Saison sèche

© Christophe Raynaud de Lage

Dramaturgie et mise en scène Phia Ménard et Jean-Luc Beaujault, Compagnie Non Nova, à la MC93 Bobigny, en partenariat avec le Théâtre de la Ville/Paris.

Un prologue ouvre le spectacle en la personne de Phia Ménard, ange annonciateur qui se présente à l’avant-scène avant l’ouverture du rideau, pour lancer au public une drôle d’apostrophe : « Je te claque la chatte. » Nous ne sommes pas chez Léonard de Vinci et elle repart aussi naturellement qu’elle est venue. Comme dans l’avertissement précédant le film documentaire de Jean Rouch, Les Maîtres-fous, dont elle se sent proche, Phia Ménard pourrait ajouter : « Sans concession ni dissimulation. » Une saison en enfer incontestablement se prépare.

Une première séquence plaque au sol comme des insectes qui craignent la lumière, les sept danseuses, au fond d’une boîte blanche dont le plafond monte et descend. Au fil des séquences ce volume se transforme jusqu’à devenir une grande nef, illusion, folie ? Nues sous leurs courtes chemises, elles pourraient être crapauds ou cafards, impressionnent par leurs sursauts. La notion d’enfermement prédomine. Dans la seconde séquence les chemises s’envolent. Dénudées, les danseuses font cercle et se maquillent le visage et le sexe, chacune est une couleur : rouge, vert, bleu, marron, rose, gris, blanc ; certaines se griment d’une moustache évocatrice, toutes se barrent les seins d’un trait de peinture significatif. La dynamique et les mouvements qui suivent sont d’ensemble, elles frappent le sol des pieds et scandent le tempo. Quelques tableaux s’ébauchent, furtivement, l’image d’un Christ en croix entouré de pleureuses. Parfois l’une ou l’autre se détache du groupe pour une performance dansée.

La séquence suivante introduit un rituel de prise d’habit et de possession. Chaque danseuse récupère un cintre sur lequel repose son vêtement. Elles s’habillent, chacune à son rythme et à sa manière. Chaque femme devient homme et personnage, au masculin. Glissement de genre : le sportif, le curé, le pompier, le chef des pompes funèbres ou chef d’orchestre en smoking noir. Une interaction se crée entre les personnages, artifice de salutations selon clichés ambiants et rituel du milieu qu’il représente : on se serre la main, on se congratule et on s’encourage en se tapant le dos, on bénit. Le plafond blanc monte, le tapis, d’immaculé, a des trainées de couleurs. L’imaginaire et le concret se côtoient, entre Boccace et Dante, de l’érotisme égrillard au tragique, des visions aux rêves sacrificiels. Dans la mécanique de provocation, les déesses infernales tout droit sorties du Décaméron, s’avalent et se digèrent entre gestes amoureux et actions persécutrices, sur fond de musiques répétitives et lancinantes aux forts décibels.

Suit une séquence militaire réglée au cordeau, avec rangée de bottes et uniformes. Les danseuses se déplacent en ligne, à la Soviet, du fond de scène à l’avant-scène, avant, arrière, diagonale, retour, pivot pour inverser le sens, regards dans la même direction. On se croirait dans une conscription ou une cour de prison. Le pas est rectiligne, sans chaloupe, le décor a perdu ses murs blancs devenus gris et sont couverts de meurtrières. Lumières, aveuglements et montée militaire au paroxysme avant disparition et silence inquiétant.

Pris d’hallucinations, le public constate l’apparition de tâches sur les murs, qui s’élargissent et gonflent petit à petit, l’humidité gagne. De l’arrière de la structure aux murs de papier sortent des bras comme des sémaphores, ou comme des termites détruisant les façades les unes après les autres. Un liquide semblable à la poix sort des archères de manière continue, envahit le plateau et laisse comme une ville détruite. Vision de désolation, de guerre et d’abandon, quartier de Homs ou Bataclan après tuerie, sur fond de chanson douce, contrepoint que Phia Ménard, artiste inclassable apporte (cf. UC article sur Les Os noirs du 21 avril 2018) à travers sa vision-sombre-forêt née de son itinéraire. « Je me suis allongé dans la boue. Je me suis séché à l’air du crime. Et j’ai joué de bons tours à la folie » dirait Rimbaud.

Brigitte Rémer, le 17 janvier 2019

Création et interprétation Marion Blondeau, Anna Gaïotti, Elise Legros, Phia Ménard, Marion Parpirolles, Marlène Rostaing, Jeanne Vallauri, Amandine Vandroth – composition sonore et régie son Ivan Roussel – création lumière Laïs Foulc – régie lumière Olivier Tessier – régie générale de création Benoît Desnos – régie plateau Benoît Desnos, Mateo Provost, Rodolphe Thibaud – scénographie Phia Ménard – construction décor et accessoires Philippe Ragot – costumes et accessoires Fabrice Ilia Leroy – photographies Jean-Luc Beaujault – régisseur général Olivier Gicquiaud et l’équipe technique de la MC93.

Du 10 au 13 janvier 2019, MC93 Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis/Bobigny, 9 Bd Lénine –  Métro : Bobigny-Pablo Picasso – Tél. : 01 41 60 72 72 – Site www.MC93.com

 

2147, et si l’Afrique disparaissait ?

© Guy Delahaye

Conception et mise en scène Moïse Touré – chorégraphie Jean-Claude Gallotta – musique originale Rokia Traoré, Fousco et Djénéba – compagnie Les Inachevés/L’Académie des savoirs et des pratiques artistiques partagées – au Tarmac/la scène internationale francophone.

Moïse Touré œuvre depuis plus de trente ans à Grenoble où il crée en 1984 sa compagnie, Les Inachevés. Né en Côte d’Ivoire, il prend très vite les chemins multiculturels de la création au sein du quartier de la Villeneuve alors quartier pilote, conçu dans les années 70/80 comme un laboratoire social. Puis il sillonne le monde et crée des collaborations artistiques qui le mènent sur tous les continents. Il est un temps artiste associé à la scène nationale de Guadeloupe, travaille du local au global et dans les langues originales des régions et pays traversés. Il est aussi un passeur de textes et fait connaître autour de lui Duras, Sartre, Koltès, Le Clézio, Racine, qu’il met en scène en bambara, arabe dialectal, espagnol, berbère, créole, portugais, japonais. En 2012, il crée L’Académie des savoirs et des pratiques artistiques partagées avec, pour acte fondateur, la mise en œuvre d’une Trilogie pour un dialogue des continent Europe, Afrique, Asie. Autant dire qu’il est à la bonne place pour parler de l’Afrique sans démagogie, et donner sa lecture de l’Histoire, par la musique, le théâtre et la danse. La force de vie qui se dégage du plateau parle, à elle seule. « Nous sommes les hommes de la danse, dont les pieds reprennent vigueur en frappant le sol dur » écrivait Senghor dans Prière aux masques.

Avec 2147, et si l’Afrique disparaissait ? Moïse Touré interroge l’avenir de l’Afrique. Ce travail fait suite à 2147 l’Afrique, qu’il avait créé en 2004 à Bamako. Il questionnait alors la notion de développement, suite à un Rapport de l’ONU qu’il jugeait déplacé car il posait 2147 comme date-marqueur vers le début de la diminution de la pauvreté, sur le continent africain. Avec l’énergie de la colère, Moïse Touré faisait vivre l’Afrique sur scène – avec Jean-Claude Gallotta comme chorégraphe, déjà – et donnait aux peuples africains la parole et les pleins pouvoirs pour se réaliser et prendre leurs destins en mains. Ce second volet, 2147, et si l’Afrique disparaissait ? poursuit la métaphore par des textes commandés à différents auteurs d’Afrique et de France, par la musique de Rokia Traoré qui apporte une belle énergie, par la chorégraphie de Jean-Claude Gallotta sensuelle, ironique et bien vivante, portée par neuf danseurs la plupart africains. La question de l’humanité est au cœur du projet. A la question « Comment sauver l’Afrique et la voir autrement » les auteurs répondent : « La laisser décider. »

Le titre des séquences s’inscrit sur écran et relève de forts écarts de température dans ce voyage emblématique, qui mêle réalité et onirisme : Sur le bateau – 25°, il y a de la neige à l’arrivée en France ; Dans le couloir du temps – 4° ; Intérieur soir/ température 37° ; Le chant du ciel – 42°. 2147, et si l’Afrique disparaissait ? est un conte philosophique et poétique. Le bateau est comme un pays, toutes les communautés s’y retrouvent, « tout le monde » scande le texte. Les villes d’origine s’égrènent dans les langues locales, les destins personnels se succèdent et se mêlent : « j’habite… J’habitais… » Certaines dates de l’Histoire inscrivent le nom de personnalités tuées par leurs frères : Lumumba, Sankara, Ben Barka… Le texte se répartit comme dans un chœur. Le coryphée-conteur ouvre le spectacle par ces mots-manifestes : « Nous sommes chair. » Le masque géant porté sur les épaules étroites d’une actrice-danseuse traduit l’étendue de la dépression. « Je voudrais être le futur… » Les textes s’enchaînent, chacun dans son style et dans la diversité des écritures, tous dans la générosité.  « Le temps est-il épuisé ? » questionnent-ils. Ils montrent du doigt, évoquent la colonisation, parlent de globalisation et d’exil, d’identité. « On n’a rien. On a la rue. » L’inquiétude se traduit par l’énergie et le geste chorégraphique, par le plaisir qu’ont les danseurs à s’inventer et à se rencontrer.

Il y a la lutte et le combat entre deux hommes ; l’intervention en Fon, langue du Bénin… « Ma grand-mère… » Elle rit, il conte, accompagné de la guitare ; il y a la savoureuse séquence sur le ketchup, version Ya bon Banania nœud papillon souliers vernis, et le trophée de la libre entreprise ; il y a la toute-puissance de l’Empereur drapé dans un magnifique manteau qui le rend intouchable, réalisé par le plasticien Abdoulaye Konaté ; il y a la chanteuse en version originale dialoguant avec la danseuse-actrice sur le ton du conflit des générations et les imprécations ; il y a différents langages scéniques au fil des séquences dans un clair-obscur bleuté, et des images vidéo qui témoignent de décors-paysages ; il y a une scénographie sobre où se juxtaposent espaces et déserts, où les duos dansés dialoguent devant un tulle noir ; il y a de magnifiques mouvements d’ensemble, couleurs, rythmes et chants entre cultures traditionnelles et grammaire de la danse contemporaine amenée par Jean-Claude Gallota ; il y a les voix qui racontent et qui chantent, les questions et apostrophes qui fusent : « Que voulez-vous faire… ? Quelle société voulez-vous… ? Comment habiter le monde… ? »

2147, et si l’Afrique disparaissait, ressemble à une lettre postée par Senghor – comme dans Poème à mon frère blanc – pleine de vérité et d’humour : « Cher frère blanc, Quand je suis né, j’étais noir. Quand j’ai grandi, j’étais noir. Quand je suis au soleil, je suis noir. Quand je suis malade, je suis noir. Quand je mourrai, je serai noir. Tandis que toi, homme blanc, quand tu es né, tu étais rose. Quand tu as grandi, tu étais blanc. Quand tu vas au soleil, tu es rouge. Quand tu as froid, tu es bleu. Quand tu as peur, tu es vert. Quand tu es malade, tu es jaune. Quand tu mourras, tu seras gris. Alors, de nous deux, Qui est l’homme de couleur ? » La suite du projet chorégraphique prend la forme d’un échange intitulé Génération 2147 à partir d’un dialogue  artistique et poétique entre les jeunes de l’Isère (Pont en Royans) et la jeunesse africaine du Sénégal (Région de Saint-Louis), déterminé et prometteur.

Brigitte Rémer, le 15 janvier 2019

Avec : Richard Adossou, Ange Aoussou Dettmann, Cindy Émélie, Djénéba Kouyaté, Ximena Figueroa, Romual Kaboré, Jean-Paul Méhansio, Fousco Sissoko, Charles Wattara, Paul Zoungrana – Auteurs de la commande d’écriture : Odile Sankara et Aristide Tarnagda / Burkina Faso, Fatou Sy / Côte d’Ivoire, Dieudonné Niangouna / Congo, Alain Béhar, Claude-Henri Buffard, Jacques Serena et Hubert Colas / France  – dramaturgie Claude-Henri Buffard – musique originale Rokia Traoré, Fousco et Djénéba – costumes Solène Fourt – création costume  de mage Abdoulaye Konaté – scénographie Léa Gadbois Lamer, Moïse Touré – création lumière Rémi Lamotte – régie générale et régie lumière Fabien Sanchez – création sonore, régie son et vidéo Jean-Louis Imbert – régie plateau Nicolas Anastassiou – création masque Lise Crétiaux – assistant à la mise en scène Bintou Sombié – assistant à la chorégraphie, répétitrice Ximena Figueroa – création vidéo Maxime Dos – images Agnès Quillet – Avec la voix de Stanislas Nordey.

Du 9 au 11 janvier 2019 – au Tarmac/la scène internationale francophone, 159 avenue Gambetta, 75020, Paris – Métro : Pelleport – Tél. : 01 43 64 80 80 – www.letarmac.fr – En tournée : 15 et 16 janvier Espace Malraux, scène nationale – 22 au 25 janvier MC2/Grenoble scène nationale.

Réinventer le Patrimoine – Enregistrer le présent

© Brigitte Rémer – Passage Kodak, Le Caire

La seconde édition de La Fabrique de la ville durable s’est tenue les 13,14 et 15 décembre 2018 à l’Institut Français d’Égypte – Le Caire/Mounira.

Une première édition avait réuni en 2017 les partenaires institutionnels investis dans le domaine de la gouvernance urbaine et des patrimoines architecturaux. Pour faire le lien et en écho à cette édition, la rencontre 2018 a débuté par la projection d’un film-reportage retraçant les objectifs et stratégies d’une réflexion voulue pérenne sur La Fabrique de la ville durable. Une belle idée permettant de sédimenter les interventions et les réflexions qui, l’année précédente, avaient lancé le colloque et qui d’année en année, enrichiront le débat.

L’édition 2018 met le projecteur sur les archives du présent et rassemble chercheurs, acteurs culturels et artistes impliqués dans la question des patrimoines culturels urbains, matériels et immatériels, d’Égypte et de France. Au-delà de l’architecture, elle interroge différentes disciplines telles que musique, photographie, littérature, cinéma, théâtre et cultures populaires en trois étapes : Réinventer la ville – Réinventer les patrimoines – Enregistrer le présent.

On découvre dans le premier volet du colloque, Réinventer la ville, deux quartiers du Caire, Hattaba et Maspéro, dans lesquels le collectif 10 tooba rassemblé par Ahmed Zaazaa, architecte et urbaniste, conduit des recherches appliquées sur la ville et l’habitat. Dans une ville de plus de vingt millions d’habitants, sans réelle infrastructure ni investissement pour la réhabilitation des quartiers anciens, le constat est sévère : 70% de l’habitat est formé de quartiers informels, la spéculation bat son plein et repousse les terres agricoles au profit de villes nouvelles périphériques, la question des transports est aiguë. Dans ces conditions, toute tentative et proposition en vue de développer des activités culturelles, apporte un peu d’oxygène. Marie Piessat, jeune doctorante en géographie de l’Université Lyon 3 et auprès du CEDEJ, centre d’études et de documentation économiques, juridiques et sociales, observe de son côté les toits terrasses, au sommet des immeubles du Caire. L’enquête qu’elle mène révèle les pratiques urbaines et montre que ces toits – qui véhiculent une mauvaise image – sont des espaces de liberté, comme le décrivent les auteurs emblématiques de la littérature égyptienne, Naguib Mahfouz et Alaa Al Aswany dans lesquels elle puise. Le coordinateur des programmes de Mahatat, entreprise culturelle et sociale fondée en 2011 au Caire, Hussein Mohamed, présente ensuite la philosophie du travail mené et les pratiques artistiques que l’association met en place. La réinvention des espaces publics, à Port-Saïd et dans le Gouvernorat du Delta, est au cœur du sujet, à partir de la consultation des habitants et de l’analyse des besoins.

En vis-à-vis, deux expériences françaises sont présentées, deux projets singuliers basés sur des interactions et partenariats : la première, Yes we camp, une plateforme de projets urbains, dont témoignent Leïla Mougas et Arthur Poisson. Ils dessinent les territoires sur lesquels ils interviennent et qu’ils occupent temporairement, comme les Grands Voisins à Paris, situés sur le site de l’ancien hôpital Saint-Vincent de Paul et plusieurs autres sites, à Marseille. Ils y réalisent un travail social avec l’association Aurore chargée de l’accueil des migrants, un travail culturel et économique avec Plateaux Urbains. Les différents projets en cours de réalisation, élaborés et mis en oeuvre en synergie avec ce collectif d’associations, déploie des trésors d’invention dans le passage à l’action. Ils partagent leur système d’organisation, qu’ils aimeraient modéliser. La seconde expérience, un travail de création sonore réalisé à Paris et en Ile-de-France par Simon Pochet et le collectif Mu, bureau chargé de production artistique auquel il est artiste associé, plonge dans l’innovation technologique et les outils numériques développés en parlant de web radio, de Fab-lab, de compositions sonores et de parcours artistiques réalisés notamment avec des élèves de la Goutte d’or à Paris, s’interrogeant sur les évolutions de leur quartier. Les projets du collectif Mu sont multiples et se nomment entre autres La Station-Gare des Mines laboratoire consacré aux scènes artistiques émergentes, Magnétique Nord 3 une sorte de festival et lieu de réflexion et d’expérimentation, Soundways, une application pour mobiles.

Le second volet du colloque, sur le thème Réinventer les patrimoines, s’inscrit dans plusieurs directions : tout d’abord celle du patrimoine bâti. Mohamed Elsahed, historien d’architecture et commissaire d’exposition signe l’exposition présentée à l’Institut Français sur le thème « Le Caire depuis 1900. Enregistrer l’architecture d’une ville qui disparaît » à partir des images de son récit sur l’architecture dont la publication, à visée de sensibilisation, est prévue en mai prochain. Mercédès Volait, directrice de recherche au CNRS et du laboratoire InVisu de l’Institut national d’histoire de l’art à Paris, qui connaît bien l’Égypte, s’interroge sur le thème Restituer et transmettre une mémoire visuelle du Caire moderne, au-delà des poncifs. Elle met en relation des photographies et documents de photographes comme Beniamino Facchinelli au début du XIXème, de collectionneurs comme Max Karkégi au XXème, de producteurs comme Richard Mosseri, qui permettent de reconstruire une histoire de la ville. La responsable de la bibliothèque de l’Institut français d’archéologie orientale au Caire (IFAO), Agnès Macquin, parle du projet international de numérisation et d’éditorialisation de documents traitant des relations de la France avec le Moyen-Orient, intitulé Bibliothèques d’Orient. En lien avec la Bibliothèque nationale de France, cette base de données consultable en trilingue – arabe, français, anglais – rassemble près de sept mille documents.

Autres directions de ce second volet, le cinéma, le théâtre et la musique. Pour le cinéma, Marianne Khoury, cinéaste et productrice, co-gérante de Misr International Films parle de la préservation et de la numérisation des archives Youssef Chahine, patrimoine familial dont une partie est actuellement exposée à la Cinémathèque de Paris – notes, cahiers, photos, découpages -. Elle présente, à l’occasion du dixième anniversaire de la disparition du réalisateur, une création musicale sur les vingt premières minutes de son film Gare Centrale avec le Trio Nerda et Z3ro feat, avant de projeter le film dans son intégralité. Pour le théâtre j’avais l’honneur de présenter la philosophie et le travail de la première troupe indépendante d’Égypte, El Warsha Théâtre, fondée en 1987 par Hassan El Geretly, démarche artistique que j’observe depuis une douzaine d’années. Son langage théâtral multiforme et ses sources d’inspiration multiples, viennent tant de l’énergie de la rue que des différentes strates de l’art populaire et traditionnel égyptien, tout en étant d’une grande modernité. Pour la musique, Louis Davis Brozetti a raconté l’odyssée de la mythique Columbia Phonograph Company, fondée en 1888 aux Étas-Unis et qui s’est développée à Athènes dans les années 1930, donnant une fabuleuse dynamique à la diffusion des musiques grecque, africaine et arabe. Il pose la question : faut-il restaurer cette emblématique maison de gravage, mixage, pressage de vinyles, de recherche en art de la pochette, et en faire un musée ? Enfin le compositeur de musique classique contemporaine arabe et chercheur en musicologie, Mustafa Saïd, grand joueur de oud, a parlé de sa démarche et de ses recherches musicales avec l’Ensemble for Arab Classical Contemporary Music/ASIL qu’il a fondé en 2003 et de son travail dans le cadre de la Foundation for Arab Music Archiving and Research/AMAR, fondation libanaise dont il est directeur artistique, spécialisée dans la conservation et la diffusion de la musique arabe traditionnelle (voir UC du 5 janvier 2019). L’enregistrement entraine-t-il toujours une perte d’identité, lance-t-il ?

Le troisième volet du colloque, Enregistrer le présent, s’est déroulé hors-les-murs, à Townhouse Rawabet : Omar Nagati, directeur de Cluster a parlé de méthodes alternatives pour imaginer la ville et présenté ses travaux de recherche. Au Caire, avec son équipe, il a réaménagé plusieurs passages du centre-ville et notamment le Passage Kodak. A Beyrouth et Amman il a créé une plateforme de partage des ressources, catalogue en réseau de bibliothèques et centres de ressources sur les villes. Dia Hamed et Mai Elwakil ont présenté leur travail au sein de Medrar.TV archives numériques des scènes artistiques contemporaines du Caire, et évoqué la problématique des droits. Mariam El Nazahy a parlé d’éthique et de protection des archives à travers le projet Open Index qui vise à numériser et diffuser les archives de la galerie Townhouse. D’autres démarches, personnelles ou collectives, de préservation de la mémoire ont été présentées dont le travail du CIC, Contemporary Image Collective par Andrea Thal, qui lie l’archivage et la programmation et qui parle de l’impossible neutralité des archives ; dont le travail de recherche mené par Ahmed Shawky Hassan sur La naissance de l’art vidéo en Égypte ; dont le roman de Omar R. Hamilton, La ville gagne toujours sur la révolution égyptienne de 2011, qui a obtenu en 2018 le Prix de la littérature arabe décerné par l’Institut du Monde Arabe, à Paris. Ont aussi été présentées une Performance de Alaa Abdelhamid autour des écrits sur les arts du philosophe et écrivain Abbas Mahmoud Akkad, ainsi qu’une lecture théâtrale menée par Duncan Evennou, Lancelot Hameli et Benoît Verjat, Les rêves du Caire, à partir des récits qu’ils ont collectés auprès de diverses communautés de la ville et qui s’inscrivent dans un work in progress.

Cette seconde édition de La Fabrique de la ville durable qui met en relation deux termes pouvant paraître antinomiques, Réinventer le Patrimoine – Enregistrer le présent, apporte un matériau d’une grande richesse. Elle a permis une confrontation d’expériences et de points de vue sur le patrimoine culturel, à partir de géographies différentes – l’Égypte et la France notamment – et à partir de formations et métiers diversifiés, mêlant architectes, concepteurs de projets culturels, artistes et chercheurs. Suivie d’un échange avec le public, chaque séquence a donné du grain à moudre et ouvert le champ de la connaissance. Chapeau bas au programmateur et modérateur de l’ensemble, David Ruffel, Attaché pour le livre à l’Institut Français d’Égypte et à son équipe, qui ont mis en œuvre ces fructueuses rencontres sous l’égide du Conseiller culturel, Mohamed Bouabdallah et de l’Attachée culturelle, Marine Debliquis.

« A la vitesse du météore se propage une rumeur selon laquelle l’État va démolir le monastère dans le cadre d’un projet d’équipements publics. En une seconde, la nouvelle devient le sujet des conversations dans les maisons, les échoppes, les magasins publics, les fumeries, la taverne et les terrains vagues… Il n’y a de verdure et de fleurs que dans le monastère… » décrit le Prix Nobel de Littérature, Naguib Mahfouz, dans les Récits de notre quartier publiés en 1975, et qui donnent les contours du microcosme où il vit, le quartier Gammaleya au Caire, au début du XXème siècle. « C’est dimanche. Rue Soliman-Pacha, les boutiques ont fermé leurs portes, et les bars et les cinémas se remplissent de leurs habitués. La rue sombre et vide, avec ses boutiques closes et ses vieux immeubles de style européen, semble sortir d’un film occidental triste et romantique. Depuis le début de cette journée de congé, le vieux concierge, Chazli, a transporté son siège de l’entrée de l’ascenseur à celle de l’immeuble, sur le trottoir, pour contrôler ceux qui y entrent et ceux qui en sortent… » écrit en écho, en 2002, Alaa Al Aswany dans son premier roman, L’Immeuble Yacoubian où il montre la vie foisonnante d’un édifice autrefois grandiose du centre-ville. « Une ville géante assise sur le bord, baignait dans l’eau ses pieds de pierre » disait Hugo dans Les Orientales, parlant du Caire.

Brigitte Rémer, le 13 janvier 2019

Colloque La Fabrique de la ville durable, 2nde édition, « Réinventer le Patrimoine – Enregistrer le présent » les 13,14 et 15 décembre 2018 à l’Institut Français d’Égypte, 1 Sh. Madresset El Huquq El Frinseya, Mounira, Le Caire.

 

La Pluie

© Guillaume Guyomard

Texte Daniel Keene, mise en scène et interprétation Alexandre Haslé, Compagnie Les lendemains de la veille, au Mouffetard-théâtre des arts de la marionnette.

C’est un spectacle qui mène sur les chemins de la mémoire et de l’Histoire, avec une grande subtilité, l’air de rien. Hanna, une vieille paysanne, raconte. Hanna est d’abord une actrice accueillant le public au théâtre, et qui ensuite s’évanouit dans la coulisse pour devenir marionnette. Sous ses différentes formes elle apparaît et disparaît au fil du récit auquel le narrateur-manipulateur donne vie. Il est la voix d’Hanna et convoque divers personnages, tous plus attachants les uns que les autres. Il a l’humanité de la figurine et celle du conteur, et par ses mains qu’il prête aux personnages appartient aux deux mondes, créant ainsi une intéressante discordance d’échelle.

Hanna est une collectionneuse d’instants, la gardienne d’objets qui lui sont confiés et sur lesquels elle veille avec inquiétude, attendant de les rendre, un jour. Ce jour ne viendra pas. Elle reste hantée par le visage du jeune garçon qui lui avait apporté une petite bouteille dans laquelle il collectait de la pluie, « la pluie tombée sur le toit de sa maison. » D’ailleurs, dans la modeste maison d’Hanna, la pluie passe par le toit et frappe la cuvette en émail posée là. Bruits de train, lancinants, longues files d’embarquement, destinations inconnues, objets déposés, vies confisquées. On se glisse dans la puissance d’évocation de la narration, les disparus ont le visage que leur donne le sculpteur. Rien n’est nommé frontalement et tout est là.

Le dramaturge australien Daniel Keene travaille sur l’esquisse. Dans La Pluie, les mots du quotidien portés avec évidence et simplicité par Alexandre Haslé, sont de brume. « Il fut un temps où les gens me donnaient toutes sortes de choses toutes sortes de gens toutes sortes de choses des miches de pain encore toutes chaudes à la sortie du four des biscuits moelleux saupoudrés de sucre glace des trognons de pomme et des boîtes d’allumettes grillées des fleurs jaunes et des paquets en papier kraft retenus par de la ficelle des couvertures et des tasses et des bouilloires et des souliers d’enfants et des plats ébréchés et des bocaux et des bocaux de cendres et la pluie un jour quelqu’un m’a donné la pluie » révèle Hanna.

Poésie, mélancolie, musique klezmer et de l’exil d’une grande sensibilité, le paysage musical s’inscrit comme un langage mêlé au texte et à la conception plastique des masques et figurines réalisés par Alexandre Haslé. Artiste associé au Volcan Scène nationale du Havre, le fondateur de la compagnie Les lendemains de la veille, séduit par l’auteur, avait monté une première fois La Pluie, en 2001. Ce travail artisan autant qu’artiste est aujourd’hui re-créé, c’est un rappel salutaire dans un contexte global de montée des populismes. D’une grande pudeur, les personnages aux échelles et techniques diverses apparaissent, comme par magie, sous les doigts du manipulateur-conteur, et s’intègrent tout naturellement dans le jeu.

Le plateau est habité de ces âmes mortes qui hantent les mémoires et sont rassemblées, à la fin du spectacle, en un vaste cimetière, moment saisissant où les revenants questionnent encore le monde. Le public, scolaire et non scolaire présent dans la salle, est saisi.

Brigitte Rémer, le 12 janvier 2018

Avec : Alexandre Haslé, Manon Choserot – Traduction : Severine Magois (Éditions Théâtrales) – Régie générale : Nicolas Dalban-Moreynas.

Du mercredi 9 au samedi 12 janvier 2019, à 20h – dimanche 13 janvier à 17h, représentations tout public – Représentation scolaire vendredi 11 janvier à 14 h 30, Mouffetard-théâtre des arts de la marionnette, 73 rue Mouffetard, 75005. Paris – métro : Place Monge – Tél. : 01 84 79 44 44 – www.lemouffetard.com – Prochain spectacle présenté par la compagnie Les lendemains de la veille, le Dictateur & le dictaphone, du 16 janvier au 1er février.

 

Concert de Oud, par Mustafa Saïd

© Clara Sfeir

Le récital de oud, ce « sultan des instruments », proposé par Mustafa Saïd, se tient dans un petit studio privé où la poignée d’heureux élus venus l’écouter se sent comme à la maison. Assis en tailleur sur un tapis blanc, le musicien égyptien est entouré de ce public attentif qui fait cercle autour de lui. Il débute le concert lentement, pinçant ses cordes à l’aide d’un plectre. La soirée fait alterner ses compositions et des improvisations. Les morceaux s’enchaînent et se mêlent, donnant à ce moment partagé l’esprit et l’espace d’un long souffle musical.

Né au Caire, compositeur de musique classique contemporaine arabe et chercheur en musicologie, Mustafa Saïd fonde en 2003 l’Ensemble for Arab Classical Contemporary Music – ASIL – Il est aussi, depuis 2010, directeur artistique de la Foundation for Arab Music Archiving and Research – AMAR – fondation libanaise spécialisée dans la conservation et la diffusion de la musique arabe traditionnelle. Il enseigne à l’Institut Supérieur de Musique de l’Université Antonine, au Liban, après avoir enseigné à la Maison du Oud, au Caire. Il s’intéresse particulièrement à la période de la Nahda qui couvre les années 1903 à 1930 et se traduit par une philosophie dite de la Renaissance.

Passionné par la musique orientale savante dont il est un des grands connaisseurs, Frédéric Lagrange donne sa définition de l’École de la Nahda : « École doit être compris ici dans le sens de communauté esthétique et stylistique dans la composition et l’interprétation. Le terme désigne l’ensemble de musiciens qui participèrent à l’élaboration d’une musique de cour à partir du règne de khédive Ismail, musique qui faisait la synthèse des différentes traditions orientales compatibles avec le goût égyptien. » Cette période permet de mêler les répertoires sacrés et profanes et de faire sortir les chants – composés de nombreux poèmes d’amour mystique – des salons, de les jouer dans des espaces tels que les cafés. Le chant alors se désynchronise du contexte dans lequel traditionnellement il apparaissait comme les fêtes, religieuses ou familiales.

Après une trentaine de minutes purement instrumentales, Mustafa Saïd introduit la voix et chante en s’accompagnant du oud qui traduit et accompagne sa ligne mélodique, pleine de nuances. Le vocal est à la même hauteur que les cordes de l’instrument et passe du grave à l’aigu et de la mélopée au poème, avec virtuosité. Les mélodies qu’il décline, ses modulations et changements de tonalité dans lesquels il excelle, font partie du vocabulaire du oud. Ni psalmodie ni incantation, son chant dessine des arabesques complexes. Avec l’instrument il scande, psalmodie, se suspend, rythme, explore et ornemente. Dans la solitude du oud, Mustafa Saïd invite à pénétrer dans un espace méditatif superbement maîtrisé.

Seul ou en formation, le compositeur donne des concerts dans de nombreux pays du monde, jouant notamment avec les musiciens de son Ensemble, ASIL. Dans ce récital en solo on ne discerne guère la composition de l’improvisation. Si la musique se note depuis le début du XXème siècle, la tradition musicale arabe classique reconnaît l’importance de l’improvisation. D’après Frédéric Lagrange « elle est une stratégie de production mélodique, une attitude de création instantanée et un mode d’organisation du temps. L’ornementation, elle, est un vocabulaire, un ensemble de techniques d’émissions du son, vocal ou instrumental, de jeux de timbre, de rythme, de remplissage du phrasé, de parasitages sonores formant des motifs utilisables à loisir. »

Ce moment musical avec Mustafa Saïd dont le travail sensible et savant introduit à la complexité des musiques orientales, fait preuve de liberté d’interprétation et de recherche de variations, en même temps qu’elle ravit l’auditeur.

Brigitte Rémer, le 5 janvier 2019

Dimanche 30 décembre à 17h – Studio 3, 19 rue de Charenton, 75012, Paris. Métro Bastille – Site : www.mustafasaid.co

 

Willy Ronis par Willy Ronis

© Willy Ronis – Le Café de France – L’Isle-sur-la-Sorgue

Exposition de photographies, Pavillon Carré de Baudouin, co-organisée par la Mairie du XXème et la Médiathèque de l’Architecture et du Patrimoine, en partenariat avec l’Agence photographique de la Réunion des musées nationaux – Grand Palais. Commissaires de l’exposition : Gérard Uféras et Jean-Claude Gautrand.

Par cette superbe exposition présentée au Pavillon Carré de Baudouin, la Mairie du XXème fête, en deux cents photographies, les dix ans de ce lieu culturel qu’elle porte avec brio. L’exposition se termine, elle fut prolongée de trois mois et eut un immense succès. « Proposer une culture gratuite, populaire, accessible et de qualité, c’est faire en sorte qu’elle se transmette et se partage sans condition d’âge ou d’origine sociale. C’est la marque de fabrique du 20e et notre fierté » écrit Frédérique Calandra, Maire du 20e.

Né au pied de la Butte Montmartre en 1910 et mort en 2009, Willy Ronis est une grande figure de la photographie dite humaniste, qui consacra les vingt-cinq dernières années de sa vie à classer ses archives. Il réalisa six albums qui constituent comme son testament photographique. Les commissaires de l’exposition ont puisé dans cette mémoire vive pour élaborer ce parcours en images.

La première salle montre les clichés de Willy Ronis à Belleville-Ménilmontant, sorties de son livre-culte. Il découvre le quartier en 1947 grâce à un ami peintre alors que la réputation du secteur n’est pas glorieuse : « C’était le quartier des Apaches, on n’y allait pas. » Lui, en tomba littéralement amoureux. Il laisse un reportage des plus attachants sur le Paris des années cinquante et sur ce quartier populaire aux rues pavées et aux petits métiers. La vie quotidienne y est montrée dans sa simplicité et sa vérité. « Belleville, Ménilmontant sont, tout au moins pour moi, deux éléments essentiels de ce que j’aime appeler : la poésie de l’authenticité » dit-il. On y voit les vieux bistrots comme Le bistrot de la rue des Cascades, sur trois niveaux, le bistrot-guinguette Chez Victor, où la patronne s’affaire derrière le zinc, le Café au coin de la rue des Couronnes et de la rue Henri-Chevreau, « Les choses se présentent à l’impromptu, ou bien on sent qu’en se plaçant à tel endroit et avec de la patience, il se passera sûrement quelque chose… » Le bas de la rue des Partants témoigne d’une qualité de lumière entre contre-jour ensoleillé et jour de neige, une Réunion de jeunes dans une cave, les montre tous serrés autour d’une table, une Partie de pétanque rue du Télégraphe capte le geste du lanceur tandis que les autres s’affairent, leurs ombres se croisant avec une certaine mathématique. Une photo Avenue Simon Bolivar depuis l’escalier de la rue Barrelet-de-Ricou où par le fait du hasard, se trouvent différentes personnes en différents plans « J’ai rarement inclus autant d’éléments dans une même photographie » commente-t-il. Le Vitrier rue Laurence Savart gravit péniblement la rue tandis que La station Ménilmontant sur la Petite Ceinture vue depuis la rue Henri-Chevreau mêle la vapeur de la locomotive à la brume du matin avec beaucoup de poésie.

La seconde salle montre Les débuts du photographe et notamment ses premières photos en Vallée de Chevreuse pendant les vacances. Son père est un photographe de quartier, il lui offre pour ses seize ans un Kodak 6,5 x 11 à soufflet, même si c’est la musique qui l’attire, sa mère étant professeur de piano. Très tôt il s’intéresse aux gens, au monde ouvrier, à la rue, ainsi Haltérophile Quai de la Râpée montre, en 1934, sa curiosité de la rue. Pour aider son père gravement malade, il glisse pourtant vers la photographie professionnelle.  « Je suis le contraire d’un spécialiste, je suis un polygraphe » dit-il. Deux ans plus tard il abandonne le studio paternel et se lance dans « l’aventure de la photographie indépendante », devient reporter photographe, répond à des commandes et fait ses recherches personnelles. Il acquiert en 1937 un Rolleiflex 6 x 6 et sillonne Paris, ses paysages et ses décors, certaines banlieues comme Nanterre. Il reprend, après l’Occupation, et témoigne du Retour des prisonniers, en 1945, Gare de l’Est. La force des images, là encore, a valeur de témoignage. Une série d’Autoportraits montre son évolution, d’une certaine sophistication des débuts à un laissez aller, dont le célèbre Autoportrait aux deux flashes pris en 1951. Ses Nus pris entre 1949 et 2002 appellent la composition et la lumière de la peinture et de la sculpture. Son Nu provençal entre autres, réalisé à Gordes en 1949, prenant sa femme penchée sur un broc et une cuvette dans la lumière de la fenêtre ouverte, évoque Vermeer. Cette photographie devenue icône est, dans sa simplicité, une pure merveille. Le chapitre sur L’Intime, montre sa discrétion par rapport à l’intimité familiale, avec sa femme Marie-Anne comme avec son fils, Vincent. Il sait préserver l’investissement émotionnel donné dans ces photographies : « Je négocie l’aléatoire » dit-il.

Suit un chapitre sur Le monde ouvrier qui l’intéresse, de même que le monde artisan. Il publie dans de nombreux quotidiens et magazines, et très tôt dans plusieurs journaux de gauche. Il couvre le Front Populaire, les ouvriers chez Citroën, les défilés syndicaux, les conflits sociaux de l’après-guerre, fixe forges, filatures, docks, et usines automobiles dans son appareil, photographie les ouvriers de différentes villes et entreprises françaises dont ceux des mines de Potasse d’Alsace et ceux des usines de cristal de Baccarat. Par son témoignage il exprime sa solidarité. En 1946 Willy Ronis entre à l’agence Rapho, puis intègre le Groupe des XV, auquel appartient entre autres Doisneau. Il exposera au Moma de New York en 1951, en compagnie d’Henri Cartier-Bresson, Brassaï, Robert Doisneau et Izis.

Si Paris a largement capté son attention, Willy Ronis n’a pourtant pas laissé La Province pour compte, et ses images couvrent le milieu rural autant que l’urbain. En état de veille, il sillonne le Vaucluse, la Gironde et Marseille de l’après-guerre et rapporte des images de la vie quotidienne, des paysans et des commerçants, des métiers. « Parfois, les choses sont offertes avec grâce. C’est ce que j’appelle le moment juste. Je sais bien que si j’attends, ce sera perdu, enfui. » De la province, l’exposition nous emmène dans L’Ailleurs, par ces traces photographiques laissées de ses voyages dans le monde : Belgique, Hollande, Venise, Londres, RDA, Alger, New-York, Moscou, deux croisières en Méditerranée à partir desquelles il réalise une exposition sur le thème Les Balkans de nouveau en danger, avec l’aide de Robert Capa. Il couvre le Congrès international pour la Paix, à Varsovie, en 1950, part à l’Île de la Réunion avec les photographes Sebastião Salgado et Guy Le Querrec. L’environnement social et le quotidien restent au cœur de ses préoccupations et de ses images.

Observant le monde, les photos de Willy Ronis dressent une sorte de portrait intimiste et profond de la société et de l’époque. Pourtant la crise des années 1960 l’oblige à quitter Paris et à s’installer à Gordes, dans le Vaucluse, en 1972, pour une sorte de traversée du désert. La création des Rencontres d’Arles en 1970, lui permettra de reprendre pied dans le milieu et d’obtenir la reconnaissance qui lui est due : le Grand Prix national des Arts et des Lettres lui est décerné en 1979 ; il est l’invité d’honneur des 11e Rencontres d’Arles en 1980 ; une grande rétrospective est organisée au Palais de Tokyo en 1985, célébrant la donation qu’il a faite de l’ensemble de son oeuvre à l’État français, deux ans plus tôt.

Willy Ronis par Willy Ronis est une exposition rare, ouverte à tous, qui permet de redécouvrir des images sensibles et la poésie du photographe, un brin nostalgique. Des films projetés complètent l’exposition et permettent d’approfondir l’univers du photographe, ainsi Willy Ronis à Paris, de Virginie Chardin et Vladimir Vasak, Une Journée avec Willy Ronis, de Françoise Denoyelle et Yves de Perretti, Willy Ronis, Autoportrait d’un photographe, de Michel Toutain & Georges Chatain, Pyramide Production.  « Le monde extérieur est un spectacle dont le metteur en scène a pour nom le hasard. Le hasard a parfois du génie. Il y a des photographes qui ont le privilège de capter ces moments uniques. C’est à partir de là que la photographie nous révèle des choses qu’elle seule est capable de nous offrir » constatait-il avec simplicité.

Brigitte Rémer, le 31 décembre 2018

Du 27 avril au 31 décembre 2018 – Pavillon Carré de Baudouin, 121 rue de Ménilmontant, 75020. Paris – Métro : Couronnes ou Gambett – Entrée libre – www.mairie20.paris.fr

Migrer d’une langue à l’autre ? Apprendre la langue du pays d’accueil à l’heure du numérique

Journée d’étude organisée par la Délégation générale à la langue française et aux langues de France au Musée national de l’histoire de l’immigration le 21 novembre 2018, avec le soutien de la Direction régionale des affaires culturelles d’Île-de-France – Modération Yvan Amar, journaliste à Radio France Internationale.

La sixième édition de cette Journée d’étude sur le thème Migrer d’une langue à l’autre ? s’est ouverte par les mots de bienvenue de la directrice générale du Palais de la Porte Dorée, Musée de l’Histoire de l’Immigration, Hélène Orain et ceux du nouveau Délégué général à la langue française et aux langues de France près le Ministère de la Culture, Paul de Sinety. Chaque année se redéfinissent les objectifs et les enjeux, chaque année tient ses promesses.

Son axe de réflexion et les expériences venant du terrain traitaient cette année des outils du numérique, en termes pédagogiques et présentaient les ressources, les formations et outils de l’apprentissage du français, en ligne. La définition des enjeux de l’apprentissage du français pour les migrants fut donnée dans un premier temps par Agnès Fontana, directrice de l’accueil, de l’accompagnement des étrangers et de la nationalité qui a présenté le Rapport d’Aurélien Taché député du Val d’Oise remis au Ministère de l’Intérieur en février dernier, « 72 propositions pour une politique ambitieuse d’intégration des étrangers arrivant en France » et sa mise en œuvre. Dans un second temps, Benjamin Stora, président du conseil d’orientation du musée national de l’Histoire de l’immigration, chargé d’une mission de coordination de l’action culturelle en faveur des migrants dans les établissements publics du ministère de la Culture a rappelé l’évolution des contextes entre la vague d’émigration du début du XXème où l’intégration se faisait par le travail, les années post-coloniales de 1960 à 1980 où la langue française était comme un tribut de guerre et aujourd’hui, l’effondrement des États et l’entrée de deux millions de personnes en Europe – y compris ceux issus de pays qui n’étaient pas dans l’histoire coloniale et ne procédaient pas de l’histoire culturelle européenne – ainsi que la crise de l’Union Européenne et la montée des nationalismes.

Les mécanismes d’intégration se font par la langue, le travail et le logement même si la question de la langue ne doit pas devenir un obstacle. En ce qui concerne la langue, Benjamin Stora reconnaît ceux qui, aux quatre coins de la France, donnent cours, issus notamment de réseaux bénévoles et propose que ce peuple invisible de formateurs soit porté à la connaissance de l’État et à la connaissance de tous, et qu’ils soient mis en réseau avec ce qui se passe dans le public, évitant que chacun ait ses réfugiés. Il parle aussi de l’aide à apporter aux artistes en exil pour faire vivre leur art et leur culture. C’est dans cet esprit que Visions d’exil, coproduit par le Palais de la Porte Dorée/Musée national de l’histoire de l’immigration, se déploie dans plusieurs lieux culturels dans et autour de Paris.

Plusieurs responsables politique ou représentants de structures ont ensuite partagé leur expérience comme Isabelle Devaux pour la Ville de Paris, François Pinel pour le Ministère de l’Intérieur, Pascale Gérard pour l’Agence nationale pour la formation professionnelle des adultes et Pierre Henry, de France Terre d’Asile. Les différents outils d’apprentissage du français en ligne ont été présentés par l’Alliance Française, le Centre international d’études pédagogiques, Radio France International, TV5 Monde, la Bibliothèque Publique d’Information et plusieurs autres associations, ainsi que le lancement du parcours de formation réalisé par Bibliothèques Sans Frontières que préside Patrick Weil, universitaire spécialiste des questions d’immigration et de citoyenneté.

De fructueux débats se sont engagés avec l’auditoire autour des innovations, des cartographies des lieux d’apprentissage, des méthodologies de l’apprentissage par le cinéma, les mooc, blog, guides de ressources, et autres, par tous les outils mis aujourd’hui à disposition des migrants. La façon dont la langue a été portée et instrumentalisée, dans les territoires ex-coloniaux où le français, contraint et forcé, était familier, ou bien dans les pays hors de la zone d’influence française ne se pose pas de la même manière. Dans tous les cas elle met en jeu l’Histoire, la Nation et l’État et se doit d’être à l’écoute de ceux qui, pour un temps, perdent leurs repères et cherchent à se poser, à s’ancrer sur de nouveaux territoires et à s’insérer.

Cette Journée d’étude est un des maillons de la chaîne civique qui en brisant la distance permet de s’inscrire dans la logique du plaisir d’apprendre à partir de la multiplicité d’expériences vers une multiplicité de migrants venant de tous horizons et qui ne sont pas reconnus comme citoyens, dans leurs pays respectifs.

Brigitte Rémer, le 30 décembre 2018

Migrer d’une langue à l’autre ? Journée d’étude au Palais de la Porte Dorée – Musée national de l’histoire de l’immigration, 293 avenue Daumesnil, 75012. Métro Porte Dorée – Tél. : 01 53 59 58 60 – http://www.dglf.culture.gouv.fr/ – editions@palais-portedorée.fr

Si loin si proche

© Renaud Vezin

Théâtre musical écrit, joué, chanté et mis en scène par Abdelwaheb Sefsaf, assisté de Marion Guerrero – Compagnie Nomade in France – Maison des Métallos/Focus récits de vie.

L’action se passe dans les années 1970/80, une famille immigrée en France rêve d’un retour dans son pays, l’Algérie. L’ambivalence entre les deux pays crée des tensions intérieures mais aussi des rires dans ce récit croisé dit et chanté par Abdelwaheb Sefsaf. Le fils de la famille, Wahid, part se marier au bled, les parents et leurs dix enfants embarquent dans une estafette trop petite, le voyage est pénible et cocasse. Le miroir aux alouettes d’un possible retour les taraude, on les suit dans leur traversée de plus de trois mille kilomètres. Le constat, réaliste et désenchanteur, montre qu’ils ne sont plus vraiment d’Algérie mais n’ose se projeter en France et que l’appartenance et la nostalgie sont toujours au rendez-vous. Le réveil brutal face à la conscription mélange encore un peu plus les identités, un an en France ou deux en Algérie…

Le récit-concert auquel Abdelwaheb Sefsaf convie le spectateur s’inscrit entre théâtre et récital, entre Algérie et France, entre passé et futur, entre je t’aime et je te hais. L’auteur, huitième de la famille, raconte son enfance heureuse, et oscille entre légèreté et gravité, l’épique et le particulier dans le contexte banlieue des années soixante-dix qu’il a connu avec les langues, les modes, les musiques et les espérances de chacun.

La scénographie représente un crâne de métal s’ouvrant en deux et laissant passer les idées. Des écritures calligraphiques le recouvre, labyrinthes de la pensée et poème de Mahmoud Darwich, La Mort n° 18 : « L’oliveraie était verte, autrefois… Mon cœur était un oiseau bleu, autrefois… Je te donnerai tout, l’ombre et la lumière… L’oliveraie était toujours verte, était, mon amour. Cinquante victimes l’ont changée en bassin rouge au couchant… » et les tombes du début du spectacle se transforment en une collection de valises. Accompagné de deux musiciens magnifiques, Georges Baux aux claviers, guitare et chœur et Nestor Kéa, live-machine, guitare, theremin et choeur, le chanteur-acteur aux thèmes et mélodies lancinantes remplit l’espace avec fluidité et talent. Il donne le récit plein d’humour et de variations de son expérience et de sa vie, sur le sujet on ne peut plus grave et d’actualité, du racisme et de l’immigration.

En 2010 Abdelwaheb Sefsaf fonde la Cie Nomade In France avec pour mission un travail autour des écritures contemporaines et la rencontre entre théâtre et musique. Formé à l’École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Saint-Étienne, il avait d’abord fondé et dirigé la Compagnie Anonyme. En 1999 il s’était fait connaître sur la scène musicale en tant que leader du groupe Dezoriental qui avait reçu en 2004 le Coup de cœur de la chanson française de l’Académie Charles Cros. Parallèlement à la musique, Abdelwaheb Sefsaf mène sa carrière de metteur en scène et de comédien, il a entre autres travaillé avec Jacques Nichet, Claudia Stavisky et Claude Brozzoni. Sa rencontre avec Georges Baux, réalisateur, arrangeur et compositeur notamment pour Bernard Lavilliers, fut décisive dans le parcours qu’il mène entre théâtre et musique.

Derrière le rire, les larmes, sur la déclinaison du verbe partir, avec l’urgence de l’initiation vers ce qui fut longtemps un rêve qui aidait à tenir, ou une belle utopie.

Brigitte Rémer, le 27 décembre 2018

Avec Abdelwaheb Sefsaf, comédien et chanteur – Georges Baux, claviers, guitare et chœur – Nestor Kéa, live-machine, guitare, theremin et choeur – musique Aligator, Baux/Sefsaf/Kéa –  direction musicale Georges Baux – scénographie Souad Sefsaf – création lumière et vidéo Alexandre Juzdzewski – régie son Pierrick Arnaud – Le texte est publié aux éditions Lansman.

Du 18 au 23 décembre 2018, Maison des Métallos, 94 rue Jean-Pierre Timbaud, 75011. Paris – Métro : Couronnes – Tél. : 01 47 00 25 20 – Site : www.maisondesmetallos.paris – En tournée :   2 février 2019, Théâtre Municipal, Tarare (69) – 7 et 8 février 2019, Comédie de Saint-Etienne/Salle Albert Camus à Chambon-Feugerolles (42) – 8 au 10 mars 2019, Théâtre de Privas (07) – 5 avril 2019, Théâtre Sarah Bernhardt, Goussainville (95).

Sombre Rivière

© Jean-Louis Fernandez

Texte et mise en scène de Lazare, Compagnie Vita Nova, au Théâtre du Rond-Point.

C’est un spectacle joyeux même s’il parle de choses graves, dans une forme qui pourrait relever de la comédie musicale ou d’une sorte de revue, un spectacle tonique qui a pour levier l’énergie vitale de son créateur et de son équipe.

La trame parle de l’enfance abîmée à travers les yeux d’une petite fille de cinq ans attendant le retour du père parti manifester le 8 mai 1945, à Guelma, en Algérie. Les émeutes nationalistes et indépendantistes réprimées violemment par la France la priveront pour toujours de sa présence. Cette petite fille était la mère de Lazare, convoquée par son fils sur écran pour apporter sa part de mémoire. Une mère courage au sourire lumineux comme forme de résistance.

Pour Sombre Rivière, le déclencheur part de la barbarie des attentats et particulièrement de celui du Bataclan que Lazare lie à ces autres événements et autres dates relevant de la mémoire familiale et de la mémoire collective du pays dont sont originaires ses parents, l’Algérie. Fils de l’immigration algérienne et né en banlieue parisienne, Lazare sait mettre l’absurde et la violence en rythme et en chansons. Il est un rebelle qui trace sa route de solitude en s’immergeant dans le théâtre par l’écriture et la mise en scène. Le théâtre, il l’a rencontré par Jacques Miquel, fondateur du Théâtre du Fil et éducateur, récemment disparu, à qui il dédie le spectacle. Ce sont « les trous de l’histoire » qui intéressent Lazare, « ceux de la colonisation comme de l’Algérie indépendante. J’interroge la façon de vivre avec de tels trous quand on se retrouve coincé, sans racines, au pied des grands ensembles… Je ne défends pas l’idée d’un art sociologique mais je pose des questions qui me brûlent à vif… » dit-il. Son style s’apparente à ce qu’est l’art brut dans le champ des arts plastiques, le slam à la musique. A partir de la réalité, Sombre Rivière est comme un long poème.

Construit en deux parties – elle, sa mère et lui, Claude Régy, qu’il admire profondément – le spectacle est fait de fragments. Claude Régy dit de son écriture : « Lazare, c’est une écriture sauvage, un langage puissant, heurté, une blessure intérieure. Cette parole spécifique, comme inachevée, demande à être testée dans un espace, à être travaillée avec une équipe d’acteurs. » Il ne cesse de la tester depuis l’écriture de sa trilogie où se retrouve le même personnage, Libellule : Passé – je ne sais où, créé en 2009 ; Au pied du mur sans porte, créé en 2010 et repris quelques années plus tard au Festival d’Avignon ; Rabah Robert, monté en 2013. Lazare est aussi grand admirateur de Fernando Pessoa dans lequel il pourrait se reconnaître quand il disait : « Pour me créer, je me suis détruit ; je me suis tellement extériorisé au-dedans de moi-même, qu’à l’intérieur de moi-même je n’existe plus qu’extérieurement. » Lazare écrit ses textes comme des partitions, ses variations passent d’annonciation à dénonciation, de mezza voce à staccato mêlant le tragique du récit aux contes oniriques. Les voix sont puissantes, en chœur ou contre-choeur, en solo ou choralité.

Plusieurs lieux soutiennent depuis ses débuts la démarche de la Compagnie, Vita Nova, créée en 2007, entre autres – le Théâtre National de Bretagne, La Fonderie au Mans, la MC93 Bobigny, l’Échangeur de Bagnolet, le Studio-Théâtre de Vitry – Lazare est associé au Théâtre National de Strasbourg depuis 2015, Stanislas Nordey accompagne ses créations et l’avait invité, en 2001, à suivre la formation d’acteur de l’École du Théâtre National de Bretagne qu’il dirigeait.

Tout en s’emparant de l’Histoire, Lazare sait donner de la distance par l’humour et le grotesque parfois, par les personnages qu’il convoque comme Sarah Kane, par les vivants et les morts qu’il mêle, par le poète présent son double, par le chant et la musique. Il n’occulte rien de son Histoire du monde, celle qu’oublient souvent les livres et construit avec ses acteurs-chanteurs, la Rivière du temps et la poétique d’un rêve récurrent. « Cueille le jour parce que tu es le jour » pourrait lui dire Pessoa.

Brigitte Rémer, le 22 décembre 2018

Avec : Anne Baudoux, Laurie Bellanca, Ludmilla Dabo, Marion Faure, Julie Héga, Louis Jeffro, Olivier Leite, Mourad Musset, Veronika Soboljevski, Julien Villa. Collaboration artistique Anne Baudoux, Marion Faure – lumières Christian Dubet – scénographie Olivier Brichet en collaboration avec Daniel Jeanneteau – costumes Marie-Cécile Viault – son Jonathan Reig –  image Lazare, Nicos Argillet – montage vidéo Romain Tanguy –  prise de vue sur le plateau Audrey Gallet – directeur de choeur Samuel Boré – assistanat général Marion Faure – assistanat musical Laurie Bellanca – avec la participation filmée de Ouria et Olivier Martin-Salvan – Le spectacle a été créé le 14 mars 2017 au TNS, Strasbourg – Le texte est publié aux éditions Les Solitaires Intempestifs.

 Du 28 novembre au 28 décembre 2018, à 21h, dimanche à 15h – Théâtre du Rond-Point, 2 bis avenue Franklin D. Roosevelt, 75008 Paris – www.theatredurondpoint.fr – Tél. : 01 44 95 98 21

Concours de photographies

 

Concours SOPHOT

9ème édition

 

Le site SOPHOT.com

dédié à la photographie sociale et environnementale organisera une exposition avec les deux reportages lauréats  

Lieu d’exposition
Galerie FAIT & CAUSE

58 rue Quincampoix – 75004 Paris – France
du mardi 14 mai au samedi 13 juillet 2019

  

Conditions de participation

. Être inscrit sur le site, avoir mis à jour sa Fiche personnelle et y avoir enregistré le reportage présenté – Inscription gratuite.

. Le travail soumis par le photographe devra :

Porter sur un problème social ou environnemental – Avoir été achevé en 2017 ou 2018 – Chaque photographe présente un seul reportage.

 

Le dossier de candidature soumis à la sélection devra comporter :

– Une biographie sommaire du photographe.

– Un synopsis : intentions, sujet, problématique et partenaires éventuels. (1 page)

– 30 à 50 photographies au format papier A5 minimum, A4 ou plus (tirages de lecture, ou impressions laser de très bonne qualité.) Chaque photographie devra être numérotée et légendée.

 – Une clef ou un CD avec ces mêmes données. Textes et légendes (accompagnées des vignettes photos correspondantes) en format Word ; photos en format jpeg, 72dpi – 1920 pixels sur le plus grand côté.

– Le photographe indiquera s’il est d’ores et déjà prévu que son reportage fasse l’objet d’une exposition ou d’une publication en 2019.

Les dossiers sont à déposer ou à envoyer à :
Association Pour Que l’Esprit Vive


SOPHOT.com – 69 boulevard de Magenta, 75010 Paris, France,
jusqu’au vendredi 1er février 2019, dernier délai.

L’annonce de la sélection aura lieu dans la 2ème semaine du mois de mars 2019.

 

La disparition de Guy Rétoré, directeur du Théâtre de l’Est Parisien, défenseur d’un théâtre populaire dans le XXème arrondissement de Paris

© Archives Théâtre de l’Est Parisien

Situé au 17 de la rue Malte-Brun, le Théâtre de l’Est Parisien était depuis 1911 date de sa construction, un cinéma et un music-hall d’environ mille places, qui répondait au nom de Zénith. Le ministère des Affaires Culturelles que dirigeait André Malraux en fit l’acquisition en 1963 et en confia la direction à Guy Rétoré, alors directeur d’une compagnie théâtrale amateur, La Guilde, qu’il avait créée en 1951. Né à Ménilmontant et enfant du quartier, Rétoré avait découvert le théâtre avec la troupe de la SNCF, entreprise où l’avait fait entrer son père pendant la guerre, pour échapper au Service du travail obligatoire, puis il avait suivi des cours avant de créer sa compagnie, La Guilde.

A la tête du Théâtre de l’Est Parisien, sa mission fut de développer l’art théâtral et la culture dans l’est de Paris, excentré et sorte de désert culturel. En 1983 Jack Lang fit reconstruire la salle, devenue Théâtre national de la Colline, et en confia la direction à Jorge Lavelli. Guy Rétoré se vit alors déplacé au 159 avenue Gambetta, sa troupe redevint structure de production et de diffusion subventionnée par l’État sous l’égide de La Colline. Huit ans plus tard il sera sommé de quitter les lieux par Catherine Trautmann, Ministre de la Culture qui nomme à la direction du TEP, en 2001, Catherine Anne. Contraint et forcé de libérer la place, par la Ministre suivante, Catherine Tasca, en juin 2002, il finit par lâcher. « Un fauteuil pour deux » titrait L’Humanité le 9 avril 2001 au moment de la polémique.

A croire que ce lieu est prédestiné aux difficultés, car au départ de Catherine Anne en 2011, le Théâtre international de Langue Française créé par Gabriel Garran, quitte La Villette et prend place avenue Gambetta pour changer de nom et devenir Le Tarmac, avec tous les séismes du printemps dernier que l’on a suivi, qui visaient à déloger Valérie Baran et son équipe pour y installer Théâtre Ouvert. Le jeu des chaises musicales décidément est actif.

Pendant plus de quarante ans au pilote de la vie théâtrale du XXème arrondissement Guy Rétoré fit un véritable travail de démocratisation culturelle et développa un théâtre populaire et national dans le droit fil des grands de la décentralisation et du service public comme Romain Rolland, Maurice Pottecher, Firmin Gémier, Jean Dasté et Jean Vilar. La Guilde devient troupe permanente en 1960, et le lieu fut inauguré par Malraux comme Maison de la Culture ayant statut de Centre Dramatique National. Rétoré mit en place une politique de création des textes, contemporains et classiques, et lança de nombreuses actions de développement culturel notamment dans un dialogue avec les écoles. Jacques Duhamel, lui donne le label de Théâtre National, en 1972 et  statut d’établissement public. Outre les créations maison, Guy Rétoré y invitait les grands de la création dans un esprit d’ouverture, ainsi Dario Fo en 1980 y présenta son Histoire du tigre et autres histoires.

Rétoré fidélisa des acteurs engagés, comme lui, dans la mission de service public qui leur était assignée et mit en scène les grands auteurs d’une manière très ouverte, de Shakespeare à Brecht, de Musset à O’Casey en passant par Pagnol, de Roger Vaillant à Armand Gatti, de Claudel à Beckett. « Notre répertoire, c’est Molière, Shakespeare, Aristophane, Sophocle et le théâtre contemporain qui parle aux contemporains » disait-il lors d’une interview.

Ces dernières années il vivait en Sologne où il s’est éteint à l’âge de quatre-vingt-quatorze ans.

 Brigitte Rémer, le 26 décembre 2018

 

Kiss and Cry,

© Maarten Vanden Abeele

Sur une idée originale de Michèle Anne De Mey et Jaco Van Dormael, création en collaboration avec le collectif Kiss & Cry, à La Scala de Paris.

Créé en 2011 à Mons, en Belgique, Kiss and Cry remporte depuis sa création, un vif succès. C’est la première partie d’une trilogie dont les deux autres spectacles, présentés à La Scala s’intitulent Cold Blood et Amor. D’une impressionnante précision, la finesse du travail est à l’échelle du long générique énoncé ci-dessous. Inventive, poétique et légère, la caméra-personnage principal suit les tracés et micro déplacements des acteurs manipulateurs qui entourent la séquence présentée d’un bout du plateau à l’autre, avec la même délicatesse et le même soin que des parents penchés sur le berceau du nouveau-né.

Et que voit-on ? Une multiplicité d’univers en modèles très réduits de type nanos objets et nanos danses sous la loupe de l’objectif. Ils servent une histoire puzzle dans laquelle une vieille femme se souvient de son premier amour, croisé dans un train, non par son visage mais par ses mains, effleurées peut-être : c’est ici la main qui trace et les doigts comme acteurs principaux de la scène, chorégraphiés comme s’ils étaient des personnages. Des petits plateaux sur lesquels sont posés en maquettes minusculissimes des séquences dans une diversité de paysages – comme la mer, le train ou les ciels infinis – scénarios qui prennent vie sous nos yeux et croisent des mains ballerines, d’une grande souplesse et virtuosité, décalant totalement les mondes et les échelles.

La retranscription sur écran est éblouissante et crée des univers disparates, tous aussi surprenants les uns que les autres, tous réalisés avec autant de minutie dans cet entremêlement mains/objets. La complicité entre les neuf artistes de différentes disciplines – jeu, cinéma, danse, vidéo, arts plastiques, bricolage conceptuel – s’élabore avant le début du spectacle et se prolonge après. Ces neuf manipulateurs tels des techniciens imaginatifs présents sur le plateau, permettent de créer des mondes oniriques et un autre langage où le spectateur perd ses repères.

Kiss and Cry est un mot lié aux compétitions de patinage artistique, c’est le banc sur lequel après la compétition et dans l’attente de la notation du jury, les patineurs reprennent souffle, le regard fixé sur le panneau d’affichage avant sidération, positive ou négative. Il n’y a ici ni patineurs ni jury, mais un spectacle singulier qui place le public face à un film en train de se faire où une équipe en synergie construit des scénographies décalées. Tout se passe en direct sous les yeux des spectateurs. La bande son a la vue large, comme le spectacle, et passe de l’opéra à la chanson des Feuilles mortes. On se laisse dériver.

Kiss and Cry est une création collective née de l’inventivité de Michèle Anne De Mey, danseuse et chorégraphe que l’on connaît pour avoir dansé avec Anne Teresa De Keersmaeker dans les années 80 – notamment dans Fase, son duo emblématique – créatrice de la Compagnie Astragales et de celle de Jaco Van Dormael, réalisateur entre autres de Toto le héros qui obtint la Caméra d’or au Festival de Cannes en 1991, metteur en scène impliqué et proche aussi du théâtre pour enfants. C’est vrai qu’il y a de l’enfance, de l’impertinence et du jeu de colin-maillard dans Kiss and Cry, il y a aussi beaucoup de grâce, d’imaginaire et de poésie.

Ce travail commun et d’expérimentation entre le couple, à la ville comme à la scène, Michèle Anne De Mey-Jaco Van Dormael, s’est élargi depuis quelques années à l’univers du conteur et humoriste Thomas Gunzig. Initiée à la mort par un moment de coma, la chorégraphe se suspend entre le rêve et la conscience, aux côtés du réalisateur et de l’auteur. Ensemble, ils construisent un univers narratif singulier mi-merveilleux mi-fantastique, dans un entre-deux de résistance poétique. L’espace-temps théâtral s’en trouve bousculé, comme le spectateur par ces personnages-mains dansant dans des paysages miniatures plein de magie artisane. Du grand art de la narration, en mains, espaces et images.

Brigitte Rémer, le 15 décembre 2018

Création en collaboration avec le collectif Kiss & Cry : Grégory Grosjean, Thomas Gunzig, Julien Lambert, Sylvie Olivé, Nicolas Olivier – Avec : Michèle Anne De Mey, Frauke Marien, Jaco Van Dormael, Renaud Alcade, Harry Cleven, Grégory Grosjean, Gabriella Iacono, Charlotte Pauwels, Philippe Guilbert, Aurélie Leporcq, Juliette Van Dormael, Nicolas Olivier, Ivan Fox, Stefano Serra – chorégraphies et nanodanses Michèle Anne De Mey, Grégory Grosjean – mise en scène Jaco Van Dormael – texte Thomas Gunzig – narration française Jaco Van Dormael – scénario Thomas Gunzig, Jaco Van Dormael – lumières Nicolas Olivier – image Julien Lambert – assistante caméra Aurélie Leporcq – décor Sylvie Olivé – design sonore Dominique Warnier – son Boris Cekevda – manipulations et interprétation Bruno Olivier, Gabriella Iacono, Pierre Garnier – construction et accessoires Walter Gonzales assisté de Amalgame/Elisabeth Houtart, Michel Vinck – conception deuxième décor Anne Masset, Vanina Bogaert, Sophie Ferro – régie générale Nicolas Olivier – techniciens de création Gilles Brulard, Pierre Garnier, Bruno Olivier – directeur technique Thomas Dobruszkès – régie son Benjamin Dandoy –  tour manager Thomas Van Cottom, Lou Colpé –  relations publiques Marie Tirtiaux.

Du 4 au 31 décembre 2018, 21h, les dimanches à 15h, lundi 31 décembre à 19h30 – à La Scala/Paris, 13 Boulevard de Strasbourg, 75010. Métro : Strasbourg-Saint-Denis – site :  www.lascala-paris.com – Dans le cadre de la carte blanche à Michèle Anne De Mey et Jaco Van Dormael, à voir : Cold Blood, du 4 au 27 janvier 2019, suivi de Amor, du 29 janvier au 3 février 2019.

 

Pentti Sammallahti

©  Pentti Sammallahti – Helsinki, Finlande, 2002
Courtesy galerie Camera Obscura

Exposition à la Maison de la Photographie Robert Doisneau de Gentilly – En collaboration avec la Galerie Camera Obscura – En partenariat avec l’Institut Finlandais à Paris.

Ouverte en 1996, la Maison de la Photographie Robert Doisneau y fait depuis plus de vingt ans un travail remarquable. Elle s’intéresse particulièrement à la photographie humaniste et donne lecture du lien qui se tisse entre le photographe et son sujet.

Elle présente en ce moment l’œuvre de Pentti Sammallahti, né à Helsinki en 1950 et qui se passionne très tôt pour la photographie. Sa grand-mère, Hildur Larsson, d’origine suédoise, était photographe, et, dès quatorze ans, Sammallahti fait partie du Camera Club d’Helsinki, s’intéresse à la prise de vue, au développement et au tirage. C’est à vingt et un ans qu’il réalise sa première exposition et compose son premier livre. Le photographe finlandais a le génie du noir profond et de la touche blanche qui attire le regard, obtenue par la chimie, ou l’alchimie du photographe. Il est aussi dans la déclinaison des blancs et des gris qui se perdent en fondus-enchaînés entre nuages bas, neiges et glaces. Il faut s’approcher de la photo petit format pour en voir toutes les nuances, trouver l’oiseau au loin ou la mouche dans un coin. Il travaille beaucoup sur les oiseaux. Pentti Sammallahti se poste de longues heures à l’affût de celui qu’il guette ou qu’il décide d’inscrire dans son paysage, comme une confidence. Il y a toujours quelque chose qui vit dans ses photographies au milieu des ambiances hivernales, il pose des appâts pour attirer vers lui les animaux. Le photographe a traversé le monde, sa chambre noire sous le bras à la recherche de la magie de la luminosité.

En parallèle au travail de prise de vue qui peut durer d’une minute à dix jours, Pentti Sammallahti est un excellent tireur qui met tout son talent au service du temps d’exposition et des tirages argentiques qu’il peaufine dans sa cave-laboratoire. Il aime à faire monter l’image pour donner l’émotion des matières que sont la neige et les brumes. De ses photographies se dégage un fort sentiment de la nature, certaines ressemblent à des estampes japonaises. Sammallahti travaille sur des virages au bleu, du sépia, joue sur la distorsion de l’espace et le panoramique, et garde sa liberté en ne limitant pas le nombre de tirages. A côté de ces paysages de solitude, une série est présentée, hommes en uniforme, avec une unité de lieu et un rythme s’intégrant au paysage. La scénographie emboite le pas au mouvement de la photographie, la Maison Robert Doisneau la présente sous forme de portée musicale, une belle idée.

Pentti Sammallahti a reçu plusieurs fois, à partir de 1975, le Prix National Finlandais de la Photographie. Parallèlement à son travail de photographe il se passionne pour les livres et les techniques de reproduction de la photographie et a conçu une quarantaine de livres auto-publiés et classés en Opus. Ainsi, The Nordic Night, partie I Opus 2, Helsinki, 1982 ; The Japanese Portfolio Opus 15, Helsinki, 1990 ; Archipielago Opus 41, Helsinki, 2004 ; Ici au loin Actes Sud, 2012. « Si le début de la pensée c’est l’étonnement (et sans doute sa fin aussi) alors on sait gré à Pentti Sammallahti de nous le montrer en images, dans le regard perdu d’un chien, ou dans sa surprise devant un homme qui passe ou un oiseau qui s’envole » écrit Gérard Macé dans son article Une pensée en images. L’œuvre de Pentti Sammallahti est d’une grande puissance philosophique et poétique qui prête à la méditation et au nocturne. Et il faut longuement regarder l’oeuvre pour s’imbiber de sa clarté contrastée, du noir au blanc.

Brigitte Rémer, le 9 décembre 2018

Du 19 octobre au 13 janvier 2019, Maison de la Photographie Robert Doisneau, 1 rue de la Division du Général Leclerc 94250 Gentilly – www.maisondoisneau.agglo-valdebievre.fr – Tél. : 01 55 01 04 85 –  et Galerie Camera Obscura – représentant en France de Pentti Sammallahti – du 26 octobre au 29 décembre 2018 – Publication d’un nouvel ouvrage, Les Oiseaux, aux éditions Xavier Barral.

Une forêt en bois… Construire

© Matthieu Rousseau

Conception, écriture et fabrication Fred Parison, mise en scène Estelle Charles, La Mâchoire 36 – Au Théâtre Dunois.

C’est un spectacle pour un acteur-manipulateur, dédié au jeune public. Un spectacle sensible et créatif à partir d’un matériau, le bois. Un joli bric-à-brac artisan est en place sur le plateau, scrupuleusement organisé. Dans sa cabane, l’élégant bûcheron, Sylvestre, costume gris, chemise écossaise, chaussettes et casquette rouge, est à l’écoute, environné de chants d’oiseaux. Il fait pénétrer son petit public haut comme trois pommes de pin au cœur de son paradis forestier. La petite maison est poétiquement extravagante et pleine de surprises. Il fait froid. C’est le 6 janvier. Le coucou chante pour se réchauffer.

Une palissade en bois, pleine de malices, nous fait face, ainsi qu’une toile couverte des objets dessinés de son quotidien, et ses outils. Comme dans un livre d’images Sylvestre détache sa maisonnette et la place sur la table, en miniature, à l’échelle du public. Et quand il pose l’oreille sur cette table, il entend les oiseaux pépier. Il observe la forêt, grimpant sur une chaise à trois branches et non pas à quatre pieds. Autour de lui des automates comme ce bûcheron qui casse du bois à la hache, son autoportrait, et un oiseau posé au-dessus d’une cheminée. L’atmosphère est ludique et poétique. Sylvestre le malicieux construit des mots avec des lettres de l’alphabet : de branche à planche, de planche à manche, puis à hache et à deux h. les lettres dansent. Il dessine son univers, branche son casque déraisonnablement et donne à entendre à tous ce qu’il y écoute, met un disque, rondelle de bois de belle épaisseur sur sa platine, cueille un de ses dessins accrochés à la toile posée sur chevalet, se met à peindre… une forêt.

Sylvestre, véritable homme-orchestre, continue pieds nus et en bras de chemise, souliers bien alignés, chaussettes militairement pliées. Il se glisse sous une tente astucieusement dépliée, plantée au cœur de la forêt projetée sur sa toile, comme si on y était. Pieds et tête dépassent, car la toile n’est pas à l’échelle, créant le sourire. Puis se déclenche un orage avec pluie diluvienne rendue par la bande son, et s’agitent les émotions. Sylvestre se met à peindre, d’abord le cadre, puis la forêt, à gros traits-belles couleurs puis tire devant lui un wagonnet de quatre électrophones aux 45 tours vinyle, écoute et dialogue avec sa forêt « la forêt, la forêt, la forêt… » « Découvrir la cabane en bois au milieu » des bribes de texte d’un conte déstructuré qui se fait entendre. L’homme porte sa cabane en bois comme un masque, apparait avec une guitare qu’il pose et éclaire d’une bougie, peint avec un bâton le long de la palissade, une fenêtre puis une porte, met la clenche sur la porte, puis ouvre la porte, et se cache. Il réapparaît mi-ours mi-oiseau, poilu grandeur nature, en manipulateur. En haut de la cheminée, l’oiseau tourne sur lui-même et danse.

« Une forêt en bois… construire » montre un univers éphémère et un pays des merveilles. La poétique naît du décalage dans l’échelle des objets, dans le calme et l’étonnement, dans la distorsion du sens par la traduction personnelle des choses du quotidien, réinterprétées. Sylvestre/Fred Parison a les mains magiques d’un talentueux inventeur qui suspend le temps et le réinvente à son image, comme est magique sa présence devant les enfants à l’écoute. Issu du domaine des Arts plastiques il travaille avec Estelle Charles, issue du théâtre, ensemble ils ont créé leur Compagnie, La Mâchoire 36. Ils construisent à quatre mains et entourés d’autres artistes, des bricolages plastiques où les petites mécaniques, le mouvement et la manipulation, participent de l’élaboration d’un langage théâtral très poétique.

Brigitte Rémer, le 27 novembre 2018

Conception, écriture et fabrication Fred Parison – mise en scène Estelle Charles – jeu et manipulation Fred Parison –  lumière, régie Phil Colin – Spectacle tout public à partir de 4 ans.

Du 21 au 25 novembre 2018 au Théâtre Dunois, 7 rue Louise Weiss, Paris. Métro : Chevaleret ou Bibliothèque François Mitterrand. Tél. : 01 45 84 72 00. www.theatredunois.org – En tournée : du 8 au 10 janvier 2019, Théâtre des Sablons, Neuilly sur Seine – du 15 au 18 janvier 2019, Théâtre de La Méridienne, Lunéville – les 5 et 6 mars 2019, La Passerelle, Rixheim – www.lamachoire36.com

Sensacje / Sensations

© Axel Saxe

Œuvres de Grazyna Bacewicz, Frédéric Chopin, Elżbieta Sikora, Piotr Ilyitch Tchaïkovski, interprétées par l’Orchestre Pasdeloup sous la direction de Marzena Diakun – Salle Gaveau. En partenariat avec l’Institut Polonais de Paris.

À l’occasion du centenaire du recouvrement de l’indépendance de l’État Polonais, l’Orchestre Pasdeloup met à l’honneur le pays. Le 11 novembre 1918 en effet, la Pologne, divisée entre trois puissances voisines depuis plus d’un siècle, retrouvait, avec le retour du Maréchal Józef Piłsudski à Varsovie, sa souveraineté. C’est la même année que les femmes obtenaient le droit de vote. Pour ce concert, intitulé Sensacje/Sensations, les femmes sont à l’honneur.

Marzena Diakun tout d’abord, jeune et brillante cheffe d’orchestre née à Koszalin, est à la baguette et dirige l’Orchestre, déclinant les œuvres les plus contemporaines jusqu’au répertoire classique. Deux grandes compositrices ensuite sont à l’affiche : Elżbieta Sikora, avec des extraits de ses Miniatures, musique instrumentale d’ensemble et Grażyna Bacewicz avec son Concerto pour violon n°5. Deux compositeurs du XIXème siècle, liés à la Pologne, complètent le programme : Frédéric Chopin en son Nocturne n° 20 dans une orchestration pour violoncelle solo et orchestre à cordes d’Antonin Rey, et Piotr Ilyitch Tchaïkovski dont la Symphonie n° 3 en ré majeur opus 29 s’intitule Polonaise.

Le concert débute avec la création française de deux des six Miniatures d’Elżbieta Sikora, n° 1 et n°4, commande de la Radio Polonaise en 2013. Pianiste de formation et ingénieur du son, la compositrice fut l’élève de Pierre Schaeffer et François Bayle avec qui elle s’est initiée à la musique électroacoustique, à travers le GRM et l’IRCAM, comme elle l’a fait ensuite au CCRMA (Center for Computer Research for Music and Acoustics) de l’Université de Stanford (États-Unis). Elle a suivi des études de composition au Conservatoire de Varsovie auprès de Tadeusz Baird et Zbigniew Rudzinski et composé plus de cinquante œuvres, dont Guernica, hommage à Pablo Picasso (1975), La tête d’Orphée II (1982), L’arrache-cœur (1992), Flashback (1996). Sa palette est variée, elle a à son actif trois opéras, trois ballets, des oeuvres symphoniques, des concertos, de la musique de chambre, des musiques électroacoustiques et mixtes. Plusieurs prix lui ont été décernés comme le Prix Magistère à Bourges, le Prix Nouveau Talent Musique SACD, le Prix du Printemps SACEM, et elle a reçu une mention spéciale de l’Académie du Disque Lyrique. Son opéra, Marie Curie, rencontre actuellement un succès international. Commande pour la commémoration du Centenaire de l’attribution du Prix Nobel de chimie à Marie Skłodowska-Curie, l’œuvre fut créée à l’Unesco en 2012 avant d’être reprise à l’Opéra baltique de Gdańsk puis dans de nombreux pays. Elzbieta Sikora est directrice artistique du Festival Musica Electronica Nova de Wroclaw, en Pologne. Son cycle, Miniatures, dont elle présente ici deux courtes pièces est d’une forte expressivité tout en gardant pour points d’appuis les principes formels de la composition. Elzbieta Sikora manie à la fois la narration et maîtrise l’orchestration, ses pièces sont d’un profond lyrisme. La suite des Miniatures sera donnée lors des prochains concerts de l’Orchestre Pasdeloup.

Seconde compositrice présentée par l’Orchestre, Grażyna Bacewicz avec son Concerto pour violon n°5, brillamment interprété par Geneviève Laurenceau. D’une famille de musiciens lituaniens, la compositrice apprend le violon et le piano auprès de son père et donne son premier concert à l’âge de sept ans. Elle perfectionne ses deux instruments au Conservatoire de Varsovie et approfondit leur apprentissage tout en faisant des études de philosophie. Elle apprend la composition avec Kazimierz Sikorski en Pologne, puis auprès de Nadia Boulanger, à Paris. Elle devient soliste principale au Wielka Orkiestra Symfoniczna Polskiego Radio/Orchestre Symphonique de la Radio Polonaise, sous la conduite de Grzegorz Fitelberg et commence à composer de manière clandestine pendant la guerre. Elle enseigne au Conservatoire de Łódź, avant de se dédier à la composition jusqu’à sa mort, en 1969. Elle laisse plus de deux cents œuvres, écrit de nombreuses partitions pour cordes en général, dont sept quatuors et la Symphonie, et pour le violon en particulier sept concerti, cinq sonates avec piano, trois sonates en solo, et sept concertos pour violon. Composé en 1954, le Concerto pour violon n°5 a été joué l’année suivante par l’Orchestre Philharmonique de Varsovie dirigé par Witold Rowicki, avec en soliste Wanda Wiłkomirska, Grażyna Bacewicz victime d’un grave accident n’ayant pu l’interpréter elle-même. C’est ici Geneviève Laurenceau qui joue avec virtuosité ses trois mouvements : Deciso, Andante et Vivace. Brillante représentante du violon français qu’elle apprend dès l’âge de trois ans, elle transmet avec fulgurance la rythmique de l’œuvre tant dans ses harmonies vives et dissonantes que dans sa douceur inquiète, et accompagne le chant introspectif de l’Andante en mettant en relief sa force et sa fragilité. L’instrument se déploie sous ses doigts d’une grande habileté qui passent de la structure néo-classique de l’oeuvre aux formes musicales populaires et colorées privilégiées par la compositrice.

Le Nocturne n° 20 en do dièse mineur de Chopin dans une orchestration commandée par l’Orchestre Pasdeloup et une interprétation du violoncelliste Éric Villeminey est la troisième œuvre de ce concert. Pas de Pologne sans Chopin qui composa une vingtaine de nocturnes à différents moments de sa vie. Il a vingt ans quand il compose celui-ci, en1830 et s’apprête à quitter la Pologne pour Vienne puis Paris. Ce Nocturne ne sera publié qu’après sa mort, en 1870. L’interprétation proposée par Éric Villeminey, violoncelle solo de l’Orchestre Pasdeloup depuis une vingtaine d’années, est magistrale. Elle restitue avec profondeur la mélancolie de la mélodie et les déclinaisons de la composition des plus nostalgiques et romantiques.

La quatrième œuvre interprétée par l’Orchestre est la Symphonie n° 3 en ré majeur opus 29 de Piotr Ilyitch Tchaïkovski, dite Polonaise. Écrite en 1875, elle a pour particularité d’être construite non pas en quatre mouvements comme habituellement, mais en cinq : Introduzione e Allegro, Alta tedesca, Andante elegiaco, Scherzo, Finale. L’Orchestre déploie ici avec une grande puissance un langage orchestral universel et traduit avec passion les reliefs rythmés et dansés donnés par le compositeur à son œuvre.

Par ce concert, percutant et enthousiaste, qui célèbre la Pologne, concert porté notamment par des femmes musiciennes, l’éblouissante cheffe d’orchestre, Marzena Diakun, encourage et contient l’Orchestre Pasdeloup avec une grande maîtrise et émouvante sensibilité, musiciens que nous félicitons tous.

Brigitte Rémer, le 25 novembre 2018

Samedi 17 novembre 2018, Salle Gaveau – Orchestre Pasdeloup, 1 boulevard Saint-Denis 75003. Tél. : 01.42.78.10.00 –  Site : www.concertspasdeloup.fr

 

« Les Mystiques », ou comment j’ai perdu mon ordinateur entre Niort et Poitiers

© Théâtre Irruptionnel

Texte et mise en scène Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre. Création du Théâtre Irruptionnel, aux Plateaux Sauvages.

 « L’impression étrange d’être submergé par un imaginaire collectif auquel s’ajoutait ma propre représentation du sujet… » commente Lui, l’auteur, dans sa quête de l’objet oublié dans le train – son ordinateur – portant dans le fruit de ses entrailles le scénario composite des Mystiques, son grand projet. Ce prologue, par images projetées sur les stores de sa chambrette au sol jaune type cellule monacale, parle des notes écrites et perdues de son travail engagé et du U-avec-un-accent-grave de son clavier absent, ù comme ùrgence d’écrire. Il est entouré de livres-capteurs de rêves, dans lesquels il pioche et tente de recréer dans sa mémoire, ce qui s’est perdu, convoquant en une galerie de portraits, une trentaine de personnages – interprétés par six acteurs – qui vont se succéder en un pétillant manège, du plus réel au plus abstrait.

Et l’écrivain solitaire replonge dans son sujet et s’illumine, jusqu’à la déréalisation. Son amie Élise l’exaspère assez vite, croquant des orangettes au chocolat qui le déconcentrent cruellement. Et les multiples voix qui l’assaillent sont chargées d’anecdotes sur l’expérience mystique de tout un chacun. Et chacun y va de son antienne.

La demi-sœur de Lui, qu’il a connue au décès de leur père et avec qui il s’attable une fois l’an, ici dans un restaurant japonais de La Tour-Maubourg, lui offre Le Dialogue, livre de Catherine de Sienne, mystique à laquelle elle s’identifie. La scène est drôle et déjantée. « Elle ne savait ni lire ni écrire. Elle dictait et ses disciples notaient. Il y a quelque chose de très répétitif, comme une pensée qui s’invente devant nous. » Et La demi-sœur de Lui voyage entre extase et ressassement. Le tableau suivant ouvre sur un débat autour de la reproduction de la peinture d’Il Sodoma, Extase de Catherine de Sienne, dans le bureau de production de Florence et Mathieu. Difficile à vendre, Catherine de Sienne ! La productrice ne sent pas vraiment le projet et joue de la litote : « C’est compliqué ! » Son assistant s’enflamme : « Catherine de Sienne c’est pas du tout ça : c’est une femme, en Italie, à Sienne, au XIVème siècle, qui prend la parole, avec force, contre la guerre, la peste, l’église qui est en partie corrompue… »

Vont et viennent différents personnage hétéroclites : l’Ancien Professeur de diction de Lui qui le taraude de questions sur le pourquoi du choix de ce sujet ; le Fantôme du Père de Lui, grand baraqué en uniforme qui apparaît et disparaît, qui se met à saigner du nez – comme Lui juste après – et qui donne à son fils des conseils d’écriture : « Mais je t’en supplie, tu t’en tiens à une structure claire et surtout, t’évites les listes… » ; Mme Madebeine la Prof de français option grec et latin au lycée, fana de Socrate, plantée devant trois colonnes de carton-pâte projetées dirige les acteurs en graine vêtus de toges romaines, qui déclament avec conviction : « Connais-toi toi-même et tu connaitras les dieux. » Et Sarah, la patiente collaboratrice travaillant avec Lui au Fort Foucault, en présence de La demi-sœur de Lui, essaie de rationaliser : « Tuer ses pensées, ses habitudes, sa famille, tuer ses désirs aussi, tout, tout ce qui vous empêche, tout ce que vous aimez, dans un premier temps en tout cas. C’est pour ça que c’est si dur, c’est pour ça que c’est si seul toujours. C’est un combat, terrible, parce que contre soi-même… » Plus tard, apparaitront Le Jeune Bûcheron retiré dans la forêt, Un Vieux Chanoine, l’Éditeur, La voisine de Lui dans le train Milan-Paris qui connaît par cœur son alphabet et la Voix de l’Oncle de Lui l’encourageant dans ses recherches sur les moustiques plutôt que sur les mystiques.

Entre temps le public voyage jusqu’à Sienne, dans la ville couleur brique où le héros-auteur, Lui, commence par s’engueuler avec L. (Élise), robe rouge légère, lunettes de soleil alors qu’ils mangent des glaces. Elle ne comprend pas ses humeurs, il pique sa crise, elle part. Alors il devise avec un scénariste français en vacances en Italie, est appelé par un Producteur avant de s’endormir devant la télé et de faire des cauchemars d’où s’échappent de la fumée… une jambe… et apparaît Cassandre… Il part et revient du Deserto di Accona, situé à vingt-cinq kilomètres de Sienne dont il parle, après son black-out avec L’Ophtalmologiste italien : « Quand on va là-bas, nous les Siennois, on dit qu’on va sur la lune… Les yeux si vous voulez sont les organes qui déforment le plus la réalité, ils mentent et pour revenir à une forme de vérité, le corps et l’esprit peuvent décider la mise en place d’un œil intérieur, qu’on appelle troisième œil… » Le thé déborde, l’atmosphère s’embrume et s’alourdit de phénomènes extravagants qui nous placent dans l’illusion, entre stigmates et miracles. Le désert apparaît derrière les fenêtres et Lui devient habité, mystique, entouré de visions, jusqu’à voir Catherine de Sienne élevée au firmament et qui ressemble aux personnages envolés des tableaux de Chagall.

Écrit en vingt et un tableaux, le texte oscille entre extravagances, hilarités et décalages. On est aux frontières de l’irrationnel et de la folie, dans la loufoquerie érudite et la réflexion sur la création car « Très tôt tu dois savoir ce que tu vas faire plus tard. Dès la troisième on te demande d’avoir un projet professionnel. Après c’est pire. Si t’as pas de projets, c’est suspect, tu vas forcément mal. Donc tu passes ton temps à en avoir, des projets. Tu t’en inventes même, ça rassure. Le projet mystique c’est l’inverse en fait : avant de faire des conneries j’essaye de savoir un peu qui je suis. » La chute est modeste et inattendue, quand Lui s’avoue avoir raté et l’accepte presque joyeusement.  « Les mystiques eux-mêmes doutent de leurs capacités à rendre compte de leur expérience de l’indicible. Alors moi… »

Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre – fondateur en 2003 du Théâtre Irruptionnel, avec Lisa Pajon, sa complice de toujours depuis le Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris – mêle à la représentation, en texte et en images en tant qu’auteur et comme metteur en scène, de nombreuses références, toujours avec précision et légèreté. Il parle entre autres des auteurs Joë Bousquet et Michel de Certeau, de l’icône mexicaine Frida Kahlo, montre Patti Smith photographiée par Robert Mapplethorpe ou les transes filmées par Jean Rouch. Dans leurs partitions respectives, les acteurs s’en donnent à cœur joie, avec virtuosité, nous emmenant avec eux – avec Lui – sur les chemins escarpés de ce vertigineux sujet qui prend à témoin le spectateur et le plonge dans l’expérience du mystère de la création, qui pourrait s’apparenter à celui du sentiment amoureux.

Brigitte Rémer, le 26 novembre 2018

Avec Mathieu Genet,
Bruno Gouery,
Mireille Herbstmeyer,
Flore Lefebvre des Noëttes,
Lisa Pajon en alternance avec Florence Fauquet, Makita Samba. Dramaturgie Sarah Oppenheim – costumes Olga Karpinsky – lumière Kelig Le Bars – son Nicolas Delbart – vidéo Christophe Walksmann – scénographie Alexandre de Dardel, avec la collaboration de Louise Scari – assistanat à la scénographie Rachel Testard – atelier de construction Le Préau/CDN de Normandie/Vire – régie générale Marie Bonnemaison – régie lumière Grégory Vanheulle – administration et production Mathieu Hillereau/Les Indépendances – diffusion Florence Bourgeon. Le texte est publié aux éditions Les Solitaires Intempestifs, avec la collaboration d’Éric Tillette de Clermont-Tonnerre.

Lundi 19 au vendredi 30 novembre 2018, à 20h (sauf samedi et dimanche) Les Plateaux Sauvages, 5 Rue des Plâtrières, 75020 Paris – En tournée à Versailles, Vire, Bar-le-Duc, Bressuire, Saintes et Châtellerault. Le Théâtre Irruptionnel est associé au Moulin-du-Roc, à Niort où il a créé le spectacle, le 6 novembre 2018

Mama

© Christophe Raynaud de Lage

Texte et mise en scène Ahmed El Attar – Spectacle en langue arabe, surtitré en français – Dans le cadre du Festival d’Automne à Paris.

Mama raconte, par les quatorze acteurs présents sur scène, l’histoire d’une famille de la bourgeoisie égyptienne. Un grand canapé central type copie du XVIIIème résume l’affrontement de trois générations où les petits drames ont valeur de grands scénarios. Dans une scénographie de Hussein Baydoun, l’espace est cerné de barres métalliques, symbole de piège ou bien d’enfermement.

En scène, côté cour, la grand-mère, (Mehna El Batrawy) calée dans son fauteuil et qui n’en bouge guère, rivalisant d’hostilité avec sa belle-fille, (Nanda Mohamad, présente dans les précédents spectacles d’Ahmed El Attar). Côté jardin, le grand-père (Boutros Boutros-Ghali dit Piso) calé dans le sien, son fils et ses deux enfants en mouvement de yoyo entre les deux pôles, masculin et féminin. Les tensions familiales s’expriment sur la scène entre grand-mère et belle- fille, entre hommes et femmes, entre les deux enfants, entre la famille et les serviteurs.

Du canapé où s’expriment les conflits d’une société en crise, la famille s’embourbe dans les clichés d’un monde machiste et de conflits de génération. La question posée par Ahmed El Attar sur un ton de comédie sociale touche à l’obsession misogyne qui envahit, sournoisement ou non, les rapports masculin/féminin de la société égyptienne. Il cherche à en démonter le mécanisme en montrant que les femmes, premières victimes de cette oppression masculine, en seraient aussi la source : chargées de l’éducation des enfants, elles adulent leurs fils et les aident à acquérir très tôt ce sentiment de toute-puissance, de telle manière qu’elles sont elles-mêmes signataires de la reproduction du système. Le discours d’Ahmed El Attar pourtant n’est jamais frontal il suit les méandres de la vie familiale quotidienne, comme si de rien n’était. Les séquences se succèdent de manière enlevée par des acteurs bien dirigés, petits morceaux de vie teintés d’humour et de sarcasmes, au gré de la courbe des guerres intestines et comme un Jeu des sept familles. Je demande… la grand-mère… !

Auteur, metteur en scène et opérateur culturel parfaitement francophone, Ahmed El Attar travaille au Caire et dirige le Studio Emad Eddine où il s’investit aussi dans la formation des comédiens et des acteurs culturels. A travers le Théâtre El-Falaki qu’il dirige et le Festival de théâtre indépendant, Downtown Contemporary Arts Festival D’Caf qu’il programme chaque année dans la ville, il crée, par son franc-parler, une dynamique théâtrale et des synergies auprès des jeunes artistes, et partage avec eux l’espace artistique. Dans son pays, l’Égypte, où plus de 60% de la population a moins de vingt-cinq ans et où les rapports de classe et de pouvoir se sont figés, ces bouteilles jetées à la mer, chargées de dérision, sont salutaires.

Après avoir travaillé en 2014 dans The Last Supper sur la figure du père – celui qui, dans le Monde Arabe, a le pouvoir – El Attar poursuit sa saga familiale avec la figure de la mère, première actrice d’une normalité confisquée entre les hommes et les femmes. Il pose la question de la responsabilité.

Brigitte Rémer, le 10 novembre 2018

Avec Belal Mostafa, Boutros Boutros-Ghali, Dalia Ramzi, Hadeer Moustafa, Heba Rifaat, Menha El Batrawy, Menna El Touny, Mohamed Hatem, Mona Soliman, Nanda Mohammad, Noha El Kholy, Ramsi Lehner, Seif Safwat, Teymour El Attar – Musique et vidéo Hassan Khan – Décor et costumes Hussein Baydoun – Lumière Charlie Astrom – Production Henri Jules Julien et Production Orient productions, Temple independant Theater Company

Après sa création au Festival d’Avignon 2018, la pièce a poursuivi sa route au Théâtre de Choisy-le-Roi le 9 octobre, à la MC 93 du 11 au 14 octobre, au TNB de Rennes. Site : www.festival-automne.com

Ensemble Lyaman

© Théâtre d’Ivry Antoine Vitez

Mourchid Abdillah, Mohamed Ali Chadhouli, Mohamed Saïd, chanteurs soufis des Comores – Auditorim Antonin Artaud de la Médiathèque, Ivry-sur-Seine.

La présence de trois initiés soufis issus du collectif des Nurul’Barakat est programmée dans le cadre du spectacle Obsession(s) présenté par Soeuf Elbadawi au Théâtre d’Ivry Antoine Vitez, ils sont le lien entre les tableaux. Les représentations ont pourtant commencé sans eux, faute de visas les trois artistes manquaient à l’appel « à la suite d’une crise diplomatique entre la France et Les Comores » explique Christophe Andréani, directeur du Théâtre d’Ivry Antoine Vitez dans un article Médiapart : « Le savoir-faire et la geste de ces artistes-là sont uniques, car ils ont su préserver leur tradition authentique, en refusant tout reformatage en vue de commercialisation ou de tournée mondiale. Ils ne peuvent donc absolument pas être remplaçables… » Leur arrivée fut décalée.

Dirigé par Mourchid Abdillah, le collectif a mis les bouchées doubles et a rejoint le spectacle. Il a aussi donné un récital à la Médiathèque d’Ivry en partenariat avec le Théâtre et le Conservatoire municipal de la ville qui l’a inscrit dans sa Saison musicale. Les trois chanteurs ont pris place, assis sur des troncs d’arbres. On les trouve habituellement dans un grand collectif qui fait cercle. Le rythme est donné par le souffle, une technique très particulière des Comores, il n’y a pas d’instrument de musique. Les chanteurs portent une djellaba blanche bordée de liserés or, ils sont pieds nus et coiffés d’un tarbouche.

« Le soufisme repose sur deux idées essentielles : la conviction que le Coran possède un sens caché qui complète son message apparent et la nécessité d’en faire une lecture intériorisée pour favoriser l’élévation spirituelle des musulmans » écrit Thierry Zarcone dans un ouvrage qu’il lui a consacré, les plus grands poètes du monde musulman ont une appartenance soufie

Les chanteurs ici déclinent leurs mélodies en trio, duo, ou parfois en solo. Un son circulaire en enchaîne un autre, le chant choral se décale de quelques petites notes avec reliefs et demi-tons. Accélérations, décélérations, variations, superpositions. Les chanteurs se répondent et se fondent dans les notes qui arrivent, jusqu’à l’essoufflement. Ils racontent. Harmonies, psalmodies, expressivité, nostalgie, appel. Les corps s’inclinent et se balancent, les mains sur les genoux marquent le tempo, parfois se joignent ou sont en position d‘accueil. Imploration, supplication, adresse, injonction, chacun entre dans la gestuelle à son rythme. L’un commence et appelle les autres dans l’expression de leurs solitudes intérieures. Parfois un regard furtif glisse vers l’autre. Une belle puissance, comme un chœur, comme un cri, se dégage de cette psalmodie coranique, les voix sont invocations. Puis ils se lèvent et à la fin dansent comme en un seul corps. Les mouvements sont circulaires, codifiés, ils sont impulsions, contemplation, expérience mystique, émotion esthétique.

Brigitte Rémer, le 18 novembre 2018

Vu le 17 novembre à l’Auditorim Antonin Artaud de la Médiathèque, Ivry-sur-Seine – Le spectacle Obsession(s) sera présenté du 5 au 8 décembre 2018 avec l’Ensemble Lyaman au Théâtre Studio d’Alfortville – 16 Rue Marcelin Berthelot – 94140 Alfortville – Dans le cadre des Rencontres Charles Dullin. Tél. : 01 48 84 40 53 – www.lestheatrales.com

Obsession(s)

© Théâtre d’Ivry Antoine Vitez

Texte et mise en scène Soeuf Elbadawi, Compagnie O Mcezo* – Dans le cadre des Théâtrales Charles Dullin.

Soeuf Elbadawi est né à Moroni, dans l’archipel des Comores, l’une des quatre îles posées dans l’Océan Indien, il y travaille. Avec Obsession(s) il s’empare de l’Histoire. « Ce projet naît du besoin d’interroger la fabrique coloniale, loin des mémoires dites exclusives. Il y a la volonté de retrouver le chemin d’une histoire en partage, de s’affranchir du récit mutilé d’un peuple encore sous tutelle, le mien, et de contribuer à faire tomber quelques certitudes bien établies » déclare-t-il.

Par des techniques théâtrales diversifiées comme le théâtre d’objets, la musique soufie, le jeu dramatique et le conte, l’auteur-metteur en scène dénonce avec virulence la colonisation française aux Comores. Il convoque différents personnages comme le fou, le narrateur, l’artiste, dans des rencontres-tableaux mises bout à bout en un ressassement qui vise à faire émerger l’Histoire de sa part d’ombre.

Trois hommes vêtus de blanc ouvrent le spectacle, ils représentent le chœur soufi Lyaman qui n’a pu arriver à temps à Paris faute de visa, mais qui rejoindra les représentions suivantes. On débute par un rituel. Puis André Dédé Duguet, conteur martiniquais originaire de Sainte-Marie, haut lieu de la culture Bèlè, place le décor historique dans son rôle de professeur-conférencier. Son propos est mis en débat, depuis la salle, par Leïla Gaudin, comédienne et performeuse. Soeuf Elbadawi excelle dans le rôle du fou travestit en vieille femme et Francis Monty auteur, metteur en scène et manipulateur québécois, dans la traversée des océans par objets interposés. Le rendez-vous sous-marin qu’il imagine, avec un ancêtre aquatique, le coelacanthe, est une merveille.

Dans les écrits qu’il publie depuis 2003 comme dans Obsession(s), Soeuf Elbadawi questionne l’humanité. « J’essaie d’appartenir à un monde pluriel, où tous se disent d’accord pour une décolonisation des esprits et un décentrement du regard. » Son obsession de la question coloniale lui permet de construire cette aventure multiculturelle où la place du sacré reste présente. Acteur majeur de la scène artistique aux Comores et hyper actif de l’espace francophone entre les pays de l’Océan Indien, La Réunion la France, La Martinique, le Québec, la Belgique et la Suisse, Soeuf Elbadawi est à la fois auteur, metteur en scène, comédien et chanteur. Il est engagé dans plusieurs associations théâtrales et musicales et vit entre Moroni, la capitale des Comores et Paris. Ses recherches touchent à la complexité des relations Nord-Sud et la mémoire collective, elles mettent en jeu sur le plateau la pluridisciplinarité.

L’exigence du Théâtre Antoine Vitez l’accompagne, dans son ambitieuse programmation qui « fait hospitalité à toutes formes d’expressions sensibles, savantes et populaires, qui témoignent de la diversité culturelle à l’œuvre dans une société joyeusement cosmopolite ». Des débats autour de la situation aux Comores réunissent parallèlement journalistes et anthropologues. Les chanteurs soufis de l’Ensemble Lyaman, à bon port, donneront un concert vendredi 16 novembre à midi, à la Bibliothèque Antonin Artaud d’Ivry-sur-Seine, dans le cadre de la Saison Musicale du Conservatoire municipal de la ville.

La parole de Soeuf Elbadawi rare et forte, appelle l’attention sur son archipel, les Comores, dont il écrit sa part d’Histoire. La théâtralisation qu’il en fait porte sa voix d’une manière directe, documentaire, poétique, drôle et cinglante, en dialogue avec l’équipe artistique constituée autour de lui dans la diversité des disciplines.  Sa puissance est salutaire.

Brigitte Rémer, le 12 novembre 2018

Avec André Dédé Duguet, Leïla Gaudin, Francis Monty, Soeuf Elbadawi ; avec Mourchid Abdillah, Mohamed Saïd, Chadhouli Mohamed, du chœur Soufi Lyaman – conception théâtre d’objets et manipulation Francis Monty en complicité avec Julie Vallée-Léger et pour la fabrication Chann Delisle – scénographie Margot Clavières et Julie Vallée Léger – régie générale, lumières Matthieu Bassahon.

Théâtre d’Ivry Antoine Vitez les 8, 9, 12, 15 et 16 novembre à 20h, en coproduction avec Le Tarmac et le Théâtre Studio d’Alfortville, 1 rue Simon Dereure 94200 Ivry-Sur-Seine, métro : Mairie d’Ivry – Tél. : 01 46 70 21 55 theatredivryantoinevitez.ivry94.fr – En tournée : Théâtre Studio d’Alfortville du 5 au 8 décembre 2018, au Tarmac, du 3 au 5 avril 2019 –  D’autres dates sont à préciser.

 

Scala

© Géraldine Aresteanu

Conception, mise en scène et scénographie Yoann Bourgeois –  à La Scala / Paris.

L’ai-je bien descendu ? L’escalier central du dispositif imaginé par Yoann Bourgeois, pour sa troupe a marqué la réouverture de la salle parisienne, Scala, à la programmation ouverte et éclectique et qui a inspiré le metteur en scène pour le titre de son spectacle.

Célèbre café-concert au début du XXe siècle, cinéma reconstruit à l’italienne après sa destruction dans l’entre-deux guerres à la manière du modèle milanais, temple du porno dans les années soixante-dix, la Scala est aujourd’hui « théâtre d’art privé d’intérêt public » à l’initiative de Mélanie et Frédéric Biessy.

Acrobate, jongleur et danseur, Yoann Bourgeois a mis en scène et en espace depuis 2010 une douzaine de spectacles comme Cavale et Les Fugues, Celui qui tombe ou Les Passants. Il co-dirige avec Rachid Ouramdane le Centre chorégraphique national de Grenoble, une première pour un artiste de cirque. Il présente aujourd’hui Scala avec sept danseurs-acrobates et fait tourner son poétique manège sur le déséquilibre, la chute, la suspension, l’illusion et la disparition avec une grande vitalité et virtuosité. Le grand escalier s’inscrit dans une scénographie pleine de cachettes, de toboggans et trampolines. Une histoire envolée se construit. Cela commence par des trous dans lesquels les danseurs-acrobates disparaissent un à un, où les cadres tombent et les portes grincent, où se démultiplient les personnages comme autant de sosies – quatre hommes en jeans et chemises à carreaux, deux femmes en shorts et tee-shirts – où les chaises sont truquées, où les meubles s’écroulent et se redressent. Mirage, génie du mirage… Yoann Bourgeois dit s’être inspiré des wakouwas, ces petits animaux de bois qui, d’un petit coup de poussoir se désarticulent, gisent et se relèvent.

Il se joue mille et une aventures sur le plateau de la Scala où les corps roulent comme l’eau en cascades descendant l’escalier, où se désynchronisent et se désarticulent de singuliers duos et trios, où de subtils mouvements collectifs, nous conduisent petit à petit dans le monde des morts-vivants. Un environnement animal rampant, des mouvements incessants et lancinants qui font penser aux travailleurs d’une mine d’or repartant inlassablement à l’assaut de leur montagne, ou à l’univers de la cave musicale et solidaire du Roi et l’Oiseau. Les lits sont truqués, la bande son joue entre le grésillement des criquets et les bruits d’usine, elle nourrit l’imagination. Hommes et femmes s’abattent comme des aigles et sont catapultés jusqu’au ciel. Ils sont virtuoses dans leur art.

Le spectacle débute dans l’insouciance du burlesque et la légèreté, puis la tension monte et l’horizon se charge. La construction dramaturgique nous conduit au gris- bleu nuit du trouble profond. C’est talentueux et magnifique, c’est inscrit dans le lieu, c’est la gravité même, tête en bas.

 Brigitte Rémer, le 3 novembre 2018

Avec : Mehdi Baki, Valérie Doucet, Damien Droin, Nicolas Fayol, Emilien Janneteau, Florence Peyrard, Lucas Struna – lumières Jérémie Cusenier – costumes Sigolène Petey – son Antoine Garry – conception et réalisation de machineries Yves Bouche – conseil scénographique Bénédicte Jolys – collaboration artistique Yurie Tsugawa.

La Scala/Paris, 13 bd de Strasbourg, 75010. Paris. Métro : Strasbourg-Saint-Denis. Jusqu’au 24 octobre 2018, puis en tournée – Tél. : 01 40 03 44 30 – www.lascala-paris.com – www.ccn2.fr