoquer la mise en vente du pays… En bref, les choses sont très linéaires mi-cocasses mi-pathétiques mais on tourne plutôt en rond. Seules quelques percées poétiques donnent des respirations au texte de Sinzo Aanza – artiste de RDC, également plasticien – où chiffrer le prix des morts, morts qu’on s’invente parfois, s’avère une addition complexe à réaliser et souvent caricaturale.

La mise en scène d’Aristide Tarnagda – homme de théâtre burkinabé, directeur des Récréâtrales de Ouagadougou – confirme cette linéarité, d’autant que la scénographie barre l’horizon et contient la population du quartier, nous privant des éclats pleins de malice des comédiennes et comédiens qui se tordent le cou pour apparaître de temps à autre. Le musicien-chanteur offre d’autres respirations, bienvenues, reprises par le collectif.

Plaidoirie pour vendre le Congo est une satire certes, mais il n’est pas sûr que la parodie démocratique (ce pseudo conseil de quartier) et les dérives politiques (des bavures militaires) prêtent à rire, ou alors elles manquent ici de finesse. L’absurde et la dérision sont des langages du théâtre mais il y a quelque chose qui, dans le travail proposé, n’aboutit pas, en cette fin de résidence que signe le metteur en scène au Théâtre Jean Vilar de Vitry.

Brigitte Rémer, le 10 juin 2021

Avec Ibrahima Bah, Serge Henri, Safourata Kabore, Nanyadji Kagara, Ami Akofa Kougbenou, Daddy Mboko, Jean-Baptiste Nacanabo, Hilaire Nana, Halima Nikiema, Rémi Yameogo. Scénographie, Patrick Janvier – assistant mise en scène, Jean-Baptiste Nacanabo – assistante scénographie, régie générale et régie plateau, Charlotte Humbert – construction, Le Grand Dehors – constructrices et constructeurs : Estelle Duriez, Charlotte Humbert, Patrick Janvier, Marie Storup – lumières Mohamed Kabore – son Hugues Germain.

Vendredi 4 juin 18h30, samedi 5 juin 18h, dimanche 6 juin 16h30, au Théâtre Jean Vilar, 1 place Jean-Vilar – 94400 Vitry-sur-Seine – Tél. : 01 55 53 10 60 – www.theatrejeanvilar.com

 

Solaris

© Geraldine Aresteanu

D’après le roman de Stanislaw Lem, traduction Jean-Michel Jasienko – adaptation, conception et mise en scène Pascal Kirsch – collaboration artistique Charles-Henri Wolff – Compagnie Rosebud – au Théâtre des Quartiers d’Ivry/Manufacture des Œillets.

L’écrivain polonais Stanislaw Lem écrit Solaris, roman de science-fiction, en 1961. La même année, Youri Gagarine effectue un premier vol dans l’espace dans le cadre du programme spatial soviétique. Un mois plus tard, aux États-Unis, John Fitzgerald Kennedy lance le programme Apollo ayant une finalité d’alunissage. L’air du temps est à l’espace, la science-fiction intéresse les écrivains.

Stanislaw Lem conte, à travers un huis-clos entre cinq personnages tous plus décalés les uns que les autres, une fable philosophique. Kris Kelvin, psychologue, est appelé à la rescousse par son collègue Gibarian travaillant sur une station orbitale où se passent de drôles de choses. La station tourne en orbite autour de la planète-océan Solaris qui avait accueilli jadis plus de soixante-dix chercheurs. Quand il arrive pour participer à l’aventure et évaluer la situation, il est intronisé par Snaut, personnage désinvolte auprès de qui il prend acte de mystérieux événements. Sur la station, il ne reste que trois scientifiques : Gibarian, qu’il n’arrive pas à rencontrer, se serait suicidé. Sartorius, invisible, opère au fond de son laboratoire dans un contexte on ne peut plus opaque, jusqu’à ce que Kelvin comprenne la présence d’êtres mis au monde par son diabolique collègue et sortant de ce laboratoire. Parmi eux et pour trouble majeur, il rencontre son ex-femme, Ava, qui s’était suicidée quelques années auparavant. Même robe, même trace de piqûre. Il reconstruit son roman d’amour, se trouble jusqu’à comprendre qu’elle n’est qu’une réplique et son double parfait, et perd pied. Son voyage sera introspectif, métaphysique et interrogatif sur la nature humaine. Les âmes mortes vont hanter la représentation et l’intelligence artificielle signer le clonage.

Andrei Tarkovski avait adapté le roman de Stanislaw Lem pour le cinéma et tourné Solaris en 1972 – pour lequel il avait obtenu le Grand Prix du Festival de Cannes – comme une tentative d’apporter une nouvelle profondeur émotionnelle aux films de science-fiction. Comme il l’écrit dans Le Temps scellé : « Dans Solaris il s’agissait de gens perdus dans le cosmos et qui étaient obligés, bon gré mal gré, de gravir les degrés de la connaissance… La désespérance accablait les héros de Solaris tout au long de leur quête, et la solution que nous leur proposions était assez illusoire : elle tenait en un rêve, celui de prendre conscience de leurs propres racines, celles qui lient à jamais l’homme à la Terre qui l’a engendré. Mais ces liens étaient déjà devenus pour eux irréels. » En 2002 Steven Soderbergh tournait à son tour une adaptation du roman, avec George Clooney et Natasha McElhone et mettait l’accent sur l’histoire d’amour. D’autres adaptations ont été présentées sur scène, dont en 2015, l’opéra-ballet signé du compositeur japonais Dai Fujikura et du chorégraphe et danseur Saburo Teshigawara.

L’action prend place dans le huis-clos de la station spatiale où Gibarian enregistre le récit des événements s’y déroulant et, face à un constat d’échec, propose de la détruire. Le mystère gagne, comme cet océan informe aux pouvoirs étranges qui bientôt la recouvre et contient une forte puissance de mystère. La terreur monte chez les scientifiques, livrés à eux-mêmes et ne maitrisant plus rien, car face à leur capacité de création ils rencontrent celle de la destruction. Au bout de sa nuit, Ava finit par accepter de disparaître dans le cosmos, brisant les illusions désormais perdues de Kelvin.

La scénographie de Sallahdyn Khatir, remarquablement éclairée par Nicolas Ameil, sert bien le propos et nous place face à l’inhabituel, à la solitude, au silence de mort, à l’énigmatique. Deux cercles blancs qui pourraient évoquer des soucoupes volantes se font face, comme des sculptures dont la texture est de tissu, au centre, une troisième, au dôme inversé, occupe l’espace avant de s’élever, dégageant l’espace scénique. Le sol est recouvert de parpaings juxtaposés, créant le déséquilibre de la marche, les acteurs titubant sur ce sol mouvant et incertain.

Le spectacle nous mène dans la sensibilité de Jules Verne (De la terre à la lune, 1865), dans celle de H.G.Wells (Les premiers hommes dans la lune, 1901) et dans l’univers de Stanley Kubrick (2001 l’0dyssée de l’espace, film sorti en 1968). On est dans le récit épique et initiatique qui engage sur des thèmes comme l’extinction de la planète, la vie extra-terrestre, l’incommunicabilité. Les acteurs jouent avec justesse la montée des angoisses et dessinent les contours de leurs personnages avec précision. La création sonore de Richard Comte, par ses vibrations, s’intègre magnifiquement au thème.

La mise en scène crée l’illusion et nous place dans le regard de Kelvin, très bien porté par Vincent Guédon. Pascal Kirsch nous conduit, à l’instar du roman, entre la science-fiction et le fantastique, là où la science n’est plus qu’un danger pour l’homme. Après avoir été acteur notamment sous la direction de Marc François, puis assistant metteur en scène pour Thierry Bédard, Bruno Bayen et Claude Régy au cours de stages, il s’est lancé dans la mise en scène il y a une vingtaine d’années, montant des textes de Georg Büchner et Paul Celan, Hans Henny Jahnn et Maurice Maeterlink. Il présente ici sa vision critique du comportement humain et invite à plonger au plus profond de soi.

Brigitte Rémer, le 6 juin 2021

Avec : Yann Boudaud, Marina Keltchewsky, Vincent Guédon, Elios Noël en alternance avec Eric Caruso, François Tizon, Charles-Henri Wolff – musique Richard Comte – scénographie Sallahdyn Khatir – création lumières Nicolas Ameil – costumes Virginie Gervaise – son Lucie Laricq – conseils chorégraphiques Cécile Laloy – production, diffusion Marie Nicolini.-

Vendredi 4 juin, samedi 5 à 17h, dimanche 6 juin à 16h – Jeudi 10 juin, vendredi 11, samedi 12 à 19h – dimanche 13 juin à 18h – Théâtre des quartiers d’Ivry/Centre dramatique du Val-de-Marne, à la Manufacture des œillets, 1 place Pierre Gosnat, 94200 Ivry-sur-Seine – Métro Mairie d’Ivry – Tél. : 01 43 90 11 11 – site : www.theatre-quartiers-ivry.com – En tournée : 1er au 3 juillet 2021, à la MC2 de Grenoble.

 

Les sept péchés capitaux

© Pierre Grosbois

Texte Bertolt Brecht – Musique Kurt Weill – Mise en scène Jacques Osinski – Direction musicale Benjamin Levy, avec l’Orchestre de chambre Pelléas – Compagnie L’Aurore Boréale, à l’Athénée-Théâtre Louis Jouvet – Spectacle chanté en allemand, surtitré en français.

C’est un étrange objet théâtral dont on reconnaît à peine le signataire, Bertolt Brecht (1898-1956) dans son engagement marxiste et dans les archétypes qui l’avaient inspiré, le travail d’Erwin Piscator fondateur du théâtre prolétarien et de Max Reinhardt dans sa définition du rôle du metteur en scène. Il avait obtenu le Prix Kleist à l’âge de 24 ans pour sa seconde pièce, Tambours dans la nuit. A partir de 1930, avec la montée du nazisme, les représentations théâtrales de ses pièces furent fréquemment interrompues ou suspendues, ses textes autodafés en 1933, lui, en exil, en France, puis en Europe et aux États-Unis.

On comprend mieux la démarche du texte intitulé Die sieben Todsünden (Les Sept péchés capitaux) écrit très vite en 1933, quand on sait que son complice musical de toujours, Kurt Weil (1900-1950) exilé en France de son côté pour avoir été interdit de musique dans son pays, l’Allemagne, cette même année, reçoit une commande pour les Ballets 1933 de Georges Balanchine. Il saisit ses alliés artistiques : Brecht pour le texte, Lotte Lenya son épouse pour l’interprétation chantée. La création eut lieu le 7 juin 1933 au Théâtre des Champs-Elysées sous la direction de Maurice Abravanel, l’accueil fut mitigé, l’antisémitisme rampant était à l’œuvre.

La pièce musicale est écrite pour cinq voix – une soprano, un quatuor d’hommes : ténors, baryton et basse – et orchestre de chambre. Elle se compose de sept tableaux, autant que de péchés capitaux (paresse, orgueil, colère, gourmandise, luxure, avarice, et envie), avec prologue et épilogue. On est en Louisiane, dans un contexte de pauvreté et d’utopie où deux sœurs sont envoyées par leur famille sur les routes des États-Unis, à la recherche d’un eldorado fantasmé et d’argent pour construire leur maison au bord du Mississipi. Forte de cette mission, Anna 1 et Anna 2, sautent de ville en ville : après Paris, Los Angeles, Philadelphie, Boston, Baltimore, San Francisco… Anna 1, chanteuse, tient le rôle de la grande sœur, de l’ange gardien et de la donneuse d’ordres, sorte de bonne conscience à ses heures perdues ; Anna 2, danseuse, exécute et prend les risques, parle peu mais agit, traversant toutes les tentations comme elle le peut, dans le conflit de loyauté qu’on lui a imposé.

Au fil des villes se construit la modeste fortune, se détruit l’innocence par les tentations de la société pervertie. La représentation de la famille aux idéaux « petits bourgeois » (le titre complet du texte s’intitule Les sept péchés capitaux des petits bourgeois) est parodique : les commanditaires, père, mère et deux frères – quatre chanteurs en prière, le plus souvent a-capella – invoquant le ciel de leur apporter l’argent demandé et donnant leurs ordres à distance, apparaissent et disparaissent à chaque tableau, dans leur parfaire hypocrisie moralisatrice.

La mise en scène de Jacques Osinski propose plusieurs niveaux de lecture. Sur la scène, une construction en tubes de type échafaudage permet l’utilisation de l’espace du dessous : table familiale en Louisiane, chambres des deux Anna côté cour, espaces intermédiaires pour les deux artistes, chanteuse et danseuse. Au-dessus se trouve un écran qui permet le voyage ou le commentaire, sur des images de Yann Chapotel qui signe aussi la scénographie, avec des lumières néons, enseignes lumineuses ou clairs obscurs de Catherine Verheyde. De chaque côté du cadre de scène deux petits écrans pour les traductions en français du texte allemand. Dans la fosse, l’Orchestre de chambre Pelléas dirigé par Benjamin Levy que l’on aperçoit à l’œuvre et d’où dépassent la tête d’un violoncelle ou la volute d’une contrebasse.

Au cœur du sujet, Anna est double et se fait face. Le rôle d’Anna I est tenu par la mezzo-soprano Natalie Pérez, Anna II par la danseuse Noémie Ettlin. Un duo où l’une commente l’autre, et l’autre commente l’une par le geste, répondant à sa manière à l’injustice et exprimant malgré tout sa quête du bonheur. Le duo fonctionne bien, légèrement complice, légèrement en opposition, chacune avec sa personnalité et son langage artistique. Forcément plus à distance, Natalie Pérez porte en chantant presque tout le texte des Anna. Noémie Ettlin a de la grâce et de l’invention dans les réponses dansées qu’elle construit, des pointes-tutu aux bas résilles, strass et paillettes, du tango à la désarticulation (costumes : Hélène Kritikos). Les instruments sont bien présents dans cet écrin qu’est l’Athénée où se fondent texte, musique, voix et images. Jacques Osinki esquisse son cabaret pour mieux le ré-inventer, c’est un beau pari.

Brigitte Rémer, le 4 juin 2021

Avec : Natalie Pérez (Anna1), Noémie Ettlin (Anna 2) – Guillaume Andrieux (Père), Florent Baffi (Mère), Manuel Nuñez Camelino (Frère 1), Camille Tresmontant (Frère 2) – à l’écran : Edward/ Baptiste Roussillon, Fernando/ Julien Ramade, homme 1/ David Migeot, homme 2/ Grégoire Tachnakian, homme 3/ Arnaud Simon – scénographie et vidéos : Yann Chapotel – lumière : Catherine Verheyde – costumes : Hélène Kritikos – mouvements Noémie Ettlin – Trois chansons de Kurt Weil sont insérées dans le spectacle : Complainte de la Seine de Maurice Magre, Je ne t’aime pas de Maurice Magre, Youkali paroles de Roger Fernay.

Du 27 mai au 5 juin, Athénée-Théâtre Louis Jouvet, Square de l’Opéra Louis Jouvet, 7 rue Boudreau, 75009. Paris – métro : Havre-Caumartin, Opéra, RER A Auber – tél. : 01 53 05 19 19 – site : www.athenee-theatre.com – En tournée : 22-23 février 2022 Théâtre de Caen – 25 février 2022 Théâtre de Val de Rueil – 1er mars 2022 Théâtre de Lisieux.

Divas – D’Oum Kalthoum à Dalida

Badia Massabni © Abboudi Bou Jawde

Exposition à l’Institut du Monde Arabe – Commissariat Hanna Boghanim, Elodie Bouffard, chargées de collections et d’expositions IMA – scénographie Pascal Payeur, Patrick Hoarau.

Le début du XXème confirme l’effervescence du cinéma arabe et la montée en puissance des femmes dans la société moyen-orientale, comme dans les arts. Pour tous les pays de la région, l’Égypte devient l’espace des libertés, de la sensualité et de l’avant-gardisme, c’est un temps de renaissance intellectuelle, la Nahda. La vie est bouillonnante et Le Caire devient le lieu incontournable de la musique, de la danse et de la comédie musicale.

L’exposition Divas. D’Oum Kalthoum à Dalida montre l’éclosion puis la consécration de ces nouvelles héroïnes – chanteuses, danseuses, actrices et productrices – qui nourrissent les fantasmes des années 1920 à 1970, tout en étant de véritables pionnières du féminisme. Dans un mouvement de libération des puissances coloniales, des femmes comme Hoda Chaaraoui et Ceza Nabaraoui retirent publiquement leur voile et se montrent tête nue, soutiennent les politiques nationalistes et inventent une liberté d’être et de ton. Par elles, de nouveaux médias voient le jour, comme le mensuel en langue française L’Égyptienne (Al-Misriyah) émanant de l’Union féministe égyptienne fondée en 1923, et comme le magazine Rose al-Youssef lancé en 1925, du nom de sa fondatrice, chrétienne du Liban vivant au Caire où elle anime des salons littéraires cosmopolites très convoités et participe au renouveau du théâtre égyptien.

On pénètre dans l’exposition comme on entrerait dans un cabaret de l’époque, écartant un rideau frangé qui ouvre sur les figures emblématiques de la chanson et de la danse de cabaret, ces pionnières des années 1920-1930. Tout, derrière, est image et son, dans le ton du moment, entre l’histoire sociale des femmes, le comique et la fierté nationale. On rencontre ces premières divas à travers photos, objets, reconstitution d’espaces privés, séquences de films. Ainsi Mounira al-Mahdiyya (1885-1965) grande vedette des théâtres et cabarets, première actrice musulmane à monter sur scène avec la troupe de théâtre de l’Aziz Eid Theatre où elle forgea ses armes et première à être enregistrée sur 78 tours, en 1909 : « Mon pays est le berceau de la liberté. L’Égypte est la mère de la civilisation et notre père c’est Toutânkhamon » ou encore « T’en fais pas pour moi, y’en a là-dedans ! En amour j’ai passé mon baccalauréat, t’en fais pas pour moi » dit la chanson. On la surnomme la sultane du tarab, cette extase musicale qui, par la répétition, la variation de la même phrase et la richesse de l’improvisation, emmène le public dans une émotion artistique d’une grande intensité.

Assia Dagher © Abboudi Bou Jawde

Badia Massabni (1892-1974) célèbre danseuse orientale de sharqî dont la forme naît dans les cabarets du Caire, s’imprègne de certaines formes populaires, puis s’orne de strass et de perles, de voiles et de bijoux, avant de se démocratiser sur les écrans de cinéma. Le cabaret Casino Badia, au cœur du Caire, fut très prisé et Badia Massabni a fait école. Assia Dagher (1908-1986) et Aziza Amir (1901-1952) ont déployé leur talent pour le cinéma, la chanson, la danse au music-hall et au cabaret, et sont entrées dans la dynamique de la scène musicale et du divertissement, par l’industrie cinématographique naissante. En 1935, Le Caire voyait en effet la naissance des célèbres Studios Misr qui ont donné un grand coup d’accélérateur au développement du cinéma et dessiné des carrières fulgurantes pour ces artistes. (cf. notre article Aux Studios Misr, publié le 16 novembre 2020, à partir du long métrage documentaire, écrit et réalisé par Mona Assaad). Des extraits du premier film sonore et musical égyptien, La Chanson du cœur (Onchoudet el-Fouad), nous sont montrés, un exploit, car la musique et les chansons composées par Zakaria Ahmed avaient été perdues. La restauration numérique a pu se réaliser suite à l’enregistrement sur 78 tours retrouvé en 2008, avec la chanson éponyme qu’interprète Nadra accompagnée de son oud. Mario Volpe avait tourné le film en 1932, il marque la transition entre le cinéma muet et le parlant.

Oum Kalthoum au Caire © IMA

L’acte II de l’exposition présente les divas aux voix d’or, des années 1940 au début des années 1970. Elles viennent d’horizons différents et seront au coude à coude du côté du succès : Oum Kalthoum, Asmahan, Warda al-Djazaïria et Fayrouz. Trois d’entre elles chanteront à l’Olympia, à Paris (Oum Kalthoum en 1967, Fayrouz et Warda en 1979).  On entre dans leurs univers à travers leurs loges qu’on traverse et qui montrent de somptueuses robes et objets personnels, des affiches et photos de tournage, et par la diffusion d’interviews et d’extraits de chansons. Leurs parcours sont extravagants et exemplaires :

Oum Kalthoum  (1900-1975) s’installe au Caire en 1924 où elle enregistre deux ans après, son premier disque. Elle vient d’un petit village du nord de l’Égypte, près de Mansûra où son père est spécialisé dans les chants sacrés. Son frère lui apprend la cantillation coranique et le chant religieux. Cet Astre de l’Orient comme on aimera à la nommer (ou encore la Quatrième Pyramide) s’élèvera au plus haut rang de la notoriété internationale, à l’époque du Palais et des rois Fouad puis Farouk, autant qu’à l’époque nassérienne. Elle devient le symbole de la Nation Arabe. Son répertoire se compose majoritairement de chansons sentimentales qui s’étirent longuement, la place et la configuration de l’orchestre accompagnant la performance vocale évoluent au fil des concerts où se mêlent les instruments orientaux aux instruments occidentaux comme le piano, l’orgue, la guitare et l’accordéon. « Au début, j’ai été prise au piège de l’amour et de la passion, ensuite je fus forcée à la patience et à la résignation, enfin, sans prévenir, on m’a laissé à l’abandon » chante-t-elle dans Al awila fi al-gharam (Au début de l’amour) en 1944. Elle tourne dans plusieurs films entre 1936 et 1947 dont Weddad (1936), Le Chant de l’espoir (1937), Aïda (1942), Fatma (1947). Les rushes d’un concert filmé par Youssef Chahine qui avait débuté un film sur la star, resté inachevé, sont projetés dans l’exposition.

Asmahan (vers 1917-1944) qui signifie la sublime, de son nom de naissance Amal el-Atrache, sœur du très populaire chanteur Farid el-Atrache, princesse druze syro-libanaise, naît sur un bateau et meurt très tôt dans le contexte flou d’un accident de voiture suivi d’une noyade dans le Nil. C’était une splendide diva aux yeux clairs et à la présence douce dont la mère, musicienne et chanteuse, s’était installée au Caire en 1923. Douée d’un immense talent, elle se produit très jeune dans les cabarets et les soirées privées, maîtrise vite le système modal arabe (maqâmât) et les improvisations vocales (mawâwîl). Rebelle et indépendante, sa vie personnelle tumultueuse la mène de mariage en dépression. Pendant la seconde guerre mondiale elle se met au service des Britanniques.

Asmahan © The Arab Image Foundation

Avec son frère, elle co-signe deux films dans lesquels elle joue : en 1942, Victoire de la jeunesse (Intissar al-chebab) ; en 1944, Amour et vengeance (Gharam wa Intiqam), mais elle meurt pendant le tournage. Sa mort viendra compléter le scénario du film, et la chanson Nuits de fête, à Vienne, (Layâli al-uns fi Vienna) qu’elle y interprète reste sa chanson emblématique : « C’est une nuit de fête à Vienne, il y souffle une brise de paradis, des mélodies si belles résonnent dans l’air qu’en les entendant les oiseaux répondent en chantant… »

Née à Paris d’un père algérien militant nationaliste et d’une mère libanaise, Warda Ftouki (1939-2012) dite Warda al-Djazarïa (la Rose algérienne) commence à chanter à la fin des années 40 dans le cabaret de son père, le Tam Tam, rue Saint-Séverin à Paris, cabaret qui sera contraint de fermer en 1956 quand on le soupçonnera de servir de cache d’armes. La famille repartira au Liban puis Warda poursuivra sa carrière, notamment au Caire où elle tournera deux films, Almaz et Abdou en 1962, La Princesse arabe en 1963. Son immense répertoire de chansons d’amour et sa voix chaleureuse ont fait d’elle une diva orientale adulée, de Paris à Beyrouth et du Caire à Alger. Sa chanson, Lawla al-malama (Si on ne m’avait pas fait tant de reproches) composé par Mohammed Abdel Wahab en 1974 en est un exemple : « J’ai entendu des mots durs, si cruels que le sol était comme inondé de larmes et le soleil blessé. Et pourquoi ? Parce que je l’aime ou parce que j’ai dit que je l’aimais… »

Le talent de Fayrouz, née au Liban en 1934, est très tôt repéré par le compositeur, chanteur et joueur de oud Halim al-Roumi et sa carrière vite lancée suite à une commande du Festival International de Baalbeck. C’est le point de départ d’une forme musicale élaborée avec les compositeurs Assi et Mansour Rahbani, qui mêle les styles oriental et occidental. Elle devient l’égérie de cette nouvelle forme, dite opérette libanaise. « Donne-moi le nay et chante. Le chant est le secret de l’existence. Et la plainte du nay demeure au-delà de toute existence » dit le poète Gibran Khalil Gibran qu’elle interprète, mis en musique par Najib Hankash.

Samia Gamal © Abboudi Bou Jawde

L’acte III de l’exposition évoque L’âge d’or des comédies musicales où se côtoient actrices, danseuses et chanteuses en ces années de développement de la cinématographie égyptienne (1940 à 1970). Cette époque, qualifiée de Hollywood sur le Nil, ou Nilwood, diffuse dans tous les pays du Maghreb et du Moyen-Orient, s’appuyant sur des divas très glamour et développe une sorte de star système alimenté par les affiches et les magazines. Deux grandes danseuses de type sharqî sont présentées dans cette section, toutes deux issues du célèbre cabaret de Badia Massabni : Tahiyya Carioca (1919-1999) à la danse lente et sensuelle et au tempérament volcanique introduit les rythmes latinos dans ses performances, tient des rôles de grande séductrice dans plus de cent-vingt films, puis quitte la danse en 1963, pour diriger un théâtre ; Samia Galal (1924-1994) mêle danse orientale, référence hollywoodienne et latinos, ballet classique, tourne ses films les plus significatifs entre 1944 et 1949, avec Farid al-Atrache avec qui elle forme un couple mythique à la ville comme à l’écran. ‘Afrîta hânim (Madame la Diablesse) tourné en 1949 par Henri Barakat met en relief la maîtrise de ses numéros dansés et reste son film emblématique. Plus tard, elle s’inscrira dans l’histoire de la comédie musicale avec, en 1954, Raqsit al-wadâ (La Danse de l’adieu) et Zanouba, en 1956.

Laila Mourad © Abboudi Bou Jawde

On trouve dans cet âge d’or des comédies musicales la grande Leila Mourad (1918-1995) appelée Carillon de l’Orient, figure incontournable des comédies musicales égyptiennes choisie par Mohammed Abdelwahab pour son film Yahia el hob (Vive l’amour) en 1938. Leila Mourad s’est retirée de la vie artistique en 1955, sans s’en expliquer ; Sabah (1925-2014) flambeau de la musique libanaise en Égypte, icône du monde arabe à la vie tumultueuse, a joué dans une centaine de films et interprété plus de trois mille chansons ; l’actrice et danseuse Hind Rostom (1926-2011) Marylin de l’Orient, s’impose dans tous les styles – comédie, drame et polar psychologique ; Faten Hamama (1931-2015) débute sa carrière à sept ans, dans un film de Mohammed Karim, Yom saïd (Jours heureux) développe une ample palette de jeu et tourne avec les plus grands réalisateurs égyptiens (Ezzedine Zoulficar, Henri Barakat, Youssef Chahine). Elle formera avec Omar Sharif un des couples mythiques du cinéma égyptien ; l’espiègle Souad Hosni (1942-2001) dite Cendrillon de l’écran arabe, figure rêvée de la jeunesse des années 1960 et incarnation sur pellicule de la modernité des années Nasser fut

Faten Hamada © Abboudi Bou Jawde

particulièrement célébrée dans le monde arabe avec le film Khalli bâlak min Zouzou (Méfie-toi de Zouzou). Sa mort à Londres après une chute de onze étages, laisse un certain flou.

Dans cette section de l’exposition, Dalida née Iolanta Gigliotti (1933-1987) au Caire dans une famille d’immigrés italiens, tient une place particulière. Un espace lui est réservé à partir d’objets et documents prêtés par son frère, Orlando, qui était aussi son producteur. Les portes du cinéma égyptien s’étaient ouvertes à elle suite à sa nomination comme Miss Égypte, en 1954. Elle avait tourné plusieurs films avant de venir à Paris, là c’est une carrière de chanteuse qu’elle développera et qui la mènera vers un extraordinaire succès. Le cinéma la rattrapera pourtant en 1986, quand Youssef Chahine l’invitera à tourner dans Le Sixième Jour.

Dalida © D.R. Orlando Productions

L’acte IV de l’exposition établit des passerelles entre cette longue période ô combien féconde et la manière dont certains artistes contemporains s’emparent de cet héritage, et s’en inspirent : Ainsi Shirin Neshat irano-américaine, présente deux courts métrages issus d’un film qu’elle a réalisé en 2017 sur Oum Kalthoum ; Youssef Nabil, photographe égyptien travaillant entre Paris et New-York, célèbre la danse orientale à travers une vidéo, Saved My Belly Dancer ; l’artiste-illustratrice franco-libanaise Lamia Ziadé réalise une performance issue de son roman graphique Ô nuit, Ô mes yeux ; Shirin Abu Shaqra, réalisatrice libanaise réfléchit sur le temps qui passe, à travers une vidéo ; La photographe et vidéaste libanaise Randa Mirza réalise avec le musicien et compositeur hip hop Waël Kodeih une installation sous forme d’hologrammes, dédiée aux deux grandes danseuses Samia Galal et Tahiyya Carioca ; le plasticien franco-égyptien Nabil Boutros présente Futur antérieur, une série de photomontages dérivés de films des années soixante qu’il réinterprète en les légendant au regard d’événements d’aujourd’hui et qu’il commente à partir de ses souvenirs personnels.

Tahiyya Carioca © Abboudi Bou Jawde

L’exposition Divas – D’Oum Kalthoum à Dalida de l’Institut du Monde Arabe met en exergue une période électrique, des années 1920 à 1970 avec la conquête des femmes pour leurs libertés, le développement du cinéma, l’identité d’un pays – l’Égypte, multiculturelle, empreinte d’une certaine insouciance, pleine de vie et de créativité dans ses expressions artistiques.  Elle raconte des carrières excentriques, des beautés remarquées, des vies agitées, des formes musicales chantées, jouées, dansées, le monde à leurs pieds. Elle raconte Le Caire comme centre du monde et carrefour de ces divas emblématiques, pour le Moyen-Orient et pour le monde.

L’exposition proposée à l’Institut du Monde Arabe – qui s’est vue retardée par deux fois en 2020 pour raison de pandémie, puis à nouveau début 2021 et s’en trouve écourtée – est d’une grande richesse. Réalisée avec l’aide d’un Comité scientifique hors pair, nous la recommandons vivement. Sa mise en espace sensible et intelligente, documentée et orchestrée (scénographie, lumières et son) sert le propos d’une manière particulièrement réussie. Il faut prendre du temps pour s’imprégner de ces années et rencontrer les divas, car derrière paillettes et notoriété, se dessine la Femme, son statut, ses blessures, ses combats.

Brigitte Rémer, le 3 juin 2021

 

Du 19 mai 2021 prolongée jusqu’au 26 septembre 2021 – Du mardi au vendredi, de 10h à 18h ; Samedi, dimanche et jours fériés de 10h à 19h – Institut du Monde Arabe, 1 rue des Fossés-Saint-Bernard/Place Mohammed V, 75005. Paris – métro : Jussieu – tél. : +33(0) 1 40 51 38 38 – email : imarabe.org – Catalogue : Divas arabes : D’Oum Kalthoum à Dalida : Exposition, Paris, Institut du monde arabe expositions – sous la direction de Élodie Bouffard, Elodie et Boghanim, Hanna, éditions SKIRA – Date de parution : 10/03/ 2021 – 29,00 €

Nabil Boutros © A.Sidoli et T.Rambaud

Légende des photos – Photo 1 : (13) Badia Massabni, photo tirée du magazine « Al-Ithnayn wal dunya » Le Caire, 1938, Beyrouth, collection Abboudi Bou Jawde © Abboudi Bou Jawde – Photo 2 : (24) Assia Dagher en couverture du magazine Al-Kawakeb (Les planètes), Le Caire, 1954, Beyrouth, collection Abboudi Bou Jawde © Abboudi Bou Jawde – Photo 3 : (113) Antoune albert, Oum Kalthoum dans sa villa du quartier Zamalek au Caire, circa 1960, Paris, Photothèque de l’IMA ©IMA – Photo 4 : (62) Elias Sarraf, Portrait d’Asmahan, Alexandrie, circa 1930, Beyrouth, Fondation arabe pour l’image, collection Faysal el Atrash © The Arab Image Foundation – Photo 5 : (206) Samia Gamal en couverture du magazine « Al-Kawakeb » (Les planètes), 1956, Beyrouth, collection Abboudi Bou Jawde © Abboudi Bou Jawde – Photo 6 : (203) Laila Mourad en couverture du magazine « Al-cinéma » Egypte, 1945, Beyrouth, collection Abboudi Bou Jawde © Abboudi Bou Jawde – Photo 7 : (225) Faten Hamama en couverture du magazine « Al-Kawakeb » (Les planètes), Egypte, 1954, Beyrouth, collection Abboudi Bou Jawde © Abboudi Bou Jawd – Photo 8 : (185) Portrait de Dalida lors de la promotion du film « Un verre une cigarette » Le Caire, 1954, Paris, D. R.  Productions Orlando © D.R. Orlando Productions – Photo 9 : Photographie de Tahiyya Carioca dans le film « Un amour de danseuse » (Gharâm Rakissa), Réalisé par Helmi Rafla, Egypte, 1949, Beyrouth, collection Abboudi Bou Jawde © Abboudi Bou Jawde – Photo 10 : Nabil Boutros « Futur antérieur » 178705 © A.Sidoli et T.Rambaud.

L’Onde

© Patrick Berger

Chorégraphie, conception, son et lumière Nacera Belaza – MC 93 Bobigny Maison de la Culture de Seine Saint-Denis, en partenariat avec le Festival d’automne à Paris, dans le cadre du Printemps de la danse arabe / Institut du Monde Arabe.

 Une vibration à l’intensité continue parcourt la pièce chorégraphique, tant dans le son que dans l’hésitation de la lumière. L’Onde arrive par un noir profond semblable à l’outrenoir d’un tableau de Soulages. A peine distingue-t-on les ondulations répétitives et figures arrondies des bras de la danseuse (Nacera Belaza elle-même) placée au centre du plateau, comme une flamme cendrée. Le son qui l’accompagne est plein de vie, on se croirait au village avec les chants entêtants d’un jour de fête et la régularité des percussions qui débutent aussi calmement que des gouttes d’eau tombant sur un toit de tôle, percussions qui prendront ensuite toute leur place. On entend l’Algérie où elle est née.

La pièce est construite en tableaux, l’atmosphère sera la même tout au long du récit poétique, calme et méditatif. Deux danseuses se joignent à la première pour former un cercle et entrent dans cette même gestuelle, une lueur en plus, plus tard deux autres les rejoignent. Elles seront cinq au bord d’un champ qui tout-à-coup s’éclairera en montrant ses sillons. Leur geste est paysan, répété, parallèle et décalé, rituel et obsessionnel, comme la faucille d’or dans le champ des étoiles dirait Hugo. Énergie et lenteur se côtoient. La bande son place le spectateur au cœur des travaux des champs avant de devenir abstraction.

Il y a quelque chose d’extrême et de vital dans la danse de Nacera Belaza, quelque chose de l’ordre du dépouillement, de la révélation, un faisceau de lumière, la recherche d’un souffle profond, de l’infini. L’œuvre est sculpturale par les corps qui se modèlent, à distance les uns des autres, elle est introspection.

La danseuse et chorégraphe a créé la Compagnie Nacera Belaza en 1989, sa quête est métaphysique, à la recherche d’un trait d’union entre l’extérieur – le monde, le corps – et son paysage intérieur, entre le pays où elle est née, l’Algérie et celui où elle a grandi et s’est formée, la France. Amoureuse de la danse depuis l’enfance mais autodidacte, c’est par des études en littérature qu’elle entre dans le monde artistique et qu’elle nourrit sa réflexion. Elle a d’abord créé des duos avec sa sœur, puis développé son langage. Depuis 2003 ses chorégraphies voyagent dans les grands festivals de danse, pour n’en citer que quelques-unes : Le Cri (2008, Centre National de la Danse), Les Oiseaux (2014, Montpellier Danse), Le Temps scellé (2010 Biennale de la Danse de Lyon).

Plusieurs de ses pièces ont été programmées à la MC93 Bobigny en 2019, sorte de rétrospective de son travail, dont, au cours d’une même soirée : La Nuit (solo créé au Festival d’Avignon 2012), La Traversée (quatuor créé en 2014 à la Biennale de la Danse de Lyon), Sur le fil (trio créé au Festival Montpellier Danse en 2016), suivies du Cercle, (créé en 2018 au Festival de Marseille) et de La Procession (moments chorégraphiques montés en 2015 avec des amateurs, en intérieur et extérieur, au MuCEM de Marseille). En Algérie, Nacera Belaza a fondé une coopérative artistique où elle s’investit dans la transmission et la sensibilisation des publics à l’art contemporain et à la danse.

Créée au Festival de Marseille en octobre 2020, L’Onde, qui va puiser au plus profond et donne la quintessence de son imaginaire et de ses univers, reprend la route. L’espace vide fascine la chorégraphe, elle en donne quelques clés : « Un vide inattendu qui comble toutes nos attentes…, voilà ce qui pourrait être finalement mon propos, ce que j’ai poursuivi à travers toutes mes pièces, sculpter ce vide, lui donner un corps, le rendre palpable, le partager et enfin le laisser se dissoudre dans l’espace infini de nos corps. » Son langage chorégraphique, issu d’une expérience et d’une vie pluriculturelles, est fascinant.

Brigitte Rémer, Paris le 22 mai 2021

Interprètes : Nacera Belaza, Aurélie Berland, Bethany Emmerson, Magdalena Hylak, Mélodie Lasselin – Régie générale Christophe Renaud.

Jeudi 20 et vendredi 21 mai à 19h, samedi 22 mai à 18h – MC 93 Bobigny Maison de la Culture de Seine Saint-Denis, 9 boulevard Lénine, 93000 Bobigny – Métro Ligne 5 station Bobigny/Pablo Picasso – Tél. : +33 (0)1 41 60 72 72 – En partenariat avec le Festival d’Automne à Paris et Printemps de la danse Arabe à l’IMA.

En tournée : 29 juin 2021, Le Cercle, Institut du Monde Arabe, Paris – 3 au 7 juillet, L’Onde, Kunstenfestivaldesarts, Bruxelles – 21/22 juillet, La Nuit et Sur le fil, GREC Festival de Barcelone – 23 septembre, L’Onde, L’Échangeur CDCN Château-Thierry – 13,14 novembre, L’Onde, Romaeuropa Festival, Teatro India/Teatro di Roma – 15 décembre 2021, L’Onde, Arsenal/Cité musicale, Metz.

Palais royaux de Corée

Sanctuaire de Jongmyo © Seo Heon-gang

Le Centre Culturel Coréen de Paris, comme tous les lieux culturels de France, entre en convalescence et ouvre ses portes le 19 mai. Il présente, quelques jours seulement, jusqu’au 22 mai, une remarquable exposition, avant qu’elle ne parte en tournée. A ne pas rater !

Les Palais royaux de Corée invitent à une flânerie poétique entre histoire, philosophie et art. L’histoire raconte que la dynastie Joseon a régné en Corée pendant plus de cinq siècles, de 1392 à 1910, et laisse une élégante trace à travers ces Palais royaux. La construction du Palais royal principal, Gyeongbokgung débute trois ans après le début de la dynastie, quand le roi Taejo décide de déplacer la capitale de Gaegyeong (aujourd’hui Kaesong, en Corée du Nord), à Hanyang, (aujourd’hui Séoul). Situé au pied du mont granitique Bugaksan, ce premier Palais scelle l’implantation de la dynastie dans la nouvelle capitale.

En 1398, le roi Jeongjong fait marche arrière et relocalise la capitale à Gaegyeong. Elle n’y reste pas longtemps car son successeur le roi Taejong décide, en 1405, de la réimplanter à Hanyang/Séoul. Il y adjoint un palais secondaire, Changdeokgung, achevé en 1412, bien intégré à la topographie et à l’environnement. Ce palais fera souvent fonction de palais principal. En 1483, Le roi Seongjong agrandit le palais et ses alentours et lui donne pour nouveau nom Changgyeonggung. Il en fait le lieu de la résidence royale tandis que Changdeokgung devient le lieu des affaires politiques. L’ensemble forme le Palais de l’Est (Donggwol).

Détruits par l’invasion japonaise, en 1592, les trois palais de Gyeongbokgung, Changdeokgung et Changgyeonggung seront reconstruits : Changdeokgung en 1610, qui servira de palais principal. Gyeongbokgung en 1867, que le roi Gojong utilisera comme palais royal pendant presque tout son règne puis qu’il promouvra trente ans plus tard au rang de palais impérial, après la création de l’Empire Coréen et son élévation au rang d’empereur. Suite à son abdication forcée, en 1907, le palais sera re-baptisé Deoksugung.

 On entre dans l’exposition par le Palais royal principal, Gyeongbokgung, signe de la dynastie Joseon, construit à partir de 1395. La salle du trône (Geunjeongjeon) de deux étages se dresse au centre d’une vaste cour pavée, bordée de deux rangées de pierres de rang déterminant la place de chaque fonctionnaire en fonction de sa position hiérarchique. Des photos grand format contrecollées sur aluminium font découvrir l’intérieur et l’extérieur du palais (photographies de Seo Heon-gang). L’intérieur est couvert de peintures polychromes aux couleurs vives représentant tous les symboles royaux de Corée. Un peu plus loin, les images de Park Jong-woo font voyager le visiteur d’un palais à l’autre. Le photographe et réalisateur de documentaires retransmet en trois dimensions sur des murs d’images qui nous encerclent ce patrimoine, fait de douceur et de gravité.

Changdeokgung, anciennement palais secondaire, est le modèle parfait d’harmonie avec la nature. Il est inscrit au patrimoine mondial Unesco depuis 1997. Édifié en 1405 il fut reconstruit à plusieurs reprises, après différentes destructions. A l’arrière du palais se trouve un superbe jardin (Huwon) et un étang (Buyongji), à la fois lieu de détente et lieu ouvert pour l’éducation. Des pavillons en forme de lotus ont été construits, sobres et intégrés dans la nature. Deoksugung a subi de nombreux préjudices lors de l’invasion japonaise, dont la vente d’une partie de son terrain. Dans la salle du trône (Chunghwajeon) se tiennent les événements officiels et se déroulent les cérémonies. Détruit en 1904 par un incendie, le palais fut reconstruit deux ans plus tard, sur un seul étage.

Changgyeonggung, une partie du Palais de l’Est, a subi de nombreuses destructions et autant de mutations. Ses travaux de rénovation ont débuté en 1983, lui permettant de retrouver son statut de palais royal. Incendiée en 1592 et reconstruite en 1616, la salle du trône (pavillon Myeongjeongjeon) n’était pas prévue comme espace politique mais pour l’accueil des trois reines mères. Le palais Changdeokgung (rebaptisé Gyeonghuigung en 1760), qui possédait plus d’une centaine de bâtiments dont un certain nombre avaient été détruits, fut reconstruit par la ville de Séoul après une longue période de fouilles, entre 1987 et 2002.

Le sanctuaire royal de Jongmyo, le plus important du pays, qui rassemble les tablettes royales ancestrales de la période Joseon a été reconstruit en 1608. Il se compose d’un espace rituel principal et d’un espace annexe pour la préparation des cérémonies. Majestueux dans sa sobriété, le bâtiment est sans ornementation. Il est inscrit depuis 1995 sur la liste du patrimoine mondial Unesco, ainsi que le rituel royal, les musiques et les danses, dans le cadre du patrimoine immatériel de l’humanité. Une grande plateforme pavée sur laquelle un long chemin dessert les différentes salles, le sépare du monde. Sur l’image proposée, l’alignement d’une vingtaine de fenêtres éclairées dans la régularité et la répétition architecturale offre aux musiciens et danseurs un espace dédié aux cérémonies rituelles. Une photo de l’intérieur montre les officiants se préparer, dans le silence et avec une grande solennité, tous gestes suspendus.

L’exposition se termine par une belle surprise, haute en couleurs, le mariage du roi Yeongjo et de la reine Jeongsun, cérémonie dite sobre – le roi ayant perdu sa première épouse plusieurs années auparavant et ayant respecté un long deuil – extraordinaire mise en scène de la cérémonie reconstituée en figurines de papier traditionnel coréen sculpté, le Hanji. La plasticienne Yang Mi-young fabrique elle-même son Hanji à la main, une pâte de fibre de mûrier qu’elle teint de couleurs précieuses, papier qui traverse des milliers d’années sans se dégrader. Elle a passé plus de trois ans avec une équipe de six personnes pour la réalisation de ce chef d’œuvre qui comprend plus de 500 figurines de papier, hautes de vingt-cinq centimètres, formant un défilé posé sur une longue table en U : cortège de soldats tenant bannières et arbalètes, infanterie et cavalerie, carrosses tirés par des rangées de chevaux, chapeaux selon le rang. Chaque visage est travaillé et dégage une expression différente. Yang Mi-young avait été reconnue artiste de l’année en 2016, au Salon du Patrimoine.

Le protocole du mariage royal est illustré dans l’un des 297 manuscrits royaux réalisés en 1759, (Uigwe), que l’armée française avait dérobés lors d’une expédition en Corée à la fin du XIXème siècle, et qu’elle avait gardés pendant cent quarante-cinq ans. Ils lui ont été « prêtés » plutôt que restitués, il y a une dizaine d’années. Dans ce livre magique dont une copie est exposée,1299 personnes et 379 chevaux sont représentés.

L’exposition Les Palais royaux de Corée est une magnifique proposition du directeur du Centre Culturel Coréen, Hae-oung John, exposition de trésors nationaux vivement recommandée. Inauguré il y a un an dans son nouvel écrin après avoir quitté l’avenue d’Iéna, le nouveau Centre situé rue la Boétie est superbement rénové et accueillant pour découvrir la culture coréenne royale et populaire.

Brigitte Rémer, le 15 mai 2021

Reprise de l’exposition du 19 au 22 mai 2021, (initialement prévue du 16 décembre 2020 au 26 février 2021) – Centre culturel Coréen, 20 rue la Boétie, 75008. Paris – tél. : +33 (0) 1 47 20 83 86 – site : www.coree-culture.org

Palais royaux de Corée ©Centre Culturel Coréen

Figurines de papier Hanji © Centre Culturel Coréen

La Ronde

A.T. De Kaersmaeker, Boris Charmatz © Damien Meyer

Concept et chorégraphie de Boris Charmatz inspirée de La Ronde d’Arthur Schnitzler, présentée au Grand-Palais en partenariat avec la RMN – Réalisation Julien Condemine – Diffusion France 5.

Sous l’étonnante verrière du Grand-Palais, architecture de verre et de fer et avant sa fermeture pendant quatre ans de travaux, le danseur et chorégraphe Boris Charmatz a reçu carte blanche de la Réunion des Musées Nationaux pour la réalisation d’un événement de clôture.

Sa réflexion s’était engagée avant la pandémie, il avait pensé la grande nef – de deux cent quarante mètres de long – avec quatre cents performeurs. Le covid-19 étant passé par là, il a commencé à rêver autrement, prenant le contrepied de son projet initial. L’idée du duo, archétype de la danse s’il en est, s’est imposée à lui. Vingt duos avec vingt artistes issus de langages corporels divers allant de l’opéra au contemporain, principalement danseurs mais aussi acteurs et musiciens, se sont succédé comme en canon mais sur différents motifs, repris en boucle quatre fois. Présentée sans public le 16 janvier 2021 et filmée du petit matin à la nuit, la performance s’est étirée sur douze heures. Elle mêle l’intime au grandiose du lieu. « Ce que j’aime avec ce projet, c’est que les échos, les correspondances qui se créent entre passé et présent se transforment sans cesse » dit-il.

Le spectacle s’inspire de la pièce de l’auteur autrichien Arthur Schnitzler, La Ronde, constituée de dix brefs dialogues entre deux personnages, sur la sexualité et le plaisir. La règle fait que chaque personnage devient maillon d’une grande chaîne et se retrouve dans deux scènes successives avec changement de partenaires, à la manière des danses populaires. Boris Charmatz lance sur cette immense piste du Grand-Palais la ronde des duos dans une sorte de simultanéité-continuité en un jeu de miroirs. Écrite en 1897 et publiée en 1903, La Ronde répond au Grand-Palais, érigé à la même époque – en 1900, pour l’Exposition Universelle – et conçu de manière éphémère.

Pieds nus sur le béton les duos apparaissent des différents angles de l’édifice et s’enchaînent en fondu enchaîné, mêlant le geste chorégraphique au rythme du bâtiment. L’un des danseurs reste, un nouveau partenaire s’avance, l’autre s’en va. Les éblouissantes prises de vues vont chercher loin les danseurs, et captent des visages en gros plan au plus près du souffle. A d’autres moments elles donnent à voir des images prises en survol à partir de hautes grues qui suivent l’évolution de la lumière, du jour qui se lève puis décline jusqu’à la nuit, laissant passer par la verrière les réverbérations de Paris. Dans cette recherche d’une nouvelle écriture du lieu, Boris Charmatz utilise certaines citations de ses propres chorégraphies ainsi que celles d’autres chorégraphes qui viennent se fondre dans l’ensemble. Ainsi un extrait de sa pièce Herses créée en 1997, qu’il réinterprète en ouverture avec la performeuse berlinoise Johanna Elisa Lemke, corps à corps dénudé où « l’un est le sol de l’autre », sculptures en mouvement d’une grande intensité.

Suivent sans discontinuité, en flux et reflux, des duos de styles et compositions musicales libres et hybrides, formant un vaste puzzle. Ainsi deux femmes vêtues d’un pantalon or pour l’une, argent pour l’autre, prennent possession de l’espace qu’elles parcourent de leur belle énergie. De loin, un acteur de la compagnie L’Oiseau-mouche portant un tee-shirt jaune, observe. Une danseuse vient à sa rencontre et tous deux jouent de mimétisme, de recherche d’appui et d’équilibre tels des albatros aux ailes importunes. La complicité naît à travers un mouvement plein de gaieté. Deux acteurs (Florian Spiry et Clément Delliaux) s’avancent sur une psalmodie, traçant de vigoureux mouvements. Un duo énergétique s’en donne à cœur joie (Marlène Saldana, égérie de Christophe Honoré dans Les Idoles, et le danseur américain Franck Willens). Une citation de la pièce de Schnitzler ainsi qu’un passage du film Amour de Mickaël Haeneke (porté par deux acteurs flamands, Sigrid Vinks et Johan Leysen) sont esquissés, suivis d’un extrait du célèbre Café Müller de Pina Bausch (Sigrid Vinks et Axel Ibot). Danseur de l’Opéra de Paris, Axel Ibot danse un extrait du Don Quichotte de Rudolf Noureev avec Letizia Galloni, de l’Opéra de Paris aussi, avant d’évoquer ensemble, baskets aux pieds, l’univers de William Forsythe.

Succède à ce duo classique un duo de krump, une danse urbaine énervée (portée par Soa Ratsifandrihana et Djino Alolo Sabin). Un cornettiste en costume (Médéric Collignon) fait résonner son instrument dans la nef et réanime le danseur étendu au sol (Boris Charmatz). Suit un duo entre les deux où les corps se désarticulent. La voix et le cri se substituent au cornet pour le duo qui s’avance, avec le danseur Samuel Lefeuvre. Quelques lazzis parfois font contrepoints, ainsi cet arlequin jaune et mauve comme un oiseau des îles, sorte de fou dans la nef ou Nef des fous à la Jérôme Bosch. Les danseurs tournent sur eux-mêmes. Arlequin monte le grand escalier, le cornet sonne. François Chaignaud, performer singulier, glisse sur pointes et Salia Sanou, paraît dans un duo entre dérision et surréalisme. Soa Ratsifandrihana retrouve Anne Teresa De Keersmaeker, pour la reprise de sa chorégraphie Fase, créée en 1982 sur la musique de Steve Reich, une spirale qui n’en finit pas, qui accélère puis décélère.

Boris Charmatz et Anne Teresa De Kaersmaeker s’étaient rencontrés en 2011 au Festival d’Avignon, une rencontre forte autour des manières de penser les spectacles et l’espace. Elle, portant une combinaison noire, lui jean et tee shirt blanc, calligraphient de leurs corps, de leurs sauts et lancements de bras, les Suites de Bach, au violoncelle. Ils s’approchent puis s’éloignent, lui, marche sur son ombre, elle, le suit. Lui, tourne sur lui-même au sol, comme un cadran solaire, elle, pivote à la verticale. Puis Anne Teresa De Kaersmaeker sort et Emmanuelle Huynh s’avance pour un duo avec Boris Charmatz avec qui elle a souvent dansé. Un grand silence se fait avant que ne monte très doucement et venant de loin, le Boléro de Ravel, au début à peine perceptible. Tous deux rendent hommage à Odile Duboc en présentant un extrait de Trois Boléros qu’elle avait chorégraphiés en 1996. La musique les enveloppe, les submerge (son, Olivier Renouf). Quand Emmanuelle Huynh et Raphaëlle Delaunay se glissent dans la danse sociale africaine-américaine des années 1920 à Harlem, le poids de l’une pèse sur l’autre et vice versa. La pénombre permet les jeux d’ombre, les portes se projettent en découpe, comme une fine dentelle (lumières Yves Godin). Le chant de la flûte monte comme dans le silence du désert, l’étoile du berger les éclaire. Solitude, simplicité, méditation, onirisme, magie, toutes ces émotions, de l’autre côté de l’écran, nous traversent. L’une porte l’autre et monte les escaliers. Puis tout s’éteint. Pour le final, les artistes se regroupent dans la nef et applaudissent.

Cette méditation pour architecture de fer et de verre, duos et ronde, est un moment exceptionnel qui témoigne de la créativité du maître d’œuvre, Boris Charmatz. Formé à l’école de danse de l’Opéra de Paris puis au Conservatoire de Lyon, ex-directeur du Centre national chorégraphique de Rennes, qu’il baptise Musée de la Danse, il vit à Bruxelles et travaille notamment avec Charleroi Danse. Charmatz aime les lieux improbables dont les places publiques des grands musées (Louvre, Tate Modern de Londres, Moma de New-York) et les aventures singulières. Artiste associé du Festival d’Avignon 2011, il avait créé dans la Cour d’Honneur du Palais des Papes Enfant, une pièce pour vingt-six enfants et neuf danseurs, puis en 2017, la pièce 10 000 gestes sur un concept de gestes uniques dont le principe est de ne jamais se répéter.

En 2018, Boris Charmatz fonde une nouvelle entité, [terrain], associée à plusieurs structures des Hauts-de-France : Opéra de Lille, Phénix de Valenciennes, maison de la Culture d’Amiens. Il s’inscrit dans ce qu’on appelle la non-danse et s’en explique en plaçant le débat du côté de la philosophie, défendant une danse qui pose des questions. Danser est pour lui une forme de résistance et la danse « une fenêtre grande ouverte. » A la question : « qu’est-ce qu’on met à l’intérieur du mouvement ? » sa réponse vient aussitôt : « la danse c’est un espace mental, un duo infini. »

La Ronde de Boris Charmatz fut filmée le 16 janvier 2021 à huis clos pour raison de pandémie, suite à des temps de travail qui imposaient aux artistes un test covid-19 quotidien. « La distanciation physique c’est l’inverse de la danse, comme le dit le chorégraphe. La crise touche à l’essence de ce qui fait la danse, le contact. » Tous ici ont accepté l’aventure collective et éphémère où énergie, enivrements, ludique, intensité, accélération et suspension, forment la trame du dialogue avec un Grand-Palais en majesté. Le défi était de taille dans la diversité des styles et l’hétérogénéité des artistes. C’est un pari gagné. La danse est forte, sensuelle, et les courses folles s’harmonisent à la dimension du lieu.

Par la caméra virtuose de Julien Condemine une formidable méditation sur les temps que nous traversons, est offerte, dans un bâtiment lui-même traversé par le temps. Juste avant la retransmission du spectacle, ce 12 mars, France 5 diffusait le film documentaire de Claire Duguet et Sophie Kovess-Brun, Boris Charmatz face au Grand-Palais montrant de manière tout aussi intéressante les étapes de la conception du spectacle. Une soirée d’une grande intensité par écran interposé, pour public orphelin.

Brigitte Rémer, le 8 mai 2021

Johanna Elisa Lemke, Boris Charmatz © Laurent Philippe

Letizia Galloni, Axel Ibot © Damien Meyer

 

 

 

 

 

 

Interprétation : Djino Alolo Sabin – François Chaignaud – Boris Charmatz – Médéric Collignon – Anne Teresa De Keersmaeker – Raphaëlle Delaunay – Clément Delliaux/Compagnie de L’Oiseau-Mouche – Letizia Galloni/danseuse du Ballet de l’Opéra National de Paris – Emmanuelle Huynh – Axel Ibot/ danseur du Ballet de l’Opéra National de Paris – Samuel Lefeuvre – Johan Leysen – Johanna Elisa Lemke – Soa Ratsifandrihana – Marlène Saldana – Salia Sanou – Florian Spiry/ Compagnie de L’Oiseau-Mouche – Asha Thomas – Sigrid Vinks – Frank Willens

Conception, Boris Charmatz – Assistante chorégraphique, Magali Caillet-Gajan  – Lumières, Yves Godin – Son, Olivier Renouf – Directeur technique, Erik Houllier – Régie générale, Fabrice Le Fur assisté de François Aubry – Régie son, Perig Menez – Régie lumières, Nicolas Marc – Événement filmé le 16 janvier 2021 – Diffusion France 5/émission Passage des arts/ Claire Chazal, le 12 mars 2021- Coproduction RMN Grand Palais, Festival d’Automne à Paris, le Phénix scène nationale pôle européen de création et NEXT Festival, la Compagnie de L’Oiseau-Mouche. Action financée par la Région Île-de-France et soutenue par le ministère de la Culture.

 

 

El-Warsha Théâtre, lutte pour la survie

Les Oiseaux du Fayoum © Nabil Boutros

Lettre ouverte, transmise par Hassan El-Geretly, metteur en scène et directeur de la troupe El-Warsha Théâtre, au Caire :

À mes collègues artistes et directeurs.trices de théâtre, de France et d’ailleurs,

Depuis trente-cinq ans, El-Warsha ne s’est pas contenté d’être une simple réplique de la culture occidentale, même si celle-ci l’a nourrie dans la seconde moitié du XXème siècle et que, par les grands textes qu’elle s’est appropriés, elle a construit son identité propre. La troupe a travaillé la langue vernaculaire et développé des formes scéniques puisant dans les cultures ancestrales que sont le conte, la Geste Hilalienne, le chant et la variété des formes musicales d’Égypte et du Moyen-Orient, les arts du bâton qu’on trouve déjà représentés dans les tombes de la vallée du Nil, les marionnettes. L’éducation artistique et le travail social développé avec les jeunes, dans les villages de Moyenne-Égypte en partenariat avec les centres culturels locaux et régionaux ainsi que la transmission aux jeunes générations d’artistes, sont aussi au centre de notre action.

Confrontés à une diminution drastique des subsides de la part des centres culturels étrangers, des fondations internationales et des organisations intergouvernementales, ainsi qu’à l’annulation des tournées à l’étranger, notamment en France, nous nous trouvons aujourd’hui au bord du vide. Comment exister sans volonté politique de la part des pouvoirs publics ? C’est tout simplement impossible, vous, en France, êtes bien placés pour le savoir.

Si je lance cette bouteille à la mer pour attirer votre attention sur la situation de la troupe, c’est dans un esprit de solidarité et pour créer une dynamique autour d’un mouvement qui commence à se dessiner dans mon pays, celui des compagnies indépendantes avec toute leur vitalité – nombre de jeunes aujourd’hui s’y risquent – mais qui se trouve tragiquement suspendu dans sa course. Le théâtre en Égypte se doit d’être soit commercial, soit soumis aux pouvoirs publics dans un rapport de dépendance, il n’existe aucun entre-deux. Ce rôle de garde-fou rempli par les pouvoirs publics en France, et qui permet le développement de la création et de l’innovation artistique ainsi que la reconnaissance du travail accompli, est chez nous totalement absent.

Pour que El-Warsha puisse poursuivre sa route, toute collaboration, partenariat et /ou diffusion dans l’un de vos théâtres ou festivals nous serait précieux, même si, compte tenu de la pandémie, j’ai conscience que la situation des institutions théâtrales françaises, a sa part de difficulté. Dans tous les cas, je me réjouirais d’échanger avec vous sur ces sujets car, selon moi, il serait plus dangereux de laisser ces questions dans le silence.

En vous remerciant de votre attention et vous adressant mes salutations distinguées et cordiales.

Hassan El-Geretly / e-mail : hgeretly@hotmail.com

Zawaya © Nabil Boutros.

Cf. « Al-Ahram Hebdo » 17-23 février 2021 – Article de Nevine Lameï, El-Warsha lutte pour la survie – http://hebdo.ahram.org.eg/NewsContent/0/5/25/34167/ElWarsha-lutte-pour-la-survie.aspx